多声部音乐分析与写作(全国普通高等学校音乐学教师教育科专业教材) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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王安国 编

图书标签:

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• 多声部写作
• 音乐理论

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出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787807510727

商品编码：29867688515

丛书名： 多声部音乐分析与写作(全国普通高等学校音乐学

开本：16开

出版时间：2007-09-01

 

• 书名:多声部音乐分析与写作
• 出版社：上海音乐出版社
• 版次：2007年9月第 I 版
• 商品页码：373页
• 商品价格：58.00
• 商品开本：16
• 商品重量：0.78kg
• 商品用途：多声部音乐分析与写作

 

 

  前言
序言
绪论 多声部音乐概述
一、多声部音乐的概念、范畴
二、多声部音乐的纵向结构形态
三、多声部音乐的横向结构
一单元 主调音乐(上)
一章 一段完整音乐的横向结构
第二章 主调音乐作品中静态的纵向结构
一节 和弦及其排列与转位
第二节 自然调式基本的和声材料
第三节 自然调式基本和声材料的功能关系
第三章 四部和声常识
一节 四部和声简介
第二节 声部进行与和弦序进的基本原则
第四章 基本和声材料与旋律的一般关系
一节 陈述的过程
第二节 终止式
第三节 和弦外音
第二单元 主调音乐(下)
一章 基本和声材料的扩展
一节 离调
第二节 转调
第三节 变和弦
第二章 为歌曲旋律选配和弦
一节 钢琴织体
第二节 为不同体裁的歌曲旋律选配和弦
第三章 多声部音乐作品调性的识别与和声分析
一节 调性的识别
第二节 和声分析
第四章 音乐材料陈述与展开常用的手法
第五章 音乐作品曲式结构的基本原则
第六章 规范化曲式
一节 一部曲式
第二节 单二部曲式
第三节 单三部曲式
第四节 复三部曲式与复二部曲式
第五节 回旋曲式
第六节 变奏曲式
第七节 奏鸣曲式
第八节 奏鸣回旋曲式
第七章 非规范化曲式
一节 混合曲式
第二节 自由曲式
第八章 和声运用与音乐结构的对应关系
第九章 和声运用在音乐表现中的作用
一节 和声对主题陈述的作用
第二节 和声对乐思发展的作用
第三节 和声的造型性与表意性作用
第三单元 复调音乐
一章 复调音乐的类型及在作品中的运用
第二章 音点及不同声部结合的一般原理
第三章 对比式二声部
第四章 模仿式二声部
第五章 复对位及其变体形式
第六章 复调音乐的主要体裁及结构
第七章 复调音乐手法在音乐表现中的作用
第四单元 乐队总谱的识读与简化
一章 中、西管弦乐队常见的组织形式与总谱排列
一节 中国民族管弦乐队
第二节 西洋管弦乐队
第二章 移位、移调乐器与总谱识读
一节 八度移位阅读的声部
第二节 移调乐器与总谱识读中的移调读法
第三章 乐队总谱多声部织体的功能梳理
第四章 具有普适性的中小学生乐队用谱
第五单元 20世纪现代音乐多声部结构原则的发展、演变
一章 调性观念的**拓展与消解
一节 调性的泛化与游移
第二节 功能分离与多调并置
第二章 不协和音的“解放”及新音源的开掘
一节 不协和音的“解放”
第二节 新音源的开掘
第三章 化横为纵及纵横一体的序列作曲手法
一节 十二音序列
第二节 写作要则
第三节 多声部织体中序列运用的基本形态
第四节 序列与调性
第五节 十二音和声
第四章 激进的艺术观念与个性化的音乐材料
一节 观念的泛化与僭越
第二节 音乐材料的个性化
参考文献

 

       《多声部音乐分析与写作》是为适应培养高素质音乐教育工作者的需要，顺应20世纪作曲技术理论学科综合与交融的发展趋势，体现西方传统作曲技术理论在我国民族文化环境中的新创造，而将原作曲技术理论课程中的基础和声学、复调音乐、曲式与作品分析及部分配器法常识中的基本教学内容，加以适当整合和拓展后编写而成的。
     对多声部音乐的分析、理解和适应中小学音乐教学工作需要的多声部音乐的初步写作能力，是每一位称职的中小学音乐教师都应具备的。因此，属于作曲技术理论学科的多声部音乐分析与写作，一直是高师音乐教育专业的传统教学科目。本书由王安国主编。
    

《和声的织体：西方音乐传统中的声部组织与布局》 内容提要： 本书聚焦于西方音乐体系中声部组织与布局的精妙艺术——和声的织体。它并非对既有音乐作品的分析工具书，而是深入探索和声如何在多声部语境下构建、展开和实现其结构性意义的理论与实践指南。本书旨在揭示和声语汇的演变脉络、不同风格时期声部进行的基本原则与审美取向，并提供一套系统化的、侧重于横向线条（旋律）与纵向关系（和弦）交织的写作方法论。 第一部分：多声部音乐的基石与概念重构 本部分将首先建立起理解“声部”与“和声”之间复杂互文性的理论框架。我们摒弃将和声视为孤立的垂直堆叠，转而将其视为由独立声部运动所产生的必然结果。 声部思维的溯源： 探讨早期复调音乐（如奥尔加农、经文歌）中，各声部如何基于各自的旋律目的，自然生成和声效果。重点解析中世纪与文艺复兴早期，声部独立性（声部线条的流畅性与可歌性）优先于严格的垂直和声规范的创作实践。 调性体系的建立与约束： 分析从自然音阶向大小调体系过渡过程中，和声的规则如何逐步固化。阐述“功能和声”确立之前，声部进行中的“禁例”与“惯例”的形成机制，如严格对位法的基本规则，及其对后世音乐创作的持久影响。 和声的“横向维度”： 深入剖析和声连接的内在逻辑。研究声部进行中的“导向性”——即特定音高在相邻和弦间移动的倾向性与解决方式。这包括对平行五、八度的规避并非单纯的“禁令”，而是基于对声部独立性丧失的早期审美判断。 第二部分：风格演变中的声部布局策略 本部分将按历史脉络，细致考察不同音乐风格在处理声部数量、音域分配、和弦连接及织体密度上的独特策略。 巴洛克时期的“织体饱和”： 深入研究巴赫赋格与协奏曲的结构。分析如何通过模仿、卡农等手法，实现多达四至六个声部的对等对话。重点探讨固定低音（Basso Continuo）在确立和声框架的同时，如何解放上声部进行更高的自由度。研究“主题的变形”如何影响了声部在不同阶段的交织密度与动态变化。 古典主义的“清晰与平衡”： 考察奏鸣曲式中，主题呈示部、展开部与再现部对声部配置的需求。古典时期的音乐强调清晰的层次感，探讨钢琴奏鸣曲中，左右手声部如何在保持清晰的同时，实现和声的快速转换。分析弦乐四重奏中，四个声部如何承担起“陈述-回应-发展”的功能性角色。 浪漫主义的“色彩与扩展”： 探讨随着和声色彩的丰富（如使用远关系和弦、非功能性和声），作曲家如何调整声部布局以凸显特定音色或情绪。研究厚重和弦（如九和弦、挂留和弦）的使用，对声部间距（空隙）的影响，以及如何通过增加声部数量或改变传统音域分配来营造宏大或私密的听觉空间。 印象主义与二十世纪的“声部解放”： 考察德彪西、拉威尔等人如何打破传统功能和声的束缚。分析平行和弦进行、全音阶与五声音阶的使用对声部独立性的冲击。研究在这些新的和声语境下，声部线条的逻辑如何从“功能驱动”转向“色彩驱动”或“形态驱动”。 第三部分：写作实践与织体设计方法论 本部分侧重于将理论应用于实际创作，提供一套系统化的、从基础到复杂的织体设计流程。 基本织体模式的解构与构建： 详细介绍并示范不同经典织体（如圣咏式、模仿式、主调式、自由复调）的结构要素和写作步骤。重点在于如何为给定旋律线选择最合适的伴奏织体。 声部音域的控制与布局： 探讨不同乐器组（如人声、键盘、管弦乐）在声部间距上的限制与可能性。研究如何通过故意拉大或缩小声部间距，来控制听觉上的“密度”和“饱和度”，进而影响音乐的情感表达。 和声驱动与旋律驱动的平衡： 提供一套练习方法，训练作者在确定和声进行与保持声部独立性之间进行高效取舍。例如，在处理复杂和弦时，如何通过巧妙的声部进行，使听众感知到明确的和声变化，同时避免声部线条的僵硬。 织体的动态发展： 教授如何设计一个段落内部的织体变化，实现从稀疏到饱满、从对位到主调、或从低音导向到高音导向的自然过渡。探讨通过声部增减、音域转移、以及节奏活动度的调整，来实现音乐的结构性呼吸与张力释放。 本书期望引导读者超越对和弦名称的记忆，深入理解多声部音乐写作的本质：在相互制约的独立旋律线条之间，寻找和谐与张力的微妙平衡，从而构建出具有生命力的音乐结构。 它是对那些希望深入掌握如何“写”出具有内在逻辑与丰富声部细节的音乐作品的创作者和研究者的必备参考。

评分☆☆☆☆☆

关于这本书的参考价值，我只能用“全面且前瞻”来概括。它的参考文献和扩展阅读部分的推荐列表，本身就是一份高质量的音乐学硕博阶段的必读书目清单，足见编纂团队的学术底蕴之深厚。更重要的是，它并没有固步自封于古典时期的范式，而是将现代作曲技法和分析工具也巧妙地融入了框架之中。例如，在讨论到某些和声功能时，它会适时引入20世纪早期作曲家的一些实验性手法作为对照，拓宽了读者的视野，防止思维被单一的调性体系所禁锢。对于想要从基础打牢，最终迈向高阶研究的读者来说，这本书提供了一个极其坚实且灵活的知识平台。它不仅能满足当前教学大纲的要求，更能为未来自我深造的学习路径做好充分的铺垫，是一笔非常值得的投入。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计简直是一场视觉盛宴，色彩搭配大胆又不失典雅，字体选择也颇具匠心，让人一看就知道这不是那种枯燥乏味的教科书。初拿到手时，沉甸甸的质感就透露出内容的厚重与扎实，纸张的触感也相当不错，印刷清晰，排版疏朗有致，即便是初学者也能轻松上手，不会被密密麻麻的五线谱吓到。尤其是装帧的细节处理，那种对细节的极致追求，让人对内里的知识体系充满了期待。这本书显然是为那些真正热爱音乐、渴望深入研究音乐结构的人准备的，它不像市面上很多教材那样流于表面，而是从一开始就致力于构建一个严谨而又富有启发性的学习框架。我尤其欣赏它在视觉上传达出的那种专业度和对艺术性的尊重，这对于音乐专业的学生来说，无疑是一种极大的鼓励和引导。每一次翻阅，都能感受到编者对音乐教育的深刻理解和赤诚之心，它不仅仅是一本工具书，更像是一位循循善诱的良师益友，陪伴学习者走过探索音乐奥秘的漫长旅程。

评分☆☆☆☆☆

作为一名长期在音乐教育领域摸爬滚打的实践者，我深知理论与实践脱节的弊病。而这本教材最让我拍案叫绝的地方，在于它对“写作”环节的重视程度，远超一般分析导论。它不只是告诉你“是什么”，更强力引导你去思考“如何做”。书中所设置的习题和创作任务，设计得极具挑战性，它们并非简单的套用公式，而是要求学习者在掌握了既有规范的基础上，进行有目的、有创意的拓展与重构。这些任务的梯度设置非常科学，从小型的动机发展练习，到复杂的乐章结构模仿与解构，层层递进，步步深入。它真正培养的是一种“主动建构”的能力，而不是“被动模仿”，这对于培养未来具备独立思考和创新精神的音乐人才至关重要，是真正意义上的工具书和能力助推器。

评分☆☆☆☆☆

这本书的行文风格非常独特，它既有学术著作的严谨性，又不失一位资深教育者特有的亲切感和洞察力。当你阅读那些关于织体构建和对位法的章节时，你会发现作者的逻辑链条清晰得如同精密的钟表机械，每一个推导都环环相扣，无可辩驳。但令人惊喜的是，在解释关键转折点时，作者总会插入一些富含个人色彩的批注或类比，仿佛他正坐在你的身边，用最贴近生活的语言为你解开疑惑。这种人文化、富有人情味的叙述方式，使得长时间的阅读也不会产生审美疲劳。它成功地平衡了“科学性”与“艺术性”的张力，让你在学习严密规则的同时，不至于扼杀了内心对自由创作的向往。这绝对是一本需要细细品味的书，每一句话背后都凝结着多年的教学经验和对音乐本体的深刻体悟。

评分☆☆☆☆☆

我印象最深的是它在概念引入上的处理方式，简直是化繁为简的艺术。很多理论书籍总是把复杂的术语堆砌在一起，让人望而生畏，但这本书却采用了非常巧妙的“场景代入法”。它不是先给你一堆定义，而是先给你一个非常生动的音乐片段，让你先“听”到、先“感受”到，然后再去追溯背后的结构原理。这种由感性认识上升到理性分析的路径，极大地降低了学习门槛，让那些原本觉得晦涩难懂的和声进行和复调技巧，一下子变得鲜活起来，仿佛触手可及。而且，书中的例证选择也极为考究，横跨了从巴洛克到近现代的各个时期，确保了知识的广度和历史的连续性，绝非局限于某一特定学派的偏见。这种教学方法的创新性，在我接触过的同类教材中是极为罕见的，它真正做到了“寓教于乐”，让枯燥的分析过程变成了一场充满发现的音乐考古之旅。