正版 危机时代的自我救赎-勋伯格音乐作品研究 杨柳成 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 广西师范大学出版社

ISBN：9787549566938

商品编码：29867683890

丛书名： 危机时代的自我救赎

 

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目录

 

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内容提要

 

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《危机时代的自我救赎：勋伯格音乐作品研究》是现代音乐代表人物勋伯格的专项研究论著，主要是对勋伯格弦乐六重奏《升华之夜》的音乐学分析。通过对十九世纪末维也纳的社会文化背景和勋伯格早期的生活经历作详细解读，并结合《升华之夜》音乐本体的艺术分析，揭示出《升华之夜》这部作品所蕴含的更深层次的精神内涵，这就是十九世纪末西方文化所显露出的“现代人”的“精神危机”。附录为勋伯格的学生、音乐理论家勒内？莱博维茨所著《勋伯格和他的乐派》（Schoenbergandhisschool）中勋伯格的相关部分，其对勋伯格的所有作品全面系统的梳理与理性分析，具有很高的学术价值。

 

 

 

文摘

 

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《跨越时空的交响：二十世纪音乐的变革与传承》 一、 引言：时代的脉动与音乐的觉醒 二十世纪，一个剧烈变革的时代，世界经历了两次世界大战的洗礼、科技的飞速发展以及社会结构的深刻重塑。在这样的时代背景下，艺术，尤其是音乐，不再满足于沿袭古典与浪漫主义的旧有范式。它渴望捕捉时代的焦虑、探索潜意识的幽深，并以全新的语法重构听觉体验。本书旨在深入剖析二十世纪上半叶（约1900年至1950年间）西方音乐的主要流派、关键人物及其作品，探讨这些音乐如何回应时代挑战，并为后世音乐发展奠定了不可磨灭的基础。我们将聚焦于那些大胆革新者，他们如何挑战了听觉习惯，开辟了通往现代音乐的全新疆域。 二、 调性体系的瓦解与重构：从德彪西到第二维也纳乐派 二十世纪初，对传统调性体系的束缚感日益加深，象征主义和印象主义的思潮首先吹响了变革的号角。 2.1 印象主义的色彩与模糊：德彪西与拉威尔 克劳德·德彪西（Claude Debussy）被誉为音乐印象主义的先驱。他的音乐不再致力于清晰的结构叙事，而是追求色彩、光影和氛围的瞬间捕捉。通过使用全音阶、五声音阶以及复杂的和弦色彩（如九和弦、十一和弦的自由使用），德彪西打破了功能和声的严格限制，使音乐听起来如同一幅流动的水彩画。其对器乐音色的精妙运用，尤其是在钢琴曲中，开辟了新的演奏技法领域。莫里斯·拉威尔（Maurice Ravel）虽然在某些方面继承了印象派的技巧，但其作品更具清晰的轮廓感和精湛的配器技巧，展现出一种更为精致和古典的现代性。 2.2 表现主义的内在恐惧：荀伯格的早期探索 阿诺德·荀伯格（Arnold Schoenberg）及其追随者，在维也纳的文化土壤中，将这种对传统界限的突破推向了极端。早期，荀伯格的作品深受瓦格纳晚期和布拉姆斯的张力影响，其和声语言日益紧张，充满了对内在心理冲突的极致表达，即“表现主义”。例如，在《期望》（Erwartung）等作品中，不协和音的密度达到空前水平，传统调性功能完全崩溃，音乐在极度紧张中游走。这种无调性（Atonality）的探索，是作曲家对外部世界混乱和内心焦虑的直接映射。 2.3 序列主义的诞生：理性对无序的反抗 面对无调性带来的结构松散和随机性风险，荀伯格在1920年代初发展出“十二音列技术”（Dodecaphony）。这并非仅仅是随机选择十二个音，而是一种严格的组织原则，确保十二个半音在序列中得到同等的使用，从而取代了传统的调性中心。这是一种用高度理性的、数学化的结构来控制无调性素材的方法，旨在建立新的秩序。这一技术的诞生，标志着二十世纪音乐史上一个关键的转折点。其核心的严谨性与哲学思辨，为后来的结构主义思潮埋下了伏笔。 三、 新古典主义的回归与地域主义的兴起 并非所有作曲家都欣然接受无调性带来的激进变革。另一股强大的思潮——新古典主义（Neoclassicism）——在两次世界大战之间兴起，它主张回归巴赫、莫扎特等古典大师清晰的结构、均衡的比例和明确的器乐形式，但注入二十世纪的和声色彩和节奏活力。 3.1 形式的复兴：斯特拉文斯基的转向 伊戈尔·斯特拉文斯基（Igor Stravinsky）是新古典主义的代表人物。在经历了《春之祭》的原始主义冲击后，他转向了对清晰的奏鸣曲式、赋格以及协奏曲体裁的重新审视。斯特拉文斯基的新古典主义作品（如《普尔钦奈拉》和《D大调交响曲》）展现出一种“疏离感”——形式古典，但和声与节奏却是现代的。他用新的工具来雕刻旧的框架，创造出一种“以理智驾驭情感”的音乐。 3.2 地区色彩与民族精神的挖掘 在欧洲中心之外，如美国、东欧和俄罗斯，作曲家们积极探索本土民间音乐、爵士乐等元素，形成了强烈的地域音乐特色。这些音乐家利用现代和声技巧，将本民族的旋律和节奏融入到宏大的交响构架中，形成了既现代又根植于民族土壤的音乐语汇。 四、 节奏的解放与极简的张力 二十世纪的音乐革命不仅发生在音高和和声领域，节奏的复杂化和自由化同样令人瞩目。 4.1 原始主义与多重节奏 斯特拉文斯基的《春之祭》通过不断变化的拍号、持续的重音和不同声部之间的节奏冲突（多重节奏），制造出一种令人不安的、原始的能量。这种对节奏的强调，打破了十九世纪音乐中稳定的节拍框架。 4.2 爵士乐的影响与布鲁斯音阶 特别是在美国作曲家中，爵士乐的切分音、摇摆感以及布鲁斯音阶的运用，为严肃音乐注入了前所未有的活力和即兴精神。这不仅是风格的借鉴，更是对音乐创作过程中“即兴”与“律动”价值的再认识。 五、 结语：现代音乐的遗产 二十世纪上半叶的音乐史，是一部不断探索“边界”的历史。作曲家们拒绝被既有的规则所束缚，他们或沉入潜意识的深渊，以十二音体系寻求理性秩序；或回归古典的形式，试图在古老框架中注入时代精神。这种对既定美学观念的颠覆与重塑，不仅深刻地改变了音乐的听觉面貌，更拓宽了艺术表达的哲学维度，为后来的电子音乐、偶然音乐乃至极简主义的出现，铺设了至关重要的道路。本书将带领读者细致梳理这些变革的轨迹，理解现代音乐是如何成为我们这个动荡时代最精确的听觉注脚。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格有一种独特的“节奏感”，读起来不像是在单纯接收信息，更像是在聆听一场精心编排的音乐会。作者的遣词造句非常考究，时而如涓涓细流般细腻委婉，深入剖析内在的微妙变化；时而又如洪钟大吕般掷地有声，对核心论点进行强有力的宣告。这种富有张力的语言运用，有效地避免了学术写作常见的枯燥乏味，使得阅读过程本身变成了一种享受。我注意到，作者在描述理论演变时，常常使用拟人化的手法，将复杂的思想流派赋予了生命力和冲突感，这让原本冰冷的知识体系瞬间充满了戏剧张力。这种文笔的驾驭能力，无疑是作者深厚人文素养的体现，让读者在吸收知识的同时，也能感受到文字艺术的美感。

评分☆☆☆☆☆

对于一本专业书籍而言，其“方法论”的构建往往比具体结论更具价值。这本书最让我赞叹的一点，在于它提供了一套可以被其他研究者借鉴和应用的分析工具箱。作者并没有仅仅停留在“是什么”的描述层面，而是花了大量的篇幅去构建和阐述“如何看”和“如何分析”的框架。这种方法论的构建是系统性的、可操作的，它指导我重新审视自己过去处理类似问题的思路，发现了许多思维上的盲点和惯性。通过学习书中展示的严谨的分析步骤和模型，我感觉自己不仅仅是增加了一块知识拼图，更是获得了升级自己“认知操作系统”的机会。这套方法论的提炼与总结，体现了作者深厚的学术积累和卓越的体系化能力，是这本书留给学界最宝贵的财富之一。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计实在太吸引人了，初拿到手的时候，我就被它那种沉稳又不失力量感的封面设计所打动。纸张的质感也很好，拿在手里很有分量，翻阅起来触感舒适，这对于一本需要反复研读的学术著作来说，绝对是一个加分项。而且，装帧的细节处理得非常到位，从书脊的烫金工艺到内页的排版布局，都透露出一种对文字的尊重和对读者的体贴。我特别欣赏它在视觉上传达出的那种严肃又不失艺术性的氛围，让人在阅读之前就已经对作者倾注的心血有了一个直观的感受。这种内外兼修的品质，让这本书不仅仅是一本知识的载体，更像是一件值得收藏的艺术品。我相信，好的内容需要好的载体来承载，而这本书的物理呈现，无疑为接下来的阅读体验打下了坚实的基础。每一次将它从书架上取下，那种仪式感都会被唤醒，这对于深度阅读的启动是非常有益的。

评分☆☆☆☆☆

阅读的体验，很大程度上取决于作者的叙事能力和逻辑构建。我发现这本书在行文上展现出一种罕见的清晰度和逻辑的严密性，它不是那种堆砌晦涩术语的“学院派”作品，而是真正做到了将复杂的理论娓娓道来，深入浅出。作者似乎非常懂得如何引导读者的思维，总能在关键节点设置提问，然后用扎实的论据来解答，这种亦步亦亦趋的引导方式，极大地降低了理解门槛，即使是初涉此领域的读者也能跟上节奏。更难得的是，即便是面对一些跨学科的交叉点，作者也能找到精准的比喻和恰当的类比，使得抽象的概念变得鲜活起来，不再是空中楼阁。这种高超的论证技巧，让我不禁停下来反复咀嚼那些精妙的过渡句，感受其间蕴含的深厚功力。

评分☆☆☆☆☆

这本书在材料的广度和深度上，确实给我带来了巨大的震撼。我原本以为在这样的专业领域，能找到的资料无非是那些被反复引用的经典文献，但作者显然进行了大量的、甚至可以说是“田野式”的挖掘和整理。它所引用的案例和佐证材料，很多是以前我阅读其他著作时从未见过的，这极大地拓宽了我的视野。这种“不满足于已知”的求真精神，是任何一本优秀学术著作的灵魂所在。尤其是在对一些边缘或新兴观点的梳理上，作者的批判性思维体现得淋漓尽致，他敢于挑战既有的权威论断，并且提供了令人信服的替代性解释框架。读完之后，感觉自己的知识版图被强行扩张了好几个维度，收获远超预期。