美国流行音乐第三版大卫李乔伊纳人民音乐出版社正版课本教材9787103041093 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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大卫李乔伊纳，鞠薇 著

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• 流行音乐
• 美国音乐
• 音乐史
• 音乐教材
• 大卫·李·乔伊纳
• 人民音乐出版社
• 9787103041093
• 音乐教育
• 高等教育
• 课本

店铺： 佳期如梦图书专营店

出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103041093

商品编码：29684838116

页数：366

图书基本信息
书名：	美国流行音乐
丛书名：	当代外国高校精品音乐教材
作者/主编：	大卫李乔伊纳  鞠薇
出版社：	人民音乐出版社
ISBN号：	9787103041093
出版年份：	2012年

版次：	第3版
总页数：	366页
开本：	1/16
图书定价：	65.00元
实际重量：	680g
新旧程度：	正版全新

《美国流行音乐(第3版当代外国高校精品音乐教材)》由大卫·李·乔伊纳所著，讲述的不仅是美国流行音乐，更重要的是为广大读者展现了一个绚丽多彩的音乐世界。在这个世界中，作者引领着读者一边欣赏着各个时代的代表作品，一边去领略这种音乐所折射出的丰富的、多元的文化和历史，然后再去思考这种音乐所引发的论题以及蕴含在音乐音响中的深层意义。作者凭借其深厚的音乐修养和实践经验，为读者捕捉到美国流行音乐大师们精彩的个性表现，指引着读者去享受他们的非凡音乐所带来的愉悦和冲击。 作者简介作者：（美国）大卫·李·乔伊纳（David Lee Joyner） 译者：鞠薇  大卫·李·乔伊纳，美国太平洋路德大学爵士乐研究院主任、音乐教授。自1986年到2000年，他曾在北得州大学的爵士乐研究院任副教授。乔伊纳获美国孟菲斯大学的学士和博士学位以及辛辛那提大学音乐学院的硕士学位。乔伊纳博士对于在美国南部创作和出版的拉格泰姆音乐进行了广泛的研究。他为《剑桥美国音乐史》（The Cambridge History of American Biography Music）、《当代音乐评论》（Contemporary Music Review）、《美国传记词典》（Dictionary of American Biography）以及其他书籍和期刊撰写了大量文章。他还对吉尔·埃文斯和格里·穆里根为克劳德特霍西尔乐团所作的改编曲做了大量研究。他在美国音乐学会、流行音乐协会、民族音乐学会以及大学音乐协会等机构举办过各种主题的音乐讲座。二十五年来，乔伊纳博士作为一名自由职业爵士乐及流行音乐钢琴家、歌手、作曲家和编曲者，一直活跃于孟菲斯、辛辛那提、达拉斯／沃斯堡以及普吉特湾等地区。

 前言 第*部分叮砰巷和音乐剧 第1章叮砰巷与美国流行歌曲 第2章美国音乐剧 第二部分美国黑人音乐传统 第3章非洲音乐起源及其在美洲大陆的文化交融 第4章美国黑人音乐的早期商业化 第5章美国布鲁斯音乐传统 第6章新奥尔良和芝加哥的爵士乐 第7章芝加哥的爵士乐先锋 第8章爵士大乐队与摇摆乐年代 第9章自摇摆乐时代以来的爵士乐流行风格 第三部分乡村音乐与英裔美国人的音乐传统 第10章乡村音乐之民间起源 第11章乡村音乐的早期商业化 第12章乡村音乐与西部音乐交汇 第13章纳什维尔成为美国的音乐之城 第14章从蓝草音乐到新一代的乡村音乐 第四部分摇滚乐以及其他美国流行音乐 第15章早期摇滚乐的起源和发展 第16章20世纪50年代的流行音乐和民谣摇滚乐 第17章不列颠摇滚入侵美国 第18章迷幻摇滚与根源复兴派 第19章福音音乐、灵魂音乐和摩城音乐 第20章20世纪70年代从前卫摇滚乐到雷鬼音乐 第21章20世纪70年代的硬摇滚乐和轻摇滚乐 第22章20世纪80年代流行音乐的新境界与高科技 第23章20世纪90年代来自各地的不同声音 第24章新千年的音乐

《当代外国高校精品音乐教材:美国流行音乐(第3版)》由大卫·李·乔伊纳所著，讲述的不仅是美国流行音乐，更重要的是为广大读者展现了一个绚丽多彩的音乐世界。在这个世界中，作者引领着读者一边欣赏着各个时代的代表作品，一边去领略这种音乐所折射出的丰富的、多元的文化和历史，然后再去思考这种音乐所引发的论题以及蕴含在音乐音响中的深层意义。作者凭借其深厚的音乐修养和实践经验，为读者捕捉到美国流行音乐大师们精彩的个性表现，指引着读者去享受他们的非凡音乐所带来的愉悦和冲击。

《世界音乐史纲：从古代到二十一世纪的宏大叙事》 本书导读：跨越时空的声音之旅 这是一部旨在全面梳理世界音乐发展脉络的权威著作。不同于聚焦于特定地区或风格的专业性研究，本书以宏大的历史视野，系统梳理了自史前文明萌芽至信息时代数字浪潮的音乐演变轨迹。它不仅仅是一部音乐史的编年记录，更是一部深入探讨音乐如何作为文化、社会和技术载体，在不同历史时期扮演关键角色的深度探索。 第一部分：音乐的起源与早期文明的奠基（约公元前5000年—公元500年） 本部分追溯了音乐的“物种起源”，探讨了早期人类社会中，声音、节奏与仪式、语言之间的复杂关系。我们将审视洞穴壁画中描绘的原始乐器，以及它们在狩猎、祭祀活动中的象征意义。 随后，我们将进入四大文明古国的音乐天地。在美索不达米亚，读者将了解苏美尔和巴比伦的竖琴与骨笛如何服务于宫廷和宗教生活；在尼罗河畔的古埃及，音乐被赋予了与神灵沟通的媒介功能，复杂的神庙仪式中扮演了不可或缺的角色。 古希腊部分是本部分的高潮。我们将深入剖析毕达哥拉斯对音程与数学关系的发现，这为西方音乐理论奠定了不可动摇的哲学基础。音乐（Mousike）不仅仅是声音的艺术，更是宇宙和谐（Kosmos）的体现。柏拉图和亚里士多德关于“音乐伦理学”的探讨，揭示了音乐如何被视为塑造公民品格的核心教育内容。同时，我们将考察古希腊戏剧中半吟诵半歌唱的表演形式，及其对后世歌剧产生的深远影响。 古罗马的音乐继承了希腊的遗产，但更侧重于实用性，如军事号角、公共庆典中的乐队编制，以及角斗场中对氛围营造的音响运用。 第二部分：中世纪的宗教主导与世俗生活的萌芽（约公元500年—公元1400年） 中世纪的欧洲，音乐生活几乎完全被天主教会所笼罩。本章将详细解析格里高利圣咏（Gregorian Chant）的形成、发展及其在礼拜仪式中的标准化过程。我们将分析早期记谱法（如纽姆谱）的发明，这一关键技术突破是如何使得音乐得以准确流传，并最终导致了西方音乐的“线性化”进程。 随着中世纪的发展，世俗音乐开始挣脱宗教的束缚。我们将聚焦于法国南部的游吟诗人（Troubadours）和德国的吟游歌者（Minnesänger）。他们的歌曲以爱情、骑士精神和政治讽喻为主题，采用了更复杂的韵律和更具旋律性的线条，为复调音乐的出现积蓄了能量。 复调音乐的诞生是西方音乐史上的里程碑。从巴黎圣母院乐派（Notre Dame School）的莱奥宁（Léonin）和佩罗坦（Pérotin）开创的有规律的复调（Organum），到奥尔加农的严格对位，直至“新艺术”（Ars Nova）时期，特别是纪尧姆·德·马肖（Guillaume de Machaut）将弥撒曲发展为多声部、结构严谨的艺术作品，标志着音乐创作主体意识的觉醒。 第三部分：文艺复兴的“人”与音乐的理性回归（约公元1400年—公元1600年） 文艺复兴，一场以人为中心的文化复兴，极大地解放了音乐的表现力。本部分探讨了人文主义思想如何渗透到音乐创作中，追求清晰、平衡与情感的自然表达。 佛兰德斯乐派（Franco-Flemish School）的杜法伊（Dufay）和雅各布·奥布雷赫特（Obrecht）奠定了盛期文艺复兴复调音乐的基础。然而，真正将复调推向巅峰的是乔斯昆·德普雷（Josquin des Prez），他通过精妙的模仿对位和对文本的深刻理解，实现了“文字与音乐的完美结合”。 宗教改革与反宗教改革对音乐产生了决定性影响。马丁·路德推行的教会圣歌（Chorale）强调了民众参与的重要性，而特伦特会议后，帕莱斯特里那（Palestrina）则通过其纯净、流畅的复调风格，成功地回应了教会对音乐清晰度的要求，被誉为“音乐救世主”。 世俗音乐方面，意大利的牧歌（Madrigal）成为了精英阶层的宠儿。它以高度的戏剧性、色彩化的音乐手法（Word Painting）来描绘诗歌中的每一个动词和形容词，预示着巴洛克时代情感爆发的前奏。同时，键盘乐器（如维吉纳琴）开始普及，为器乐的独立发展铺平了道路。 第四部分：巴洛克的宏大与激情（约公元1600年—公元1750年） 巴洛克时代，音乐进入了对情感的直接、戏剧化表达阶段。本部分着重分析“新颖的样式”（Stile Moderno），尤其是歌剧（Opera）在佛罗伦萨的诞生及其在蒙特威尔第（Monteverdi）手中成熟的过程。我们探讨了通奏低音（Basso Continuo）这一核心织体如何确立了旋律与和声的驱动力。 意大利音乐家如维瓦尔第（Vivaldi）将协奏曲（Concerto）的形式推向成熟，尤其是在器乐技巧和炫技方面达到了新的高度。德国的音乐家则在对位和宗教音乐上铸就了不可逾越的高峰。 约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（J.S. Bach）是本部分的焦点。他的《平均律钢琴曲集》确立了现代调性体系的根基，而他的赋格曲则是对复调艺术的集大成与终极演绎。与此同时，亨德尔（Handel）的清唱剧（Oratorio），特别是《弥赛亚》，展示了音乐如何服务于宏大的叙事和公共精神。 第五部分：古典主义的秩序与均衡（约公元1750年—公元1820年） 启蒙运动强调理性、清晰和普适性，这直接催生了古典主义风格。本章分析了维也纳古典乐派（Viennese School）三巨头——海顿、莫扎特和贝多芬——的贡献。 海顿被誉为“交响曲之父”和“四重奏之父”，他对奏鸣曲式（Sonata Form）的结构进行了系统的规范化和完善。莫扎特则将旋律的自然优美与戏剧张力完美融合，尤其是在歌剧中的人物刻画达到了前所未有的深度。 贝多芬是连接古典与浪漫的桥梁。他的早期作品继承了古典的平衡，但中期开始，其作品中强烈的个人意志、宏大的篇幅和对命运的抗争，标志着浪漫主义精神的觉醒。 此外，钢琴作为主要乐器地位的巩固，以及奏鸣曲、协奏曲和交响曲这一核心曲式的确立，是古典主义留给后世最宝贵的遗产。 第六部分：浪漫主义的自我表达与民族主义的兴起（约公元1820年—公元1910年） 浪漫主义是对古典主义秩序的浪漫反叛，是对个人情感、想象力、超自然和民族精神的颂扬。本部分考察了舒伯特（Schubert）将艺术歌曲（Lied）提升至最高境界，以及肖邦（Chopin）如何将钢琴提升为最富诗意的独白工具。 中欧的浪漫主义者，如舒曼和勃拉姆斯，在继承贝多芬传统的同时，探索了内心深处的忧郁与热情。 歌剧领域发生了革命性的变化。韦伯（Weber）确立了德语“浪漫歌剧”的基调，而瓦格纳（Wagner）则通过“整体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）的理念，彻底重塑了歌剧的结构、和声语言和戏剧叙事。 同时，随着欧洲各国民族意识的觉醒，德沃夏克（Dvořák）、斯美塔那（Smetana）和柴可夫斯基（Tchaikovsky）等作曲家开始在作品中融入本土的民间旋律和节奏，构建了独特的民族音乐身份。 第七部分：二十世纪的颠覆与多元化（约公元1910年至今） 二十世纪是音乐史上最动荡、最具实验性的一百年。本部分将分析西方调性体系在后浪漫主义时期的危机。 勋伯格（Schoenberg）及其十二音技法（Twelve-Tone Technique）的出现，是对传统和声逻辑的彻底决裂。与此同时，斯特拉文斯基（Stravinsky）的《春之祭》以其原始的节奏暴力震撼了世界。 调性的瓦解催生了诸多流派：德彪西（Debussy）和拉威尔（Ravel）的印象主义捕捉瞬间光影；巴托克（Bartók）和英格尔（Ives）深入挖掘民间音乐的非西方元素；以及二战后，欧洲的序列音乐（Serialism）和美国的电子音乐试验，将作曲的边界推向了声音的物理极限。 本书的最后章节还将涵盖对后现代主义的思考，包括极简主义（Minimalism，如菲利普·格拉斯）、拼贴艺术，以及电子技术和计算机如何彻底改变了音乐的创作、制作和消费方式，为我们理解当代音乐的复杂图景提供了一个坚实的历史框架。 本书特点： 1. 跨学科视角： 将音乐史置于哲学、文学、政治和技术变革的宏大背景下进行考察。 2. 聚焦理论与实践的交汇： 不仅叙述作曲家的生平和作品，更详细解释了如“复调”、“奏鸣曲式”、“调性”等核心概念的演变。 3. 全球视野的拓宽： 在梳理西方主线的同时，穿插了对非西方音乐体系（如中东、东亚早期音乐的记录）的简要对比分析，以凸显音乐的普遍性和多样性。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧质量也让我非常满意，这对于一本需要经常翻阅和参考的教材来说至关重要。纸张的厚度和光泽度都恰到好处，既能保证印刷内容的清晰度，又不会因为反光而造成阅读疲劳。更重要的是，虽然内容量庞大，但全书的重量控制得很好，即使带着去图书馆或咖啡馆阅读也不会觉得负担过重，体现了出版方对读者的细心关怀。很多学术著作为了追求内容深度，往往会牺牲掉阅读的舒适度，但这本书似乎在这两者之间找到了一个绝佳的平衡点。每一次翻开它，都能感受到一种对知识和阅读体验的尊重，这让我更愿意沉浸其中，享受这段学习和探索美国流行音乐世界的旅程，这份沉甸甸的实体书，远比电子版更有“仪式感”和收藏价值。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计实在是太吸引人了，色彩搭配和字体选择都透露着一种复古又时尚的气息，让人忍不住想翻开看看里面到底讲了些什么。我一直对美国流行音乐的发展史充满了好奇，尤其是那些开创性的音乐流派是如何一步步演变，最终影响了整个全球音乐格局的。这本书的排版也很舒服，不是那种密密麻麻的文字堆砌，而是留有很多空白，让读者在阅读过程中有喘息的空间，可以更好地消化吸收那些复杂的音乐理论和历史背景。我尤其欣赏作者在梳理不同时代音乐风格演变脉络时所展现出的那种清晰的逻辑性，从早期的布鲁斯和乡村音乐，到摇滚乐的爆炸式崛起，再到后来的迪斯科、嘻哈和电子乐，每一个阶段的转折点都交代得非常到位，让人感觉像是在听一场精心策划的音乐之旅的解说词，而不是枯燥的学术论述。看得出来，作者对美国流行音乐的热爱是发自内心的，这种热情通过文字感染了我，让我对那些耳熟能详的歌曲背后隐藏的文化和社会意义有了更深层次的理解。这本书不仅仅是音乐史的记录，更像是一面映照美国社会变迁的镜子，非常有深度。

评分☆☆☆☆☆

这本书的文字功底相当扎实，语言流畅且富有表现力，读起来完全没有那种学术教材特有的晦涩感。我本来还担心会涉及到太多艰深的音乐理论知识，但作者的叙述方式非常巧妙，总能用最通俗易懂的语言去解释那些复杂的乐理概念，即便是对音乐理论知之甚少的门外汉，也能大致领会到其中的精髓。比如，当作者分析某个特定时期摇滚乐的和声结构如何体现当时的社会情绪时，他并没有直接抛出复杂的和弦名称，而是通过描述听觉感受和情感冲击力来引导读者去体会音乐的内在张力，这种“体验式”的讲解方式极大地降低了阅读门槛。而且，书中穿插的一些音乐家的小故事和幕后轶事，更是为原本严肃的学术内容增添了许多人情味和趣味性，让人在轻松愉悦的氛围中不知不觉就读完了好几个章节。这些细节的描绘，让那些在历史长河中闪耀的名字变得鲜活起来，不再是刻板的符号，而是有血有肉的艺术家。

评分☆☆☆☆☆

从教材的角度来看，这本书的结构组织非常严谨，章节划分逻辑清晰，对于学习者来说，无疑是一份宝贵的资源。每一个主要章节的开头都会有一个明确的学习目标概述，结尾部分则提供了大量的延伸阅读材料和思考题，这对于巩固知识点非常有帮助。我注意到书中对一些关键音乐作品的分析部分尤其深入，不仅仅停留在描述“好听”或“流行”的层面，而是深入到其编曲特点、歌词主题以及对后世音乐家的启示等多个维度进行剖析。这种多角度的分析，极大地提升了读者的鉴赏能力。我感觉，即便是作为专业的音乐人，也能从这本书中找到可以借鉴和反思的地方，它提供了一个非常坚实且全面的理论框架，让我们可以有章可循地去探索美国流行音乐的博大精深，而不是漫无目的地在海量的信息中打转。

评分☆☆☆☆☆

我特别关注这本书在处理音乐流派交叉和文化融合方面的内容，这往往是音乐史著作中最容易出现争议和疏漏的地方。然而，这本书在这方面的处理堪称教科书级别。它没有将各种音乐风格截然分开，而是清晰地展示了它们之间复杂的相互影响和借鉴关系，比如摇滚乐如何从蓝调中汲取养分，以及嘻哈音乐如何巧妙地采样和重构了早期的放克音乐元素。作者对于不同地域文化对流行音乐的影响也进行了深入探讨，使得读者可以从更广阔的社会文化背景下去理解音乐的产生和流行并非偶然。这种跨学科的视野，让这本书的价值远远超越了一本单纯的音乐欣赏指南。它更像是一部社会文化史的副产品，通过流行音乐这一独特的载体，折射出美国社会在不同历史阶段的价值观、冲突与和解，这种宏大叙事与微观分析的结合，处理得非常到位，值得反复研读。