正版初学入门基础曲谱教材书籍俄苏名歌经典1917-1991上下册薛范 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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• 1917-1991
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出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787807511137

商品编码：29867688518

丛书名： 俄苏名歌经典1917-1991(上下册)

开本：32开

出版时间：2007-11-01

 

 

 

 

 

目录

 

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俄苏歌曲七十四年风雨历程
我的朋友薛范
俄语曲名索引
俄罗斯联邦国歌
1717-1922年
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1984年
1985年
1986年
1987-1991年
作曲家小传
词作家小传
编后记

 

 

 

俄苏歌曲，它赞美创造性的劳动，把普通劳动者作为歌曲的主人公，讴歌他们的业绩、生活和爱情；俄苏歌曲，它体现了对远大理想的追求，对崇高事业的奉献精神，对公民责任感的认定，对社会、对国家、对人类命运的深切关注；俄苏歌曲，它以真挚纯朴的诗意语言和音乐语汇来抒发对情爱和幸福感的体验，对人性真善美的弘扬；俄苏歌曲，它所有作品中都跃动着积极的人生态度、喷薄出一股使人奋发向上的青春力量；《俄苏名歌经典1917-1991（套装上下册）》以一篇《俄苏歌曲七十四年风雨历程》作为序言，简要介绍了俄苏歌曲的发展道路，读者可以由此粗略地了解俄苏歌曲创作的全貌。本书大多数歌曲后面附有长短不一的文字说明，介绍歌曲的创作过程、演出、流传和获奖情况以及在群众音乐生活中的影响。书末还附有词曲作者的照片和简历上述这些文字资料是这本书的特点。

 

 

 

 

好的，这是一份关于另一本不同图书的详细简介，内容不会涉及您提到的《正版初学入门基础曲谱教材书籍俄苏名歌经典1917-1991上下册薛范》中的任何曲目、作者或特定的历史时期内容。 --- 《世界音乐史纲：从古代文明到二十世纪多元探索》 导言：聆听人类文明的交响 本书旨在为音乐爱好者、音乐专业学生以及所有对人类文化发展史抱有浓厚兴趣的读者，提供一部全面而深入的音乐史叙事。我们不仅关注音乐作品本身的演变，更致力于描绘音乐如何作为社会、哲学、技术和艺术思潮的载体，深刻地反映并塑造了人类文明的进程。 不同于侧重某一特定民族或流派的传统史著，《世界音乐史纲》采取宏大的全球视角，横跨数千年，追踪音乐在不同地理区域的独立发展与相互影响。我们力求展现音乐艺术在不同文化语境下，如何应对环境挑战、表达信仰、服务仪式，并最终发展为精密的艺术形式。 第一部分：音乐的起源与早期文明（公元前5000年 – 公元500年） 本部分探索音乐作为人类基本表达形式的诞生，聚焦于史前时期对声音的早期利用与记录尝试。 第一章：史前回响与远古回声 考察考古学和人类学证据，探讨骨笛、石磬等早期乐器的出现，以及声音在原始部落仪式、狩猎活动中的功能性应用。分析早期声学概念的萌芽。 第二章：美索不达米亚与尼罗河畔的颂歌 深入研究苏美尔、巴比伦以及古埃及文明中高度组织化的音乐实践。重点分析文献记载中对乐器（如里拉琴、竖琴）的描绘，以及祭司阶层在音乐传承中的角色。探讨早期记谱法的雏形。 第三章：希腊的“和谐”与柏拉图的理念 详尽阐述古希腊音乐理论的奠基性贡献。解析毕达哥拉斯对音程的数学化发现，以及“调式”（Modes）概念的形成。讨论柏拉图和亚里士多德关于音乐伦理学（Ethos）的哲学思辨，以及音乐在教育和社会治理中的地位。 第四章：罗马的实用主义与东方影响 审视罗马帝国对希腊音乐传统的继承与改造，侧重其在军事、公共庆典和剧场中的应用。同时，简要介绍印度河流域和早期中国文明中，音乐与宇宙观、礼制结合的独特发展路径。 第二部分：中世纪的信仰与世俗张力（公元500年 – 1400年） 本章深入探讨西方世界在宗教主导下，音乐如何从单一的格里高利圣咏逐渐分化出世俗的、复杂的声音景观。 第五章：西方教会音乐的统一与发展 详细分析格里高利圣咏的形成、特点及其在欧洲范围内的标准化过程。研究中世纪早期的记谱法（纽姆谱）的演变，以及“对位法”（Polyphony）的早期实验，如奥尔加农（Organum）。 第六章：世俗之声的兴起：吟游诗人的世界 聚焦于游唱诗人（Troubadours）、游吟诗人（Trouvères）和史皮尔曼（Minnesänger）群体。分析他们的创作主题（爱情、骑士精神），以及世俗歌曲的结构、韵律和乐器伴奏形式，标志着音乐从纯粹的宗教服务向个人情感表达的转移。 第七章：阿斯奈姆与“新艺术”的萌芽 考察十四世纪法国的“新艺术”（Ars Nova），特别是菲利普·德·维特里和纪尧姆·德·马肖的创新。深入解析节奏复杂性的突破，以及对固定声部（Isorhythm）的精妙运用，为文艺复兴的复调艺术铺平了道路。 第三部分：文艺复兴的理性与人文（1400年 – 1600年） 文艺复兴时期，人类中心主义的回归极大地解放了音乐的表达潜力，复调技巧达到炉火纯青的境界。 第八章：印刷术与音乐的普及 分析印刷术（尤其是奥克塔维亚诺·彼得鲁奇的工作）对乐谱传播的革命性影响。探讨合唱音乐（如弥撒曲、经文歌）如何成为这一时期的核心，以及均衡、清晰的织体追求。 第九章：佛兰德斯学派的辉煌 详细介绍如若斯坎（Josquin des Prez）等大师的作品，分析他们如何实现歌词与旋律的完美融合（Madrigalism的早期形态），以及对位技巧的成熟运用。 第十卷：新乐器的诞生与异域色彩 考察文艺复兴晚期维也纳和威尼斯学派的发展，如帕莱斯特里那对宗教音乐的纯净化改革。同时，关注鲁特琴、古提琴等乐器的成熟，以及对早期器乐曲式（如里切尔卡、托卡塔）的探索。 第四部分：巴洛克的宏大叙事与情感的雕刻（1600年 – 1750年） 巴洛克时期是音乐史上一个充满戏剧性、对立统一的时代，确立了协奏曲、奏鸣曲、歌剧等诸多关键体裁。 第十一章：歌剧的诞生与戏剧的力量 追溯歌剧在佛罗伦萨“卡梅拉塔”的起源，分析“宣叙调”（Recitative）和“咏叹调”（Aria）的早期形态。重点研究蒙特威尔第对人类强烈情感（Affekts）的描绘，以及歌剧在欧洲宫廷中的迅速传播。 第十二章：巴赫与亨德尔：风格的巅峰 深入分析巴赫的对位艺术（如赋格曲）的结构逻辑与精神深度，探讨其晚期对教会音乐的集大成。对比亨德尔在清唱剧（Oratorio）中展现的宏大叙事能力和对公众审美的把握。 第十三章：协奏曲与奏鸣曲的规范化 阐述科雷利和维瓦尔第在发展“快-慢-快”三乐章协奏曲结构中的关键作用。解析“巴洛克式低音”（Basso Continuo）的运作机制，及其如何支撑起复杂的织体。 第五部分：古典主义的清晰、平衡与普适（1750年 – 1820年） 古典主义时期追求清晰的结构、均衡的比例和普世的人性表达，奏鸣曲式成为所有器乐的核心范式。 第十四章：启蒙运动下的音乐革命 探讨音乐如何响应启蒙思想，从宫廷走向公共音乐厅。分析“曼海姆乐派”在管弦乐队改革和力度控制上的贡献。 第十五章：奏鸣曲式与交响曲的完善 详尽解析奏鸣曲式（呈示部、展开部、再现部）的内在逻辑。分析海顿作为“交响曲之父”如何系统化地确立了四乐章结构，以及莫扎特在旋律的自然流畅性与形式的完美结合上的成就。 第十六章：钢琴的崛起与独奏的魅力 考察钢琴（Fortepiano）取代羽管键琴的过程，及其在动态表现上的优势。分析古典时期奏鸣曲、变奏曲的创作特征。 第六部分：浪漫主义的激情、民族性与个体化（1820年 – 1900年） 浪漫主义音乐将主观情感置于至高无上的地位，音乐的规模空前扩大，同时也孕育出强烈的民族主义思潮。 第十七章：贝多芬的跨越与英雄精神 分析贝多芬如何打破古典主义的藩篱，通过对动机的有机发展和情感的强烈对比，将个人意志融入到交响作品中，开启了浪漫主义的序幕。 第十八章：歌曲艺术的巅峰：德语艺术歌曲 探讨舒伯特、舒曼如何通过精妙的钢琴伴奏与诗歌文本的紧密结合，将艺术歌曲推向新的高峰。分析“循环体”艺术歌曲集的叙事功能。 第十九章：民族主义的声浪 考察欧洲各国音乐家如何从本土民间音乐、民间故事中汲取灵感，形成独特的国家风格。重点分析俄国五人组、捷克（德沃夏克、斯美塔那）以及北欧（格里格）的实践。 第二十章：大型器乐体裁的扩张 分析柏辽兹在配器法上的革新（如《幻想交响曲》的“主导观念”），以及李斯特对“交响诗”（Symphonic Poem）的创造，标志着标题音乐（Program Music）的全面胜利。 第七部分：二十世纪的破碎与重塑（1900年至今） 进入二十世纪，音乐面临传统美学的崩溃与前所未有的探索，多元化的流派并存。 第二十一章：印象主义与表现主义的色彩转向 探讨德彪西如何利用和声的模糊性、音色的细腻变化，营造出“印象”而非明确的结构。对比勋伯格及其追随者（贝尔格、魏尔恩）如何发展无调性（Atonality）和十二音体系（Dodecaphony）。 第二十二章：新古典主义与原始主义的回归 分析斯特拉文斯基如何从俄国民间舞曲中汲取灵感（《春之祭》引发的争议），以及随后对古典时期清晰形式的回归尝试（新古典主义）。 第二十三章：电子、偶然与极简主义的边界拓展 考察战后电子音乐（如具体音乐）的出现，以及约翰·凯奇对“偶然性”（Chance Operations）的哲学探讨。最后，简述极简主义音乐（如赖利、史蒂夫·赖克）对重复与时间感知的颠覆性影响。 结语：未完待续的旋律 本书在涵盖了自史前到现代的主要音乐流派和思潮后，强调音乐史是一个开放的、持续演进的过程。未来的音乐将继续在技术、社会和文化的多重驱动下，探索新的听觉疆域。 --- 附录： 关键术语索引、重要作曲家年表、建议延伸阅读书目。

评分☆☆☆☆☆

这套《经典名家名曲选编》简直是音乐爱好者的福音，尤其是对于那些想要系统学习声乐或者器乐演奏技巧的初学者来说，它的价值简直无法估量。我记得我刚开始接触音乐的时候，面对五花八门的曲谱简直无从下手，很多教材要么内容过于艰涩，要么就是曲目选择太偏门，让人提不起兴趣。但是这本教材，它真的做到了兼顾广度和深度。选取的曲目都是经过时间沉淀下来的经典之作，旋律优美，和声饱满，非常适合用来打好基础。更重要的是，编排的循序渐进，从最基础的音阶、琶音练习，到复杂的复调作品，每一步都有清晰的指导。比如，它在讲解某个技巧时，会配上专门的练习曲，而不是简单地在理论文字中一带而过。我特别欣赏它对“感觉”的强调，不仅仅是机械地演奏或演唱，而是引导你去理解音乐背后的情感和文化背景，这一点让学习过程变得生动有趣，充满了探索的乐趣。对于想扎实提高自己音乐素养的人来说，这套书无疑提供了一个绝佳的平台。

评分☆☆☆☆☆

作为一名业余的小提琴爱好者，我常常为找不到适合自己当前水平的练习材料而苦恼。市面上很多教材要么是给专业院校学生准备的，难度陡增，让人望而却步；要么就是过于简单，无法有效地提升我的弓法控制和音准的稳定性。直到我发现了这本《提琴家进阶：弓弦技巧的精细雕琢》。这本书的独特之处在于它对“细节”的关注达到了令人发指的地步。它没有堆砌大量曲目，而是聚焦于几个核心的技巧难点进行深入剖析，比如换把的平滑过渡、不同把位音色的统一性、以及长弓的均匀度。它给出的练习范例非常具体，每一个小段落都有明确的音频参考（虽然我这里说的是书，但这种编排方式的体现就是文字对声音细节的精确描述），让你能清楚地听到“好”的声音是什么样的，然后努力去模仿和实现。这本书给我最大的启发是，真正的进步往往不是来自于拉了多少首新曲子，而是来自于对已掌握技巧的精益求精。它让我从“拉响”音符，走向了“唱出”音乐。

评分☆☆☆☆☆

我花了很长时间寻找一套能真正触动我内心深处的钢琴教材，很多市面上的畅销书，虽然封面设计得花里胡哨，但内容却显得空洞乏味，无非是一些被过度简化或改编得面目全非的练习曲。然而，这本《钢琴艺术之路：从巴洛克到浪漫主义精选集》却展现了一种难得的严谨和匠心。它不仅仅是提供了一堆乐谱，它更像是一位耐心的导师，引导你一步步深入了解不同音乐时期的风格特点。比如，在处理巴赫的作品时，它细致地分析了对位法的处理要点，而不是简单地标注指法；而在进入肖邦的夜曲时，则强调了揉弦和踏板的微妙变化，如何通过这些技术来烘托出歌唱性的旋律线条。这本书的排版也极其考究，字体清晰，力度记号和表情术语标注得一丝不苟，让人在阅读和演奏过程中几乎不会产生歧义。每次翻阅，我都感觉自己不仅仅是在练习技巧，更是在与历史上的伟大作曲家进行对话，这种深层次的连接感，是其他教材难以给予的。

评分☆☆☆☆☆

我一直坚信，一个优秀的音乐教育者，其价值不仅在于传授技巧，更在于培养学生的音乐审美和自我学习能力。这本被音乐系学生私下称为“秘籍”的《和声学与曲式分析基础教程》正是这样一本具有启发性的教材。它没有采用那种枯燥的数学公式般的推导方式来讲解和声规则，而是大量采用“实例分析”的方法。它会截取大师作品中那些最精彩、最关键的和声进行片段，然后层层剥开，让你看到为什么这个进行会带来如此强烈的色彩变化，而不是简单地告诉你“这是正确的”。在曲式分析部分，它也做得极为出色，它不是简单地套用ABA或SONATA等结构名词，而是引导你去体会作曲家是如何在既定的结构中进行“布局”和“叙事”的。读完这本书，你会发现自己看任何乐谱的眼光都变了——你不再只关注单音或和弦，而是开始理解整个音乐作品的宏大架构和内在逻辑。它真正教会了我的，是如何像一个思考者一样去面对音乐，而不是仅仅像一个执行者。

评分☆☆☆☆☆

对于喜爱民族音乐，特别是那些带着浓郁地域风情和历史厚重感的作品的乐手来说，寻找一本既尊重原貌又方便演奏的曲谱简直是奢望。这本《世界民谣精粹与改编艺术》完全打破了这种困境。它收录的曲目并非那种被过度“西化”的流行版本，而是力求保留了原汁原味的调式和节奏特色。更妙的是，它为每一首曲子都提供了至少两种不同难度级别的改编方案——一种是尽量贴近原版，用于追求真实感；另一种则是加入了更现代的和声色彩，便于在乐队合奏中使用。我尤其喜欢它在每首曲子前的简短介绍，讲述了该曲的来源、流传背景以及其中蕴含的文化意象。这使得演奏过程不再是机械的指法移动，而是一场文化之旅。当我演奏那些充满异域风情的旋律时，仿佛能感受到远方草原的风、或是古老村落的炊烟，这种精神层面的满足感，是单纯的技术练习无法提供的。