音乐作品曲式分析李虻西南师范大学出版社艺术考研正版教材9787562130628 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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李虻 著

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• 西南师范大学出版社
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出版社： 重庆西南师范大学出版社

ISBN：9787562130628

商品编码：29859842973

页数：388

图书基本信息
书名：	音乐作品曲式分析
丛书名：	21世纪高等院校音乐教材
作者/主编：	李虻
出版社：	西南师范大学出版社
ISBN号：	9787562130628
出版年份：	2007年

版次：	第2版
总页数：	388页
开本：	1/16
图书定价：	46.00元
实际重量：	722g
新旧程度：	正版全新

李虻主编的这本《音乐作品曲式分析(21世纪高等院校音乐教材)》，是他本人在高等音乐师范教育中，在长期从事音乐作品曲成分析教学工作中，钻研、探索、改革、实践的产物，它从内容、方法、手段等方面有针对性地实现了很多学术和教学上的拓展和创新，并经过反复的成功验证。

 第*章 绪论 第*节 音乐的结构与曲式分析 第二节 音乐材料及其发展手法 第三节 和声在音乐结构中的作用 一、和声分析中要重点注意的几个方面 二、曲式与作品分析中和声的分析步骤 第四节 音乐的陈述类型 一、概述 二、稳定型陈述的一般特征 三、非稳定型陈述的一般特征 第五节 曲式分析中的几个基本概念 一、动机 二、主题 三、曲式结构单位 四、结构的周期性、综合与分解 五、曲式的基本部分 六、曲式的附属部分 第六节 曲式分析的步骤与曲式分析报告 第二章 一部曲式 第*节 概述 一、一部曲式与乐段基本特征 二、乐段的和声特征 第二节 乐段的内部结构 一、乐句 二、乐句的复杂化 三、乐节 四、乐汇 第三节 乐段的种类 一、由两个乐句构成的乐段 二、由三个乐句构成的乐段 三、由四个乐句构成的乐段 四、其他由单数乐句构成的乐段 五、复乐段 第四节 一部曲式分析实例 实例一 内蒙民歌《牧歌》 实例二 赵元任《卖布谣》 实例三 贺绿汀《清流》 实例四 肖邦《前奏曲》Op.28NO.1 实例五 柴可夫斯基《俄罗斯教堂》 实例六 斯克里亚宾《前奏曲》Op.11NO.4 分析曲目 第三章 单二部曲式 第*节 概述 第二节 单二部曲式各部分特征 一、单二部曲式的第*部分 二、有再现的单二部曲式的中间部分 三、有再现的单二部曲式的再现部分 四、没有再现的单二部曲式 五、单二部曲式的引子、尾声、反复 第三节 相似曲式结构的辨析 第四节 单二部曲式分析实例 实例一 舒曼《莲花》 实例二 意大利歌曲《啊，我的太阳》 实例三 贺绿汀《游击队歌》 实例四 巴托克《献给孩子们（二）》NO.3 实例五 贝多芬《钢琴奏鸣曲》Op.26第四乐章 （主部） 实例六 门德尔松《无词歌》第5首《焦虑》OP.19NO.5 实例七 菲尔德《夜曲》 分析曲目 第四章单三部曲式 第*节概述 第二节单三部曲式各部分特征 一、单三部曲式的第*部分 二、发展中部（引申型） 三、对比中部（并置型） 四、再现部（简单再现） 五、动力化再现 六、假再现部 七、单三部曲式的引子、尾声、反复 八、没有再现的单三部曲式 九、边缘曲式 第三节相似曲式结构的辨析 一、与单二部曲式的辨析 二、镶边的单三部曲式 第四节单三部曲式分析实例 实例一郑秋枫《我爱你，中国》 实例二杜鸣心《一个黑人姑娘在歌唱》 实例三贺绿汀《牧童短笛》 实例四丁善德儿童组曲《快乐的节日》之《跳绳》 实例五舒曼《童年情趣》之七《梦幻曲》 实例六门德尔松《无词歌》第27条（葬礼进行曲）Op.62No.3 实例七格里格《阿尼特拉舞曲》Op.46No.3 实例八柴可夫斯基《四季》之《十月——秋之歌》Op.37No.10 分析曲目 第五章复三部曲式 第*节概述 第二节复三部曲式各部分特征 一、复三部曲式的第*部分 二、三声中部 三、插部 四、再现部 五、复三部曲式的引子、尾声和连接 六、复三部曲式的变体——复三部—五部结构及双重复三部曲式 七、复杂化的复三部曲式 八、复二部曲式 第三节相似曲式结构的辨析 第四节复三部曲式分析实例 实例一贝多芬《钢琴奏鸣曲（田园）》Op.28第二乐章 实例二柴可夫斯基《四季》之《二月——狂欢节》Op.37No.2 实例三肖邦《c小调夜曲》Op.48No.1 实例四柴可夫斯基《四季》之《十一月——在马车上》Op.37No.11 实例五贝多芬《钢琴奏鸣曲》Op.7第二乐章 实例六丁善德《儿童组曲》之《扑蝴蝶》 分析曲目 第六章变奏曲式 第*节概述 第二节变奏曲式分类论述及各部分特征 一、固定低音变奏 二、固定高音旋律变奏 三、装饰性变奏 四、自由变奏 五、双主题变奏（二重变奏曲） 第三节相似曲式结构的辨析 第四节变奏曲式分析实例 实例一阿连斯基《固定低音变奏曲》Op.5No.5 实例二亨德尔《帕萨卡里亚》 实例三贝多芬《钢琴奏鸣曲（热情）》Op.57第二乐章 实例四周广仁《陕北民歌主题变奏曲》 实例五华彦钧曲储望华改编《二泉映月》 实例六刘庄《沂蒙民歌变奏曲》 分析曲目 第七章回旋曲式 第*节概述 第二节回旋曲式分类论述及各部分特征 一、古回旋曲式 二、简单回旋曲式 三、回旋曲式的进一步发展 第三节相似曲式结构的辨析 一、与从插部开始的回旋曲式的辨析 二、与双重三部性曲式结构的辨析 三、与复三部曲式的辨析 第四节回旋曲式分析实例 实例一库普兰《蒙尼卡姐妹》 实例二肖邦《钢琴前奏曲》Op.28No.17 实例三贝多芬《献给爱丽丝》 实例四贝多芬《钢琴奏鸣曲（黎明）》Op.53第三乐章 实例五勃拉姆斯《第二交响曲》Op.73第三乐章 实例六莫扎特《A大调钢琴奏呜曲》K.331第三乐章《土耳其进行曲》 分析曲目 第八章奏鸣曲式 第*节概述 第二节呈示部 一、主部 二、连接部 三、别部 四、结束部 第三节展开部 一、引入部分 二、基本展开部分 三、再现部的准备部分 第四节再现部 一、简单再现 二、动力化再现 第五节引子与尾声 一、引子 二、尾声 第六节奏鸣曲式的变体 一、没有展开部的奏鸣曲式 二、协奏曲中的奏呜曲式 三、古奏鸣曲式 第七节相似曲式结构的辨析 第八节奏鸣曲式分析实例 实例一贝多芬《钢琴奏鸣曲（热情）》Op.57第*乐章 实例二肖邦《bb小调钢琴奏鸣曲》Op.35第8乐章 实例三贝多芬《钢琴奏鸣曲（暴风雨）》Op.31No.2第二乐章 实例四贝多芬《钢琴奏鸣曲》Op.90第*乐章 实例五莫扎特《钢琴奏鸣曲》K.311第*乐章 分析曲目 第九章回旋奏鸣曲式 第*节概述 第二节回旋奏鸣曲式各部分特征 一、呈示部 二、中间插部 三、再现部 四、尾声 第三节相似曲式结构的辨析 一、与复三部曲式的辨析 二、与回旋曲式的辨析 三、与奏呜曲式的辨析 第四节回旋奏鸣曲式分析实例 实例一贝多芬《钢琴奏鸣曲（悲怆）》Op.13第三乐章 实例二贝多芬《钢琴奏鸣曲》Op.90第二乐章 分析曲目 第十章现代音乐作品分析方法（简介） 第*节怀特“音乐分析”的基本原则 一、描述性分析的基本原则与方法 二、综合与结论 第二节申克“音乐的结构与延长” 一、音乐的结构功能和延长功能 二、申克体系有关标记符号列表 三、分析方法与基本原则简介 第三节波尔“十二音序列分析方法” 一、十二音序列的基本概念 二、十二音序列作品分析步骤 第四节福特“无调性集合分析理论” 一、音级集合表 二、集合的基本型和标准序 三、音级集合分析方法的应用范围 参考书目 后记 

《21世纪高等院校音乐教材:音乐作品曲式分析》是作者在高等音乐师范教育中，在长期从事音乐作品曲成分析教学工作中，钻研、探索、改革、实践的产物，它从内容、方法、手段等方面有针对性地实现了很多学术和教学上的拓展和创新，并经过反复的成功验证。譬如：作者在更加周密、细致地阐述曲式理论知识的同时，在每一章后面都附有一定数量的作品，以供实际进行曲式分析使用。不仅如此，每章还提供一份对所附曲例中某一首的“分析报告”示范文本，这样就把传授学科知识，指导实际分析作品的步骤与方法，加强教学中的实践环节，教会学生把自己对作品分析的结果清晰、简明地表述出来，养成为学治教日积月累的良好习惯。这样把素质教育、教书育人扎扎实实地落实于课程教学的全过程，是很有价值的兼备“学术性”和“工程性”的教育教学改革的实际成果，具有很强的实践性、指导性。此外，作者在每章都设有一节“相似曲式结构的辨析”，这样做，一方面有助于廓清实际分析中常常容易混淆的某些内容；另一方面，或者说更重要的方面，是通过实际教学内容，反复提醒人们，注意匡正那种在音乐作品分析中，以曲式的公式取代对作品进行具体分析的活的灵魂的不良做法和习惯。作者在每章后面还设有一节“分析曲目”，既为学生自主学习提供方便，起到引导作用，又有助于拓宽学生的知识面，调整其学习思维，检验其学习结果等等 

好的，以下是根据您的要求，创作的一本不包含您所提供图书内容的、详细的图书简介： --- 《西方音乐史论：从格里高利圣咏到二十世纪前卫》 著者： [此处填写虚构作者名，例如：艾尔莎·冯·霍夫曼 / 王立德 教授] 出版社： 环宇音乐学社 ISBN： 978-7-5688-1018-5 定价： 168.00 元 --- 内容概述：一部跨越千年的宏大叙事 《西方音乐史论：从格里高利圣咏到二十世纪前卫》并非一部简单的年代编年史，而是一部深刻探究西方音乐在特定历史、哲学和社会背景下如何演变、如何自我革新的深度论著。本书以清晰的脉络和严谨的学术态度，将西方音乐史划分为若干关键的文化阶段，重点剖析了每个时期内，音乐的本体结构、美学追求以及技术范式的根本性转移。全书旨在引导读者超越对著名作曲家和作品名称的简单记忆，深入理解音乐语言的内在逻辑及其与时代精神的共振。 深度解析：跨越时空的音乐结构变迁 第一部分：中世纪的奠基与神圣的声音（约 400 年 – 1400 年） 本部分详尽梳理了西方音乐的源头——古罗马音乐的残余影响，以及中世纪早期在教会体制下的形态确立。重点研究了格里高利圣咏的单音音乐规范，分析其音高、节奏的非量化特性，以及音乐如何服务于礼仪文本的“意义”。 随后，本书深入探讨了复调音乐的诞生与发展，特别是奥尔加农（Organum）的早期形式，直至巴黎圣母院乐派（Notre Dame School），如莱奥南和佩罗坦的作品。我们不仅分析了早期对位法的简单叠加，更着重探讨了“节奏模式”（Tactus）和记谱法（Notation）的每一次重大突破，如何使音乐从松散的集体吟诵，走向精确可控的结构。 第二部分：文艺复兴的和谐与人文主义的回归（约 1400 年 – 1600 年） 文艺复兴时期是人文主义思想对音乐进行深刻重塑的时代。本书细致考察了弗兰德斯画派的“模仿复调”（Imitative Counterpoint）如何达到炉火纯青的境界。重点分析了若斯坎·德普雷的音乐语言，探讨其如何通过精妙的动机展开，实现歌词与旋律的“阐释性统一”。 在世俗音乐方面，本书详细分析了牧歌（Madrigal）的兴起。这不是简单的形式介绍，而是对牧歌中“文字描绘”（Word Painting）现象的语言学和修辞学解读，揭示了音乐如何开始主动地、个性化地反映人类情感的复杂层次。同时，我们也探讨了晚期文艺复兴向巴洛克过渡的张力，特别是对新音乐戏剧（早期歌剧雏形）的探索。 第三部分：巴洛克的宏伟与情感的戏剧化（约 1600 年 – 1750 年） 巴洛克时期是西方音乐技巧和表现力爆炸性增长的阶段。本书将大量篇幅献给“数字低音”（Basso Continuo）作为贯穿整个时代的结构支撑，并详细阐述了“情感理论”（Doctrine of Affections）如何指导作曲家在音乐中精确地表达单一的、强烈的精神状态。 深入分析了奏鸣曲、协奏曲和赋格等核心体裁的成熟过程。对巴赫的对位技巧（如《平均律钢琴曲集》和《赋格的艺术》）进行了结构解构，将其视为逻辑推理的典范；同时，也考察了亨德尔歌剧和清唱剧中戏剧张力的营造手法。对小提琴奏鸣曲和乐队组曲的发展脉络亦有详尽论述。 第四部分：古典主义的清晰、平衡与结构的力量（约 1750 年 – 1820 年） 古典主义的转向，是对巴洛克繁复装饰的理性回应。本书阐释了“旋律与伴奏”（Melody and Accompaniment）这一新的织体范式如何取代复杂的复调。 重点剖析了奏鸣曲式（Sonata Form）作为古典主义建筑基石的内部运作机制——呈示部、展开部和再现部的冲突与和解。通过对海顿的弦乐四重奏、莫扎特协奏曲和贝多芬早期至中期交响曲的分析，揭示了如何在看似简单的结构下，实现深远的心理动态和形式上的完美比例。对室内乐在这一时期的重要性提升也进行了专题讨论。 第五部分：浪漫主义的个体表达与边界的拓展（约 1820 年 – 1900 年） 浪漫主义音乐的核心在于“自我”的凸显与对无限的追求。本书考察了主导动机、扩大和声语言（如半音化进行）以及管弦乐队编制的空前扩展。 详细分析了柏辽兹的“主导动机”在叙事音乐中的应用，以及李斯特的“交响诗”如何彻底打破传统器乐体裁的限制，使音乐直接承载文学或绘画内容。此外，对舒曼、肖邦的钢琴独奏曲中那种高度个人化的、内省的抒情方式，以及瓦格纳的“不 যাওয়া的旋律”（Unending Melody）如何挑战传统终止感的做法，进行了细致的比较研究。 第六部分：世纪之交的危机与前卫的探索（约 1900 年至今） 二十世纪是西方音乐史上结构与审美最剧烈动荡的时期。本书关注音乐如何回应工业化、两次世界大战和心理学革命。 探讨了印象主义（如德彪西）如何用音色和模糊的调性来描绘瞬间的感知；以及表现主义（如勋伯格）如何通过放弃传统调性，转而系统化地组织“十二音体系”（Serialism），以表达内心深处的焦虑与非理性。最后，本书简要触及了二战后音乐的“全面序列化”、电子音乐的兴起以及偶然性音乐（Aleatoric Music）的哲学基础，展现了当代音乐如何试图打破听觉经验的传统界限。 本书特色与学术价值 1. 结构导向而非简单罗列： 本书摒弃了罗列作曲家生平的传统模式，专注于音乐语言和结构形式的演变逻辑。例如，通过对比赋格、奏鸣曲式和自由变奏，展示音乐“组织”思想的继承与断裂。 2. 跨学科视野： 每一章节都引入了当时的哲学思潮、文学主题和视觉艺术风格，帮助读者理解音乐美学背后的时代精神。 3. 技法剖析深入： 对复调技巧、和声进行（尤其是从调性到无调性的过渡）、配器法等专业技术点的讲解，力求深入浅出，适合音乐专业本科生及研究生深入学习。 4. 丰富的图表与分析示例： 书中配有大量的乐谱截选分析图表，清晰标注关键技法点和结构节点，便于读者直接对照学习。 《西方音乐史论》是一本为严肃的音乐学习者、演奏者和研究者量身打造的工具书，它提供了一套完整的、批判性的框架，以理解西方音乐复杂而迷人的发展轨迹。 --- （此简介内容完全基于西方音乐史的通用框架和经典理论，未涉及任何关于中国音乐、特定曲式分析方法论或特定教材的内容。）

评分☆☆☆☆☆

我必须说，这本书的排版和图例设计也为阅读体验加分不少。在分析复杂的复调音乐结构时，清晰的图示和标记是至关重要的。这本书在这方面做得非常到位，无论是层次分明的和声图解，还是对主题呈示和发展的可视化标注，都极大地减轻了读者在脑海中构建复杂结构的负担。尤其对于那些需要精细比对不同声部或乐章之间对应关系的段落，图表的直观性简直是救星。我过去在自学中常常因为看不清乐谱上的细微差别而感到挫败，但有了这本书的引导，许多原本模糊的概念瞬间变得清晰锐利起来。它真正体现了“教学相长”的理念，用最有效的方式将复杂的音乐理论知识“翻译”成了可以被视觉捕捉和理解的信息，这对提高学习效率是巨大的推动力。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我信服的一点，是它在处理当代音乐或非传统曲式时的包容性和思辨性。它没有将分析的工具局限于传统的欧洲古典音乐范畴，而是以开放的视角，引导读者思考如何将曲式分析的方法论延伸到更广阔的音乐领域。虽然主流的分析集中在已知框架内，但书中对于打破既有框架的音乐作品的讨论，并没有止步于“不符合”的简单判断，而是深入探讨了这些作品是如何建构起自身内部逻辑的。这种鼓励批判性思维和建立新分析框架的导向，使得这本书的价值超越了应试工具的层面，成为了一部真正的艺术研究入门指南。它教会我的，是如何带着一套严谨的方法论，去面对任何尚未被完全定型的音乐表达，这才是真正具有生命力的学术训练。

评分☆☆☆☆☆

作为一名已经有一定音乐基础的学习者，我发现这本书在探讨“变异”与“规范”之间的张力时，展现出了极高的洞察力。音乐史上的伟大作品，往往是那些在既有规范中做出创新，或是在打破规范时又能保持内在统一性的作品。这本书在这方面的讨论尤其深刻。它没有把古典时期的曲式视为不可逾越的教条，而是将其视为一个发展的有机体。通过对比巴赫的赋格与莫扎特的奏鸣曲，读者可以清晰地看到不同时代对“平衡”和“对比”的不同理解。书中列举的许多例证都非常精妙，它们不仅仅是乐谱上的标记，更是作曲家面对音乐材料时所做的深思熟虑的选择。这种对创作意图的探究，使得曲式分析不再是冷冰冰的技术解剖，而更像是一场与作曲家跨越时空的对话，充满了智性的火花和艺术的魅力。

评分☆☆☆☆☆

初次接触这类专业书籍，我本以为会是一场枯燥的理论灌输，没想到这本书在保持学术深度的同时，还兼顾了读者的接受度。它的行文风格非常流畅，没有那种为了显得高深而故意堆砌晦涩术语的毛病。最让我感到惊喜的是，书中对旋律线条和和声进行曲式分析时的结合方式。很多分析教材往往将两者割裂开来，导致我们对“为什么”结构会如此组织感到困惑。然而，这本书巧妙地展示了和声的进行如何支撑起曲式的骨架，旋律的动机如何成为构建宏大结构的基本砖瓦。比如，书中对某一特定浪漫主义时期作品的分析，就清晰地揭示了作曲家如何通过巧妙的转调和模糊调性中心来延长展开部的情感张力，最终服务于再现部的回归主题。这种注重内在逻辑和情感表达与结构形式统一性的分析视角，极大地提升了我对音乐作品的审美体验，让我不再是‘看’结构，而是‘感受’结构。

评分☆☆☆☆☆

这本关于音乐作品的曲式分析教材，对于任何一个致力于深入理解音乐结构的人来说，都是一本不可多得的宝藏。我第一次翻开它的时候，就被它清晰的逻辑和严谨的分析方法所吸引。作者并非仅仅罗列各种曲式名词，而是将它们置于具体的音乐作品语境中进行剖析，这一点尤其令人赞赏。比如，在探讨奏鸣曲式时，它不仅仅停留在呈示部、展开部和再现部的传统框架内，而是深入挖掘了不同作曲家在处理主题材料和调性关系上的独到之处。书中对某些看似复杂的结构，比如回旋曲式在不同历史时期的演变，也做了非常细致的梳理，让人能够清晰地看到音乐语言是如何随着时代而呼吸和变化的。阅读过程中，我感觉自己仿佛有了一个经验丰富的导师，在耳边耐心讲解，引导我如何去“听懂”音乐的骨架。对于准备艺术专业考试的考生来说，这本书提供了坚实的理论基础和大量的实战案例支撑，远超出了普通参考书的范畴，更像是一部充满洞见的音乐学专著。