法语音乐剧作品配译 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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竺期 著

图书标签:

• 法语
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• 戏剧
• 音乐
• 表演
• 文学

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787552312157

版次：1

商品编码：12083072

包装：平装

开本：8开

出版时间：2016-11-01

用纸：胶版纸

内容简介

　　此乐谱教材是国内首本法语音乐剧作品中文配译乐谱。乐谱教材内包括了25首来自五部经典法语音乐剧中的作品乐谱，法语歌词，中文译配歌词，每首作品的情境介绍，和演唱注释。

作者简介

　　竺期，歌唱家，音乐剧演员，上海音乐学院音乐戏剧系音乐剧演唱、剧目教师，上海音乐家协会会员，浙江省流行音乐协会副秘书长、理事。

音乐剧的百年光影：从古典溯源到现代剧场的流变 书籍简介 本书是一部深入探讨世界音乐剧发展脉络的学术专著，它摒弃了单一聚焦于特定国家或语种的局限，力图构建一个宏大而细致的音乐剧历史图景。全书以时间为轴，以艺术形式的演进和主题的变迁为主线，细致剖析了音乐剧作为一种综合性舞台艺术，如何在不同历史时期吸纳、融合并最终形成其独特魅力的过程。 第一部分：溯源与熔炉——早期形态的探索（约17世纪末至19世纪中叶） 本书首先回溯了音乐剧的“前世”——那些孕育其基本元素的早期剧场形式。我们详细考察了欧洲歌剧的通俗化倾向，特别是轻歌剧（Opéra Comique）和喜歌剧（Operetta）在结构、角色设定和叙事手法上对后世音乐剧的深远影响。特别关注了法国大歌剧（Grand Opéra）中注重宏大场面和抒情段落的传统，以及意大利正歌剧（Opera Seria）向更贴近生活主题转化的尝试。 同时，本书将目光投向了横跨大西洋的文化交汇点——美国。早期美国舞台的杂耍歌舞（Vaudeville）和歌舞杂耍（Minstrel Shows）虽然在内容上存在巨大的争议性和局限性，但它们确立了音乐、舞蹈和幽默对白紧密结合的舞台模式，为后来的“美国音乐剧”提供了原始的“剧场语言”。我们通过分析早期音乐剧雏形作品，如巴克斯·伯格斯（George M. Cohan）的作品，展示了如何将讽刺时事、爱国主题与易于传唱的旋律相嫁接，初步确立了音乐剧作为“反映当下”的艺术功能。 第二部分：黄金时代的奠基——“纽带”的构建与成熟（约19世纪末至20世纪30年代） 本部分是全书的核心之一，重点剖析了如何解决“歌唱何时发生，舞蹈如何融入”这一长期困扰早期音乐剧创作者的结构性难题。我们详细分析了两位关键人物的贡献：吉尔伯特与萨利文（Gilbert and Sullivan）在英国开创的“戏剧歌剧”（Comic Opera）模式，其对清晰叙事和机智对白的坚持；以及在德累斯顿和维也纳发展起来的“浪漫轻歌剧”，对情感表达的深化。 进入美国，本书着重分析了1920年代“弗洛伦斯·齐格菲尔德歌舞团”（Ziegfeld Follies）的盛行，虽然它们更偏向于歌舞展示，但其对舞台视觉效果的极致追求，推动了服装、布景设计的革命。真正的突破发生于“整合式音乐剧”（Book Musical）的诞生。我们系统梳理了剧作家奥斯卡·汉默斯坦一世（Oscar Hammerstein I）与作曲家之间的合作模式，并特别探讨了乔治·格什温（George Gershwin）的作品，如何首次将爵士乐和布鲁斯等美国本土音乐元素，有机地融入到具有严肃叙事结构的戏剧之中，使音乐不再是情节的间隙，而是推动剧情发展的核心驱动力。 第三部分：叙事深度的探索——主题的拓宽与艺术性的提升（约20世纪40年代至60年代） 二战后的时期被公认为音乐剧的“黄金时代”。本部分聚焦于两位大师——理查德·罗杰斯（Richard Rodgers）与奥斯卡·汉默斯坦二世（Oscar Hammerstein II）——的合作，他们彻底将音乐剧提升至与严肃戏剧同等的地位。我们通过对《俄克拉荷马！》、《南太平洋》和《音乐之声》的细致文本分析，阐明了他们如何将音乐和舞蹈完全融入角色动机和心理刻画，实现了真正的“戏剧性整合”。音乐剧开始勇敢地触碰种族歧视、社会偏见和个人成长等深刻主题，极大地拓宽了其艺术容量。 同期，我们也考察了欧洲大陆的回应。米歇尔·勒格朗（Michel Legrand）等人在法国歌剧风格的影响下，发展出更具电影感和浪漫主义色彩的舞台作品。同时，对歌剧的借鉴并未停止，伯恩斯坦（Leonard Bernstein）的《西区故事》便是古典对位法与现代百老汇节奏的完美结合，展示了音乐剧在和声与对位上的复杂性。 第四部分：反叛与多元——风格的解构与重塑（约20世纪70年代至90年代） 进入现代，音乐剧进入了风格爆炸期。本部分探讨了对传统“完美结局”的反叛。史蒂芬·桑德海姆（Stephen Sondheim）的作品成为一个重要的转折点，他摒弃了传统的主旋律驱动，转而使用复杂的和声结构和更贴近日常口语的歌词，深入探讨人性的灰色地带和存在的疏离感，这标志着音乐剧在智性层面上的巨大飞跃。 与此同时，受摇滚乐和电子乐的影响，摇滚音乐剧（Rock Musical）兴起，它不仅改变了舞台的听觉体验，也吸引了新的年轻观众群体。我们还详细分析了“概念音乐剧”的兴起，这类作品（如《俄克拉荷马！》之后的一些作品）更侧重于表达一个抽象的理念或氛围，而非线性叙事。此外，英国的“剧场制作人”时代来临，尤其聚焦于安德鲁·劳埃德·韦伯（Andrew Lloyd Webber）的崛起，他将宏大的舞台调度、标志性的旋律和对经典文学主题的重塑相结合，开启了全球巡演和商业化运作的新纪元。 第五部分：全球化与未来展望——跨文化的影响与技术革新（20世纪末至今） 本书的最后部分将视野投向当代。我们分析了全球化背景下，音乐剧创作的跨文化现象，例如日本宝冢歌剧团对西方剧目的本土化改编，以及欧洲其他国家对本土民间故事和历史事件的舞台重构。 着重探讨了数字技术和舞台设计如何重塑观众的观看体验，从电子音效的运用到巨型LED屏幕在叙事中的集成。同时，我们审视了当代音乐剧在题材上的进一步拓展，包括对身份政治、科技伦理等前沿议题的关注，以及“非传统”的叙事结构（如返向叙事、多线索并行）在当代表达中的应用。 本书的结论部分总结了音乐剧从通俗娱乐到严肃艺术的艰难转型，并探讨了其作为一种高度依赖集体创作和技术实现的舞台艺术形式，在面对新的媒体竞争和文化变迁时，将如何继续进化其核心的“歌唱、舞蹈、戏剧”三位一体的表达模式。全书旨在为读者提供一个全面、深刻、具有历史穿透力的音乐剧艺术通史。

评分☆☆☆☆☆

读完这本书，我最大的感受是，作者对法语音乐剧的热爱是毋庸置疑的，但更难得的是他那份极强的“中文表达力”。很多时候，我们面对翻译作品时，会陷入一个怪圈：要么是忠实原作但读起来不通顺，要么是通顺流畅但感觉已经“面目全非”。这本书展示了一种难得的中庸之道，但这个“中庸”并非平庸，而是经过了千锤百炼的艺术选择。我特别留意了作者在处理那些“难以言喻”的法语感叹词和特定情境下的语气词时的处理方式。这些小小的词汇，往往是区分“机器翻译”和“人类理解”的关键。作者似乎有一套自己的“情感字典”，他能准确地捕捉到角色在特定情绪下，最能引发中文听众共鸣的表达方式，而不是生硬地套用一个固定译法。这使得书中的案例分析不仅具有学术价值，更像是一本高阶的写作范本。它教会我的，不仅仅是如何翻译法语音乐剧，更深层次的是，如何用中文这门语言去承载和传递复杂的情感张力。对于从事任何形式的文学翻译或者文字工作的人来说，这本书都能提供宝贵的启发。

评分☆☆☆☆☆

作为一名业余的法剧爱好者，我关注的重点往往停留在舞台效果、演员表现和旋律抓耳与否。这本书，却彻底颠覆了我对“好翻译”的认知。它像一把手术刀，精准地剖析了法语的“音乐性”是如何与文字的“意义”深度绑定的。法语本身就带有很强的流动感和韵律感，这种特性在歌唱时会被放大，而翻译时，如何保留这种流动性而不让译文显得拖沓，是一个巨大的挑战。这本书没有回避这些难题，反而用大量的实例来展示作者是如何“手术般”地解决这些问题的。我记得其中有一段提到，在处理一个长句时，中文的结构决定了它必须拆分，但作者是如何通过巧妙地运用句内停顿和意群的衔接，使得拆分后的句子在情感上依然保持着法语原版的连贯性，那种智慧的火花真是令人惊叹。这本书让我意识到，好的配译不是简单的“换个语言”，而是要进行一场深入的“文化重塑”，让观众在接收到中文信息的同时，也能感受到法语原作的某种“气味”。阅读过程让我对未来观看任何配有字幕的法语演出时，都会多一份挑剔和敬意。

评分☆☆☆☆☆

拿到这本《法语音乐剧作品配译》，我原本以为它会是那种学术性过重、读起来枯燥乏味的专业书籍，毕竟“配译”两个字听起来就透着一股理论的架势。然而，实际阅读体验却是充满了惊喜和乐趣。作者的叙事风格非常流畅自然，完全没有传统教科书那种刻板的印记。他似乎在用一种非常亲切的方式，邀请读者一起走进那些经典剧目的幕后，去拆解每一个音符背后隐藏的翻译难题。我最喜欢的是其中关于情感张力和语境转换的讨论。比如，剧中人物在绝望边缘时，法语中那种特有的介词和动词时态变化，是如何影响情绪的表达，而译者又如何用中文的语气词和句式重构这种情绪的递进。这种深入到文本肌理的分析，远超出了我以往对“翻译”的理解，它更像是一种跨文化的再创作过程的记录。翻阅过程中，我忍不住会时不时地拿出我最爱的几部法语音乐剧CD来对照着听，原本觉得有些平淡的中文演唱版本，在有了这本书的解读后，仿佛瞬间被注入了灵魂，每个字的发音、停顿都充满了设计感和深意。这本书成功地将“翻译技术”提升到了“艺术实践”的层面，非常值得细细品味。

评分☆☆☆☆☆

这本关于法语音乐剧的作品配译，简直是为我这种从小就对法国文化和音乐剧痴迷的人量身定做的宝藏！说实话，我之前一直很遗憾，国内的法语音乐剧爱好者想深入了解作品的精髓，往往受限于翻译质量。市面上的版本大多要么过于直译，生硬得让人出戏，要么为了押韵和歌唱性而牺牲了原著的文学性和情感深度。而这本书，从我翻开序言开始，就明显感受到作者那份扎实的语言功底和对舞台艺术的深刻理解。它不仅仅是罗列出对译词，更像是提供了一套完整的“配译哲学”。我尤其欣赏它对于那些法语特有的双关语和文化典故的处理，很多我以前听歌时一头雾水的地方，通过书中的解析，瞬间变得豁然开朗。比如，解析蒙帕纳斯时，作者是如何巧妙地将那种巴黎式的浪漫与颓废感融入到译文中，那种“信达雅”的平衡拿捏得恰到好处，让人不得不拍案叫绝。这本书的价值，在于它搭建了一座沟通法兰西的艺术魅力与中文听众理解之间的桥梁，让那些经典唱段不再是遥不可及的异域之音，而是能直击人心的动人故事。对于任何想要欣赏法语音乐剧原汁原味魅力的读者来说，这绝对是案头必备的参考书。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我本来是冲着学习一些具体的翻译技巧去的，毕竟之前在一些论坛上看到过关于特定剧目翻译争议的讨论。这本书的结构设计非常人性化，它不像一本传统的理论汇编，而是通过一个个鲜活的案例片段进行展开，让你仿佛置身于一个高水平的研讨会现场。作者在分析时，总是能够深入到音乐与文本相互作用的那个临界点。法语音乐剧的台词往往是为旋律服务的，节奏和音高对选词有着极高的要求。这本书细致地解析了当旋律的起伏要求一个长元音时，译者如何权衡意义的完整性和音韵的契合度，这比单纯讨论词汇替换要高明得多。我印象最深的是关于“节奏重构”的章节，作者用图表和对比的方式，直观地展示了如何通过调整中文句子的语序和断句，来模拟法语原声带中那种独特的推进感。这已经超越了文字层面，进入了听觉设计和舞台调度领域。这本书的深度和广度，让人在合上书本时，心中充满了一种豁然开朗的满足感，它真正做到了提升我们对法语音乐剧整体艺术性的鉴赏层次。