手绘时装画表现技法(中国高等院校美术教材)/服装设计系列 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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蔡凌霄 编

图书标签:

• 时装画
• 服装设计
• 绘画技法
• 美术教材
• 手绘
• 服装表现
• 设计教学
• 高等教育
• 艺术设计
• 素描

店铺： 北尚图书专营店

出版社： 江西美术

ISBN：9787548003779

商品编码：29971368441

开本：16

出版时间：2010-09-01

基本信息

• 商品名称：手绘时装画表现技法(中国高等院校美术教材)/服装设计系列
• 作者：蔡凌霄
• 定价：38
• 出版社：江西美术
• ISBN号：9787548003779

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2010-09-01
• 印刷时间：2010-09-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：173

编辑推荐语

时装画着重表现的是服装的形象美和服装在人体上穿着后的效果，研究人体、人体与服装的关系，是时装画成败的基础，而对人体和服装的认识部来源于观察和写生。本书就时装人体比例、服装款式平面图的画法、时装画的表现工具、时装画的风格表现、时装画的图底处理等内容做了深入讨论和研究。

内容提要

本书按照****服装学院的时装画课程大纲编著，本书分为八个章 节，内容包括时装画基础，时装画的黑白效果表现，时装画的彩色效果表 现，时装画的表现工具，时装画的风格表现，时装画的图底处理等章节。
    考虑到学生作品的完整度，在书中涉及到作业的装裱与装订方法；*后章 节对**外**插画家、设计师的作品和近几年的东华大学**学生作品 进行分析，以便时装画爱好者参考借鉴。
    

作者简介

蔡凌霄 浙江平阳人 1999年毕业于中央工艺美术学院(现清华大学美术学院)染织服装设计系，获学士学位 2008年毕业于东华大学服装学院，获硕士学位 1999年至今在东华大学服装学院任教，主要担任“时装画”、“女装设计”、“毛皮服装设计”等课程的讲授 曾获北欧世家皮草毛皮饰边设计大赛金奖，并应邀到丹麦SAGA设计中心参观学习 曾参展上海**服装节“海派近卫军”服装专场 曾获“YKK”杯服装设计大赛金奖，并在多家企业担任服装设计总监 著有《时装画快速表现技法》、《时尚设计·服装》、《手绘服装画表现技法》、《服装设2-女装设计》等书

目录

第一章 时装画基础
第一节 时装画人体
1 服装人体比例
2 头部与发型的画法
3 人体局部的画法
4 男人体的画法
5 儿童体的画法
第二节 款式平面图
1 款式平面图的绘制步骤
2 款式平面图的表现形式
第三节 人体与服装
1 服装细节的表现
2 服装人体姿态的表现
第四节 写生与构图
1 写生
2 构图组合形式

第二章 时装画的黑白效果表现
第一节 线条表现法
1 匀线
2 粗细线
3 不规则线
第二节 块面表现法
第三节 点线面的组合表现法
第四节 单色表现法

第三章 服装画的彩色效果表现
第一节 基本上色方法
1 脸部上色方法
2 影调的处理
第二节 质感肌理表现
1 透明质感画法
2 塔夫绸的画法
3 呢绒质感画法
4 毛皮质感画法
5 皮革质感的画法
6 针织质感的画法
7 条纹的画法
8 格子纹的画法
9 印花服装的表现
10 牛仔的画法

第四章 时装画的表现工具
第一节 水粉表现技法
第二节 水彩表现技法
第三节 彩色铅笔表现技法
第四节 色墨水表现技法
第五节 色粉笔表现技法
第六节 蜡笔表现技法
第七节 马克笔表现技法
第八节 网膜
第九节 剪贴法
第十节 亮片表现法
第十一节 电脑表现法

第五章 时装画的风格表现
第一节 写实风格
第二节 夸张风格
第三节 写意风格
第四节 装饰风格

第六章 时装画的图底处理
第一节 有图无底
1 全身构图
2 局部构图
3 满构图
第二节 有图有底
1 底的抽象处理
2 底的具象处理

第七章 作业的装裱与装订
第一节 装裱
1 装裱方法
2 风格的关联
第二节 装订
1 作业封面设计
2 装订方式

第八章 **外**作品赏析

好的，这是一本关于服装设计基础和实践的教材的简介，它涵盖了从理论到实践的多个方面，旨在帮助学习者建立扎实的服装设计知识体系和提升专业技能。 --- 《服装设计基础与实践：从理论构建到作品呈现》 图书简介 本书是一本系统介绍服装设计核心理论、技术实践与创意表达的综合性教材。它深入浅出地引导读者进入服装设计的广阔世界，不仅关注服装的艺术性表达，更强调其实用性和市场导向。全书结构严谨，内容翔实，旨在为服装设计专业的学生、从业人员以及对服装设计有浓厚兴趣的爱好者提供一本兼具理论深度与实操指导的参考书。 第一部分：服装设计理论基石 本部分着重于构建读者对服装设计学科的宏观理解。 1. 服装设计概论与历史沿革： 首先，本书清晰界定了服装设计的概念、范畴及其在当代社会文化中的角色。通过梳理服装设计史，从古代文明的服饰演变到近现代国际时尚潮流的兴衰，帮助读者理解“经典”是如何形成的，以及历史元素如何被现代设计所借鉴和重构。重点分析了不同历史时期社会结构、经济背景、技术革新如何反作用于服装形态和审美取向。 2. 流行趋势的捕捉与预测： 掌握流行趋势是服装设计师的核心能力之一。本章详细解析了流行信息的来源渠道（如时装周、行业报告、街头文化、社会心理学分析），并教授科学的趋势预测模型。内容包括色彩学在时尚中的应用（如色彩心理学、年度流行色分析）、面料的趋势走向，以及宏观社会议题（如可持续发展、性别流动性）如何转化为具体的服装设计元素。 3. 服装的构成要素分析： 深入剖析服装设计的构成要素，包括： 造型（Silhouette）： 分析不同时代和风格下的轮廓特征，以及如何通过结构变化控制服装的体量感和动感。 色彩（Color）： 介绍色彩理论在服装设计中的应用，包括色彩搭配的和谐性、对比性与情感表达，以及如何为特定主题或系列设定主色调。 面料与肌理（Fabric and Texture）： 探讨各种天然纤维、合成纤维的特性、悬垂性、光泽度对手感和视觉效果的影响，并讲解如何利用面料的肌理变化来丰富设计层次。 图案与装饰（Pattern and Embellishment）： 系统介绍印花、刺绣、绗缝、立体装饰等工艺在提升服装附加值方面的应用和设计原则。 第二部分：服装设计实践技术 本部分侧重于将理论转化为可操作的技能，强调设计思维与制版、制作的紧密结合。 1. 服装结构与制版基础： 详细讲解服装制版的基本原理，包括平面制版法（裁剪图）和立体裁剪法（在人台上的直接塑形）。内容涵盖基础的人体测量学、省道转移技术、省道与褶裥的形成原理，以及如何根据不同的面料特性调整版型松量。特别强调了结构对服装功能性（如活动性、保暖性）的影响。 2. 立体裁剪的精妙运用： 立体裁剪是体现设计师空间思维的关键技术。本章通过大量实例图解，展示如何利用褶裥、绕、绑、塞等手法，在没有图纸的情况下直接在人台上创造出复杂的结构和优美的曲线，尤其适用于高级定制和前卫设计风格的探索。 3. 服装的工艺与制作流程： 涵盖了从面料裁剪、缝合技术、衬布运用到成品整理的全过程。重点介绍各类缝型（如包缝、平缝、锁边）的选择依据，衬在西装和外套中的结构作用，以及细节处理（如领子、袖窿、口袋）如何决定服装的品质感。 第三部分：设计表达与创意呈现 这一部分聚焦于如何将设计理念有效地传达给制作团队和潜在客户。 1. 设计草图与效果图的绘制： 本章旨在提升读者的视觉表达能力。系统介绍服装效果图的基本人体比例、动态姿态的绘制方法。重点阐述如何通过线条的粗细、明暗关系以及色彩渲染来模拟面料的质感和光泽，使平面图具有强烈的立体感和感染力。 2. 服装系列设计与主题构建： 成功的服装设计往往源于一个清晰的主题概念。本书指导读者如何进行设计研究（Research），如何提炼核心概念，并将其转化为一系列相互关联、风格统一的服装作品（Collection）。内容包括Mood Board（情绪板）的构建方法、色彩故事的铺陈以及系列中单品间的逻辑关系。 3. 服装展示与市场沟通： 讲解服装展示的专业知识，包括静态陈列（Mannequin Display）的基本原则、走秀造型（Styling）的技巧，以及如何准备专业的设计作品集（Portfolio）。强调设计图稿、技术图（Technical Flats）与三维效果图在不同沟通阶段中的作用和标准。 结语： 本书强调设计思维的连贯性——从灵感到面料选择，从版型到最终呈现，每一个环节都应服务于最终的设计目标。通过理论学习和大量的实践案例分析，读者将能够建立起一套完整的服装设计方法论，从而在瞬息万变的时尚行业中，找到属于自己的独特设计语言。

评分☆☆☆☆☆

从艺术表现力的角度来看，这本书的深度远远超出了我对一本“教材”的预期。它并未将时装画简化为机械的线条勾勒，而是着重培养读者捕捉“时尚精神”的能力。书中穿插了一些关于服装史中关键造型的分析，虽然篇幅不长，但足以引发读者对设计灵感的思考。例如，当讲解如何表现丝绸的光泽时，它不仅教你如何用高光和阴影来模拟反光，还引导你去思考丝绸这种面料在特定历史背景下所代表的奢华感或流动性。这种将技术融入设计语汇的讲解方式，使得学习过程充满了美学上的愉悦感。它促使我跳出“画得像”的初级阶段，向着“画得有感觉”的目标迈进，着实提升了我的设计思维层次。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我拿到这本教材时，心里是抱着一丝疑虑的，毕竟市面上同类书籍汗牛充栋，很多都成了“图册”而非“技法书”。然而，这本书成功地在“艺术审美”和“工程实用性”之间找到了一个绝佳的平衡点。它的语言风格非常平实，没有太多华丽的辞藻，直击核心，像是经验丰富的老教授在耳边指导你如何修正笔触。比如在处理动态姿态的服装表现时，作者并没有停留在简单的拉伸变形上，而是深入解析了运动过程中布料的褶皱受力点和自然垂坠方向，这种对物理规律的尊重，让画面瞬间鲜活起来。这种对细节的执着，让我在尝试临摹几个复杂造型时，感受到了极大的帮助，原本以为难以捕捉的体积感和空间关系，在遵循书中的步骤后，竟能迎刃而解。它真正做到了“授人以渔”，而非仅仅展示成果。

评分☆☆☆☆☆

这本书的编排结构，简直是为自学者量身定制的良方。它不像某些教材那样将所有知识点混杂在一起，而是采取了一种循序渐进的模块化设计。第一部分夯实基础，第二部分聚焦特定材质，第三部分则开始探讨风格化处理和高级渲染技巧。我最喜欢它的“错误示范与修正”板块，这部分内容极具价值，它直观地展示了新手常犯的错误——比如衣领画得太僵硬、裙摆缺乏空气感——然后立即给出专业级的修改建议。这种反向教学法，极大地节省了我自己试错的时间。而且，书中对不同画笔工具（无论是传统铅笔还是数位板的笔刷设置）的特性分析也相当到位，帮助读者快速建立起一套适合自己的工具箱，这在快节奏的设计行业中是极其宝贵的效率提升点。

评分☆☆☆☆☆

坦白讲，我是在一个非常偶然的机会下接触到这本书的，当时我正在为毕业设计寻找突破口，对自己的服装表现力感到瓶颈。这本书的出现，如同及时雨。最让我眼前一亮的，是它对“情绪”和“叙事性”在服装表现中的运用。它没有陷入学院派固有的呆板，而是探讨了如何在静态的画稿中注入动态的氛围——比如通过背景的模糊处理、模特的肢体语言暗示场景，乃至服装本身散发出的那种无形的“气质”。这些超越了纯粹技法的探讨，对于一个志在成为独立设计师的人来说，是至关重要的“软实力”培养。总而言之，这是一本兼具学术深度、实操广度，并富有前沿设计理念的优秀作品，值得所有服装设计爱好者和从业者反复研读。

评分☆☆☆☆☆

这本关于服装设计技法的书，从扉页到目录设计，都透露着一股学院派的严谨与专业性，装帧考究，纸张质感上佳，即便是初次翻阅，也能感受到编辑团队对“教材”二字的郑重其事。书中大量的插图和示范案例，排版布局清晰，逻辑性极强，对于初学者而言，无疑是一份详尽的路线图。我尤其欣赏它在基础透视和人体结构讲解上的细致入微，那种近乎解剖学层面的剖析，为后续的风格化表现打下了坚实的基础。它不是那种浮于表面的“速成秘籍”，而是脚踏实地地引导读者理解“为什么”要这样画，而不是简单地告知“如何”去画。对于那些希望系统性提升绘画功底的服装设计学生来说，它提供的知识体系是相当扎实和全面的。光是理解不同面料在光影下的质感变化，书里就用了好几个篇幅进行专项探讨，这对于提升作品的真实感和表现力至关重要。