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罗琳 著

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• 摄影
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• 入门
• 技巧
• 构图
• 光圈
• 快门
• ISO
• 数码摄影
• 摄影教学

店铺： 夜语笙箫图书专营店

出版社： 中国广播影视出版社

ISBN：9787504359902

商品编码：30111891910

包装：平装

出版时间：2009-12-01

基本信息

书名：摄影基础教程

定价：30.00元

作者：罗琳

出版社：中国广播影视出版社

出版日期：2009-12-01

ISBN：9787504359902

字数：

页码：

版次：1

装帧：平装

开本：16开

商品重量：0.522kg

编辑推荐

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内容提要

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本教材着重于艺术角度的阐释。此外，随着近年来数码摄影的崛起，本教材也顺应了这一趋势，偏重在数码摄影方面，偶尔涉及传统的胶片摄影，也是为了做比较之用。编写过程中，参考了很多前辈的相关著述，也选取了许多摄影师的作品作为图例。

目录

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代总序 拥抱创意时代
章 摄影概述
节 什么是摄影
第二节 摄影小史
第二章 作为技术的摄影
节 数码相机的种类
第二节 数码相机的工作原理
第三节 感光器
第四节 镜头
第三章 数码相机的使用
节 取景器
第二节 快门
第三节 光圈
第四节 对焦方式
第五节 拍摄模式
第六节 感光度
第七节 白平衡
第八节 分辨率与格式
第四章 构图的艺术
节 景别的选择
第二节 构图的基本形式
第三节 构图的形式要素
第五章 曝光的技术
节 曝光的技术
第二节 测光的方法
第六章 光的造型
节 光的特性与种类
第二节 光的造型
第七章 色彩的表现
节 色彩基本理论
第二节 色彩与感觉
第三节 色彩与情感
第四节 色彩构成
第五节 色彩对比
第八章 数码暗房
节 图像输入
第二节 图像处理
第三节 图像输出
第九章 主题摄影
节 新闻摄影
第二节 商业摄影
第三节 人像摄影
参考文献
后记

作者介绍

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罗琳，男，2003年毕业于清华大学美术学院装潢系平面设计专业，获文学硕士学位。曾赴德国、法国和香港地区参加学术交流，现为中国传媒大学电视与新闻学院讲师。有作品《符号》、《中国印象》、《六小时》等，并多次参加过外的设计展览。

文摘

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序言

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聚焦艺术与哲学：超越技术层面的视觉表达指南 书名：《光影的沉思：超越镜头、构图与后期的深度视觉艺术探索》 书籍简介： 本书并非一本教授您如何操作相机的技术手册，它更像是一份邀请函，邀请所有对“观看”与“表达”抱有深刻好奇心的个体，踏入一个关于光影、时间、感知与存在本身的哲学之旅。我们暂且放下快门速度、光圈大小或白平衡设置的纠缠，转而探讨视觉艺术的根基——那些决定一张照片是否能真正“触动人心”的底层逻辑。 《光影的沉思》旨在填补当前摄影教育体系中常常被忽视的一个重要维度：艺术家的内在构建与对世界的独特诠释能力。我们相信，一部伟大的作品，其力量源于创作者对生命、环境以及媒介本身深刻的理解，而非仅仅是手中器材的性能参数。 第一部分：视觉的语言与非线性叙事 在技术语境中，我们习惯于将图像分解为像素、色彩和线条的几何组合。然而，人类的感知并非如此线性。本部分深入剖析视觉语言的心理学基础。我们研究格式塔心理学在图像组织中的应用，不仅停留在经典的“主体/背景”分离，更探讨“缺失”与“留白”如何成为叙事中最强大的元素。 我们将探究“时间”在静止图像中的残余效应。一张照片捕捉的是瞬间，但真正有力量的作品，往往能暗示其前因后果与未来的可能性。我们通过分析历史上的关键性图像——从早期纪实摄影大师的作品到当代观念摄影的实践，解析他们如何通过节奏感、暗示性构图以及对视觉隐喻的运用，将一个“瞬间”转化为一个关于“永恒”的命题。 叙事结构是本书的核心议题之一。我们不再以传统的“起承转合”来构建作品集或系列，而是引入电影理论中的蒙太奇手法，探讨如何在不同图像的并置中产生新的、无法通过单一图像直接传达的意义。如何构建一个“非因果的逻辑链”？如何让观看者在图像间的跳跃中，主动参与到意义的建构过程？这些都是本部分力图解答的问题。 第二部分：光影的哲学：物质性与形而上学的交汇 光，是摄影的生命线，但本书探讨的光，远超出了曝光值的范畴。我们追溯光线的历史渊源，从柏拉图的洞穴寓言到科学对电磁波谱的认知，将光视为一种存在的媒介。 本章细致地考察了光的不同“品格”： 绝对的光与绝对的影（Chiaroscuro的深化）： 探讨伦勃朗式的光影处理如何映射人类内在的二元对立，以及如何利用高对比度来剥离对象表面的装饰性，直达其本质。 漫射光与揭示的谦逊： 分析在均匀光线下，创作者如何转向形态、纹理和微妙的色彩渐变来承载情感重量。这是一种对“过度强调”的反思，倡导一种更内敛、更具冥想性的观看方式。 色彩的非客观性： 我们拒绝将色彩视为单纯的记录工具，而是将其视为情感的载体和文化的标记。通过深入研究不同文化对特定色彩的心理联想，帮助读者建立一套基于个人体验与文化背景的色彩词汇表。 此外，本书投入大量篇幅讨论“物质性”——即摄影作品在被复制与数字化浪潮中，其物理形态的价值。我们审视相纸的纤维、墨水的渗透、装裱的重量感，这些元素如何与图像内容共同作用，构建出作品的“在场感”。这不仅是对工艺的赞美，更是对“观看行为”的重新定位——它要求观看者投入更多的时间与物质敬意。 第三部分：主体与客体：伦理、共情与观看者的责任 任何图像的诞生都伴随着伦理的考量。当我们选择凝视某人或某物时，我们实际上是在行使一种权力。本书将摄影伦理提升到存在主义的层面。 我们系统地分析了“被摄者”与“拍摄者”之间的动态关系。在纪实摄影中，如何避免“剥削性凝视”（The Exploitative Gaze）？如何确保作品的“真实性”不以牺牲对象的尊严为代价？我们借鉴了人文学科中关于“他者性”（Otherness）的讨论，引导读者思考，我们的镜头是否仅仅在确认我们既有的偏见？ 本部分特别关注“自我的消隐”。在很多伟大的艺术实践中，创作者的意图是引导观众进入作品，而非被创作者强行拉入。我们研究了那些极简主义、概念驱动的作品，它们如何通过刻意的“去签名化”和对个人叙事的稀释，使得作品能够承载更广泛的人类经验。学习如何在作品中保持缺席，从而在场。 第四部分：对观看行为的重新定义 最终，一张照片的生命力完全依赖于观看者的参与。《光影的沉思》最后一部分着眼于“接受美学”。我们探讨观众是如何“完成”一张照片的。 阅读速度与节奏： 不同的图像需要不同的阅读时间。一幅需要一秒钟的快照与一幅需要二十分钟的复杂版画，它们对观众的认知负荷是截然不同的。我们分析了如何通过图像的密度和信息量来“调控”观看时间。 身体性与空间感： 图像不仅仅是在视网膜上发生的事件，它与我们身体的经验息息相关。我们讨论了照片的尺度（印刷尺寸）如何影响观看者的空间感和对图像深度的感知。一幅小而精致的印品与一张巨幅喷印之间，其心理效应的差异何在？ 沉默的对话： 伟大的艺术往往是沉默的。它不提供明确的答案，而是提出更深刻的问题。本书鼓励读者培养一种“迟缓的观看”（Slow Looking）的习惯，学会与图像中的“空白”对话，从中提取出被技术噪音所掩盖的深层意义。 目标读者： 本书面向所有已经掌握了基础摄影技术，但渴望将自己的作品从“技术展示”提升到“思想表达”层面的摄影师、视觉艺术家、艺术评论学生，以及对视觉文化与哲学思辨有浓厚兴趣的普通读者。这不是一本教你如何拍出“好看”照片的书，而是一本引导你思考“何为值得被观看的”的深度指南。它将激励你重新审视你的观看方式、你的创作动机，以及光影在你生命中的真正意义。

评分☆☆☆☆☆

这本书带给我的惊喜是全方位的。我之前一直以为摄影就是关于技术，关于器材，关于那些复杂的参数。但读了这本书，我才发现，摄影的魅力远不止于此。它不仅仅是关于如何拍出清晰、好看的照片，更是关于如何用镜头去观察世界，去记录生活，去表达情感。书中关于“摄影眼”的训练方法，让我开始意识到，原来身边的一切都可以成为拍摄的对象，原来用不同的视角去观察，世界会呈现出完全不同的面貌。我特别喜欢它关于“摄影语言”的探讨，让我明白，每一张照片都在讲述一个故事，都在传达一种情感。这本书让我明白，好的摄影师不仅仅是技术娴熟的匠人，更是有思想、有情感的艺术家。它鼓励我去探索自己的风格，去寻找自己独特的视角，这对我来说是最大的启发。我迫不及待地想拿起相机，去捕捉那些我曾经忽略的美好。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计就很有吸引力，简洁大方的风格，一看就知道是干货满满的。我一直对摄影很感兴趣，但总是感觉自己拍出来的照片缺乏一些“感觉”，不知道是光线运用不对，还是构图太死板。我平时也看过一些零散的摄影技巧文章，但总觉得不成体系，学了也记不住。这本书给我一种耳目一新的感觉，它不仅仅是罗列一些枯燥的参数和理论，而是从非常基础的、实用的角度入手，帮助我理解为什么需要这样做。比如，它在讲解光圈的时候，不仅仅是告诉你f值的大小会影响景深，还会通过大量的实例图，让你直观地感受到不同光圈下画面效果的差异，以及如何在不同场景下选择合适的光圈来实现想要的艺术效果。我最喜欢的部分是它关于“观察”的讲解，以前我总以为摄影就是按下快门，但这本书告诉我，真正的摄影是从眼睛开始的，是学会用眼睛去“看”光线、去“看”线条、去“看”色彩。这一点对我来说是醍醐灌顶，让我开始重新审视自己观察世界的方式，也为我后续的学习打下了坚实的基础。

评分☆☆☆☆☆

我之前尝试过一些线上摄影课程，虽然老师讲得也挺认真，但总感觉少了点什么，就是那种“上手”的感觉。很多时候，老师讲完一个技巧，我回去自己实践，总是不得要领。这本书在这方面做得非常好，它不是那种“填鸭式”的教学，而是通过“引导式”的学习，让你自己去思考，去尝试。比如，在讲到快门速度与运动的关系时，它会让你思考如何在拍摄流水时捕捉到丝滑的质感，如何在拍摄运动中的人时定格瞬间。它不会直接告诉你“设置多少快门”，而是通过让你去分析场景，去预判运动的轨迹，然后让你去尝试不同的快门设置，最终得出适合的结论。这种学习方式，让我觉得我不是在被动地接收信息，而是在主动地探索和发现。书中的案例分析也非常到位，每个案例都配有详细的图片和讲解，让你能清楚地看到作者是如何运用书中讲解的技巧来达到理想的拍摄效果的。我特别喜欢它关于“决定性瞬间”的讨论，这让我明白，好的照片不仅仅是技术上的完美，更是情感和故事的捕捉。

评分☆☆☆☆☆

我是一个对摄影有一定了解，但总觉得自己的技术停滞不前的爱好者。之前看过不少摄影的书，但很多都停留在理论层面，或者过于偏重某个特定领域的技巧，比如风光摄影或者人像摄影。这本书给我一种“回归本源”的感觉，它没有回避专业术语，但也没有滥用，而是将它们融入到对摄影本质的探讨中。我特别欣赏它关于“后期处理”的讲解，以前我总觉得后期是一种“作弊”，但这本书让我明白，后期是摄影创作的延伸，是帮助我们更好地表达想法的工具。它并没有推荐复杂的后期软件，而是侧重于讲解后期处理的基本理念和原则，比如如何调整曝光、对比度和色彩，如何让照片更有情绪。这一点让我豁然开朗，也让我对自己的照片有了新的认识。这本书的独特之处在于，它不仅仅教授“术”，更强调“道”，让我开始思考摄影的意义，思考如何通过照片来传达自己的情感和思想。

评分☆☆☆☆☆

从一个完全零基础的初学者角度来看，这本书真的太友好了。我拿到书的时候，心里还有点打鼓，担心自己看不懂那些专业的术语。但事实证明，我的担心是多余的。这本书的语言非常通俗易懂，即便是最复杂的概念，作者也能用最简单明了的方式解释清楚。而且，它并不是一上来就抛出一大堆理论，而是循序渐进，从最基本的“认识你的相机”开始，一步一步地引导你了解相机的各项功能。我之前对相机的菜单简直是摸不着头脑，但看完这本书，我感觉自己像换了一台新相机一样，对各种设置都了然于胸。它还包含了很多实用的练习，比如如何更好地构图，如何利用自然光创作出有氛围感的照片，这些练习都非常具有操作性，让我可以马上动手实践。我尝试了书中关于“三分法”的构图练习，确实让我的照片一下子变得更有章法，更吸引人。这种“边学边练”的方式，让我学习的效率大大提高，也增强了我继续深入学习的信心。