正版轻松制作音乐教学课件陈娟西南师范大学出版社全新考研教材9787562142973 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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陈娟 著

图书标签:

• 音乐教学
• 音乐课件
• 考研教材
• 西南师范大学出版社
• 陈娟
• 9787562142973
• 高等教育
• 教材
• 音乐教育
• 专业教材

店铺： 佳期如梦图书专营店

出版社： 西南师范大学出版社

ISBN：9787562142973

商品编码：29684836762

页数：187

图书基本信息
书名：	轻松制作音乐教学课件
丛书名：	新课程音乐教育丛书
作者/主编：	陈娟
出版社：	西南师范大学出版社
ISBN号：	9787562142973
出版年份：	2008年10月1日

版次：	第1版
总页数：	187页
开本：	16
图书定价：	28元
实际重量：	340g
新旧程度：	正版全新

编辑

《轻松制作音乐教学课件》由西南师范大学出版社出版。

序

前言
章 多媒体课件与音乐课堂教学
一、什么是多媒体课件
二、多媒体课件在音乐教学中的运用
三、课件教学设计应该注意的一些问题
四、使用教学课件要注意的一些问题

第二章 课件制作的前期准备
一、根据课堂教学目标和内容明确课件在教学活动中的作用
二、根据课件内容规划课件的组织结构和播放流程
三、编写课件脚本
四、界面和风格的设定
五、制作一个任务明晰的素材清单

第三章 收集和处理素材
一、素材收集——文字部分
二、素材收集——图片部分
三、素材收集——声音部分
四、素材收集——视频及动画部分

第四章 用PowerPoint制作课件
一、创建演示文稿
二、幻灯片的结构分析
三、在PowerPoint中插入文字
四、在PowerPoint中插入可视对象
五、在PowerPoint中插入声音
六、在PowerPoint中插入视频

第五章 直接运用多媒体素材进行教学
一、播放音乐
二、浏览图片
三、播放flash动画
四、播放视频文件
五、显示文本

第六章 运行测试和发布
一、课件的测试
二、课件的发布
第七章 幻灯片使用中的问题

现在教育技术给音乐教学带来重大变革。现代信息技术突破了传统音乐教学在时间、空间和地域上的限制，大大丰富、开阔了学生的音乐生活范围和音乐视野，这就要求教师跟上新形势，努力学习、掌握现代教育技术。本书紧密联系音乐教学这一立足点，从全新角度出发，将课件制作与音乐教学相结合起来，简洁明了的进行解说。使教师在有限的时间内更快更好的掌握音乐课件的制作和设计，更好的进行音乐教学。

音乐创作与实践：从理论到应用的全面指南 书籍简介 本书旨在为广大音乐爱好者、初学者以及希望系统提升音乐创作技能的实践者提供一套全面、深入且极具操作性的学习资源。全书结构严谨，内容覆盖了音乐创作的理论基础、技术实践、风格探索及成品制作等多个关键环节，力求让读者在掌握音乐语言的同时，能够自如地运用现代工具将创意转化为高质量的音乐作品。 第一部分：音乐基础与理论的坚实地基 本部分着重于构建扎实的音乐理论框架，这是任何复杂音乐创作活动的前提。 第一章：旋律学的精妙：构建动听的乐思 深入剖析旋律的构成要素，包括音程、调式、音阶的特性与选择。重点讲解如何运用节奏型态的组合、乐句的构建与动机的发展，以实现旋律的连贯性、可记忆性与情感张力。本章包含大量的实例分析，展示巴洛克时期复调旋律与浪漫主义时期歌唱性旋律在结构上的差异与处理技巧。此外，还将探讨如何利用模态调式（如弗里吉亚、利迪亚等）拓宽旋律的色彩范围，避免传统大小调的局限。 第二章：和声的逻辑与色彩：构建音乐的骨架 本章是理论核心之一。首先从功能和声学（T-S-D 体系）入手，详细讲解三和弦、七和弦的构成、转位及其在不同调性间的流畅连接。在此基础上，系统介绍延伸和弦（如九、十一、十三和弦）在爵士乐和现代流行音乐中的应用，分析其带来的色彩变化。特别辟出章节，专门探讨非功能性和声（如平行和弦、序列和声）的使用，帮助读者理解如何打破传统束缚，创造出更具现代感的和声进行。同时，涉及调式和声的原理，即在特定调式中，哪些和弦是“稳定”的，哪些是“色彩化”的。 第三章：节奏与节拍的律动：驱动音乐的脉搏 节奏是音乐的生命线。本章超越基础的拍号认知，深入探讨复节奏、复拍号（如 5/4、7/8）的实际编写技巧。重点分析如何通过节奏的切分、错位以及对重音的灵活处理，来增强音乐的驱动力与律动感。针对不同音乐风格（如拉丁、摇滚、电子乐），将具体剖析其典型的节奏型态与织体安排，例如拉丁音乐中的 Clave 节奏的内涵与外延。 第二部分：编曲与配器的实践技巧 理论知识转化为实际作品的关键步骤在于精良的编曲和配器。本部分侧重于将抽象的乐思转化为具体、丰满的音乐织体。 第四章：管弦乐配器法：拓宽音响的维度 本章聚焦于传统乐器组的音域、音色特性及其在合奏中的平衡技巧。详细解析弦乐、木管、铜管及打击乐的特点，例如如何有效利用弦乐的拨弦、颤音、揉弦等技巧来丰富表现力。特别强调木管乐器组内部（如双簧管与英国管）音色交替的微妙之处。此外，还探讨了如何处理大型乐队中的动态层次，避免某些乐器组被“淹没”或“过度突出”的问题。 第五章：现代电子与合成器配器：音色设计的艺术 针对当代音乐制作的需要，本章深入探讨合成器技术。讲解波表合成、减法合成、频率调制（FM）合成等主流合成方式的工作原理。重点在于音色设计流程：从基础波形的选择，到包络（ADSR）的调整，再到滤波器的运用和效果器的链式处理，指导读者创造出独特、有辨识度的音色，而非仅仅依赖预设音色库。讨论了低音（Bassline）的种类划分与设计哲学，如次中音贝斯（Sub Bass）的混音处理等。 第六章：织体与对位：构建音乐的层次结构 织体（Texture）是决定音乐听感密度的关键。本章区分了主调音乐、复调音乐和单音音乐在结构上的差异。详细阐述了对位法的基本规则，即使在非古典语境下，理解卡农、赋格等结构也能帮助创作者在流行乐中进行精妙的声部交织。提供如何通过增加或减少声部数量、改变声部进行方式（如模仿、增值、减值）来控制音乐的紧张度与松弛感。 第三部分：音乐风格的探索与创新 本部分鼓励学习者跳出单一风格的框架，将不同领域的元素融会贯通。 第七章：风格解构与模仿：从学习到超越 本章通过对不同音乐流派（如蓝调、放克、氛围电子、新古典等）的深入分析，拆解其核心的和声进行、标志性节奏型、典型配器手法以及情感表达侧重。学习者将被引导进行“反向工程”，即分析一首优秀的作品，提炼其“风格DNA”。分析案例涵盖了从 20 世纪爵士乐的和弦替换，到当代 Lo-Fi 音乐中故意引入的“瑕疵”处理。 第八章：人声与歌词的融合：情感的载体 音乐的终极目标往往是传达情感。本章关注人声的创作技巧，包括如何根据旋律的起伏来设计最适合演唱的句子结构，以及如何处理呼吸点和乐句的停顿，以增强叙事感。探讨歌词创作与韵律、意象的构建关系，强调在特定音乐氛围下，歌词的“音高感”比单纯的文学性更为重要。还涉及和声配唱（Backing Vocals）的设计，如何用和声来支撑或丰富主旋律的情感走向。 第四部分：制作、混音与母带：成品化的关键环节 创作的完成并非指乐谱写毕，而是作品能以最佳状态呈现给听众。 第九章：数字音频工作站（DAW）的高效运用 本章侧重于主流数字音频工作站（如 Pro Tools, Logic Pro X, Cubase 等）中的高级功能。讲解如何利用 MIDI 编程实现更人性化的演奏效果（如人性化力度、摇摆/Shuffle 的精确控制）。深入探讨音频编辑技术，如时间拉伸（Time Stretching）和音高修正（Pitch Correction）在保持自然度方面的注意事项，避免“数码味”过重。 第十章：混音的艺术：平衡、空间与清晰度 混音是决定最终音质的核心技术。本章系统讲解动态处理（压缩器、限幅器）的原理与应用场景（如鼓组的瞬态控制、人声的电平稳定）。详细阐述均衡器（EQ）在塑造音色和解决频率冲突中的作用，区分“雕刻”与“手术式”的 EQ 调整。特别强调空间效果（混响、延迟）如何营造音乐的深度和场景感，避免声音拥挤。 第十一章：母带处理：最后一道质量把关 本章介绍母带处理（Mastering）的流程，包括电平的标准化、立体声像的优化以及最终动态范围的控制。讲解响度标准（如 LUFS 标准）的行业要求，确保作品在不同播放平台上的表现一致性与冲击力。分析母带 EQ 如何进行全局性的音色微调，使作品在商业发行中达到专业水准。 结论：持续创作的心态与方法 全书最后总结了创作者应有的心态——保持好奇心、勇于实验，并将每一次失败的尝试视为学习机会。提供了一套可执行的“从零到一”的项目管理流程，帮助学习者有效地组织创作素材，克服“创作瓶颈”，最终实现音乐表达的自由与成熟。

评分☆☆☆☆☆

当我翻开这本书时，首先被它的排版设计吸引了。它完全打破了我对传统教材那种枯燥、黑白为主的刻板印象。色彩的运用非常克制但精准，关键的概念和操作流程部分会用不同的颜色区块进行高亮，让我在快速浏览时能立刻抓住重点。更重要的是，它在结构安排上展现出一种高度的逻辑性和层次感。它不是简单地罗列功能，而是构建了一个完整的“项目驱动式”学习路径。比如，它会先设定一个教学目标——“制作一个关于巴洛克时期风格的互动小测验”，然后，为了实现这个目标，我们必须学习如何导入特定音源、如何编辑MIDI数据、如何添加背景音效等等。这种以终为始的编排方式，让学习过程充满了目标感，每一次学到的知识点都能立刻在预设的“项目”中找到用武之地，而不是学完就忘。书中大量的图示和步骤分解，尤其对于涉及复杂软件界面的部分，做得极为到位。我过去经常因为看不懂软件说明书而放弃某个功能，但这本书里的图文结合，直接把界面上的按钮指给你看，告诉你它“是干什么的”以及“怎么用”，效率提升得不是一星半点。这套教材的编著团队显然不仅精通音乐制作，更深谙成人学习的心理特点。

评分☆☆☆☆☆

我特别欣赏这本书在“资源整合与版权意识”方面所花费的篇幅。在现今的数字创作环境中，版权问题是每个创作者，尤其是教育工作者必须面对的红线。很多教材为了追求内容的丰富性，往往会提供大量的素材范例，却避而不谈素材的合法使用权。然而，这本教材却非常认真地开辟了一个章节，详细阐述了知识共享许可协议（Creative Commons）的不同类型，以及如何安全、合规地获取和使用免费或付费的音色库和音乐片段。这种严谨的态度，极大地增强了我作为使用者的责任感和专业度。它让我明白，制作一个精美的音乐课件，其专业性不仅体现在技术层面上，更体现在对知识产权的尊重上。这种对职业道德的强调，使得整本书的立意得到了升华，不再是一本单纯的技术手册，而更像是一本面向未来教育工作者的“职业素养指南”。它教会我们如何负责任地使用数字工具，这才是真正为我们的职业生涯打下坚实基础。

评分☆☆☆☆☆

让我惊喜的是，这本书并没有将音乐制作与现代信息技术割裂开来，反而非常巧妙地融合了教育技术的前沿理念。书中有一部分专门讨论了如何利用制作好的课件，在不同的教学平台上实现最佳的交互效果。比如，它会对比讲解在PowerPoint中嵌入音频的局限性，以及使用更专业的课件制作工具时，如何实现精准的同步播放和实时的反馈机制。更具前瞻性的是，它还探讨了如何将最新的互动技术（比如简单的编程逻辑或基于网页的互动元素）整合到音乐教学内容中去，让学生不仅仅是被动地接收音频信息，而是能主动地参与到音乐元素的调整中。这种将“制作技能”与“教学法改进”深度结合的视角，让我耳目一新。它教的不仅仅是“怎么做”，更是“为什么要这么做”以及“如何让它更有效地服务于教学目标”。在我看来，一本好的教材，应该能够引导使用者超越工具本身，去思考工具背后的教育哲学，而这本书无疑做到了这一点。

评分☆☆☆☆☆

这本教材简直是为音乐教育初学者量身定做的“救星”！我本来对如何将那些复杂的音乐理论和实际的教学操作结合起来感到非常头疼，总觉得书本上的知识和课堂上能用得上的东西之间隔着一层厚厚的雾。但拿到这本教材后，我发现作者用一种极其清晰、循序渐进的方式，把“制作”这个听起来高大上的概念，拆解成了人人都能上手的步骤。特别是它对软件操作的讲解，简直细致到了截图和快捷键的程度，完全没有那种高高在上、让你自己去摸索的感觉。我印象最深的是关于“节奏型构建”那一章，它不是直接甩给你一堆音符和拍号，而是先从我们日常生活中熟悉的敲击声入手，引导你去感受时间间隔和重音，然后才过渡到五线谱上的表示法。这种“从生活到专业”的过渡，极大地降低了学习的心理门槛。而且，编者似乎非常理解我们这些一线教师或准备进入这个行业的学生的痛点，书中穿插了许多“常见误区与避免方法”，这些小贴士比大段的理论阐述更有实操价值。我感觉自己像是拥有了一个经验丰富的前辈，手把手带着我跨过那些初学者的陷阱。这本书最大的成功，在于它真正做到了理论指导实践，让“制作音乐课件”不再是空中楼阁，而是触手可及的技能。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我之前尝试过几本市面上其他声称“轻松制作”的音乐课件教程，但往往内容深度不够，学完后感觉只能做些皮毛，一旦遇到稍微复杂点的需求，比如涉及到多轨录音的同步处理或者特定的音频效果链配置，就完全抓瞎了。但这本教材在这方面做得相当扎实和深入。它没有满足于停留在基础的拖拽和粘贴，而是勇敢地迈入了“声音设计”的核心领域。例如，书中关于如何利用数字合成器模拟真实的管弦乐器音色，那一段描述得非常到位，它没有简单地说“调高失真”，而是详细解释了不同波形（正弦波、方波、锯齿波）的泛音结构如何影响音色的明亮度，以及包络（ADSR）参数如何决定了音色的动态变化。这已经不是简单的“制作”了，而是上升到了“理解声音的本质”的层面。对于那些希望将课件制作水平提升到专业演示水准的老师来说，这些细节是至关重要的。它提供了一种底层逻辑的理解，而不是停留在表面的操作技巧，这才是真正能让我们“举一反三”的关键所在。