正版全新魏氏乐谱解析凌云阁六卷本全译谱漆明镜上海音乐学院出版社9787806926185 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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漆明镜 著

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出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787806926185

商品编码：29684803398

页数：350

图书基本信息
书名：	《魏氏乐谱》解析：凌云阁六卷本全译谱
丛书名：
作者/主编：	漆明镜
出版社：	上海音乐学院出版社
ISBN号：	9787806926185
出版年份：	2011年4月

版次：	第1版
总页数：	350页
开本：	16
图书定价：	45元
实际重量：	680g
新旧程度：	正版全新

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《<魏氏乐谱>解析:凌云阁六卷本全译谱》中明末海商魏之琰将明代的一些乐曲传到日本后，由其四世孙魏皓对外传授并编辑出版的诗词乐谱，在日本有“魏氏乐”或“明乐”之称。

作者简介

四川省攀枝花市人。少年时期随何福琼、李忠勇教授学习作曲，1997年考入四川音乐学院附中作曲，2000年就读川音音乐学。2006年考入上海音乐学院，在陈应时教授门下攻读并获得乐律学硕士学位，2009年继续跟随陈先生攻读乐律学博士学位。

引言 
章《魏氏乐谱》之历史源流及性质解析 
节《魏氏乐谱》研究中疑而未决的问题 
（一）魏之琰生平 
（二）《魏氏乐谱》之翻译 
（三）关于调的争论 
（四）音乐性质四说 
第二节《魏氏乐谱》与明代学校教育 
第二章《魏氏乐谱》翻译中的若干问题解析 
节《魏氏乐谱》的歌词 
（一）歌词内容 
（二）歌词版本 
（三）歌词标注 
第二节工尺谱字与节奏 
第三节乐器与器乐记谱法 
（一）管乐器 
1.笛、箫 
2.臂栗 
3.笙 
（二）弦乐器 
1.瑟 
2.琵琶 
3.月琴 
（三）打击乐器 
第四节其他记谱法 
第三章《魏氏乐谱》之宫调解析 
节理论上的明乐八调原貌 
第二节乐曲的实际用调 
第三节此“调”非彼“调” 
（一）相同的“瑟调”在不同“宫调”中的运用 
（二）相异的“瑟调”在相同“宫调”中的运用 
结语 
凌云阁六卷本全译谱 
附录一：魏之琰与朱舜水、隐元禅师的书信往来 
附录二：《君山先生传》 
附录三：明和五年版《魏氏乐谱》（50曲）跋文 
参考文献 
凌云阁六卷本曲目索引 
后记

《魏氏乐谱解析：凌云阁六卷本全译谱》是明末海商魏之琰将明代的一些乐曲传到日本后，由其四世孙魏皓对外传授并编辑出版的诗词乐谱，在日本有“魏氏乐”或“明乐”之称。漆明镜编写的本书解决了《魏氏乐谱》的音乐属性定位、所附日本和笙谱字的“比”与“工”之疑、曲前所标注调名与乐曲实际运用宫调不相符合之疑等问题。另还重新考证、更新了一些关于乐谱本身的细节信息，诸如其实际的乐曲数量、歌词所运用的音韵、外曲中准确的曲目来源等等。

音乐理论与实践的深度探索：当代音乐研究与演奏方法精选 本书汇集了一系列关于西方音乐史、和声学、对位法、曲式分析以及现代音乐实践的深度研究与教程。它旨在为音乐学院学生、专业音乐人以及对音乐理论有浓厚兴趣的爱好者提供一套系统而前沿的知识体系，强调理论与演奏实践的紧密结合。 第一部分：西方音乐史脉络的重构与深入 本部分聚焦于西方音乐自中世纪早期至20世纪的演变历程，力求超越传统的时间线叙事，从社会文化、哲学思潮和技术革新的角度，重新审视关键的历史转折点。 1. 中世纪晚期与文艺复兴的复调革命： 我们详细考察了奥尔加农到经文歌的发展，探讨了如佩罗坦、马肖等作曲家的多声部写作技巧。尤其关注了“新艺术”（Ars Nova）对节奏复杂性的突破，以及在宗教改革与反宗教改革背景下，教会音乐与世俗音乐（如香颂）之间的张力与融合。文艺复兴时期，我们深入分析了奥兰多·迪·拉索、帕莱斯特里那等人的风格，强调了对位法的“纯净感”与对文本清晰表达的追求，并探讨了早期印刷术对音乐传播的革命性影响。 2. 巴洛克时期：情感的理论与实践的交织： 巴洛克音乐被视为西方音乐史上情感表达的第一个高峰。本卷详细剖析了巴赫、亨德尔、维瓦尔第等大师的作品。重点放在“巴洛克音乐的激情理论”（Doctrine of Affections）上，解释了如何通过特定的节奏型、和声进行和音域划分来表达特定的情感状态。同时，对大协奏曲、赋格、清唱剧等主要体裁的结构原则进行了细致的解构，特别是巴赫《平均律钢琴曲集》中调性实验的深远意义。 3. 古典主义的平衡与古典的理想： 本部分转向海顿、莫扎特和贝多芬。我们不再简单地强调“清晰、平衡、对称”，而是深入探讨了奏鸣曲式（Sonata Form）在不同历史阶段的动态变化，分析了主题发展部（Development Section）如何成为体现“戏剧性冲突”的关键所在。此外，对钢琴奏鸣曲和弦乐四重奏的结构逻辑进行了透视，展示了作曲家如何在既定的形式框架内实现前所未有的个性表达。 4. 浪漫主义的极致表达与民族主义的兴起： 浪漫主义是个人情感的狂欢，本书关注肖邦、舒曼、李斯特以及瓦格纳等人的创作。我们探讨了“主观性”如何渗透到音乐的各个层面，包括和声的扩展（如增三和弦的滥用、半音阶的运用）、管弦乐配器的巨大革新，以及幻想曲、叙事曲等新兴体裁的兴起。民族乐派的兴起部分，则细致分析了德沃夏克、穆索尔斯基等作曲家如何从民间音乐和本土史诗中汲取灵感，重塑国家音乐身份。 第二部分：和声、对位与曲式分析的现代视角 本部分是音乐学院教学的核心内容，但本书采用了更加侧重“功能性”与“语境化”的分析方法。 1. 调性功能和声的深入解析： 传统的和声学教程往往只关注和弦的堆叠，而本书强调和弦在特定音乐语境中的“功能性”和“引力”。我们系统地研究了从I级到V级，再到II级和IV级的连接逻辑，重点分析了“倾向和弦”（如减七和弦、增六和弦）的解决路径，并探讨了如何利用这些和弦来制造紧张感和戏剧效果。对于十九世纪晚期（如布鲁克纳、马勒）的和声色彩化倾向，给予了特别的关注，解释了它们如何为无调性音乐铺平道路。 2. 对位法的精细雕琢——巴赫之后： 在深入讲解严格对位法（如严格的二部、三部对位）的基础上，本书将大量篇幅投入到“自由对位”和“织体分析”中。我们对比了文艺复兴时期与巴洛克时期对位法的核心区别——前者注重声部间的平等对话，后者则倾向于突出旋律的主导地位。此外，还收录了对20世纪复调作品（如肖斯塔科维奇的赋格）的分析案例，展示了传统对位技巧在现代语境下的适应与演变。 3. 曲式分析：从结构到意图： 曲式被视为作曲家的“建筑蓝图”。我们不仅教授如何识别曲式（如呈示部、发展部、再现部），更侧重于分析作曲家如何“打破”或“重塑”这些形式以达成其特定的艺术意图。例如，分析贝多芬晚期奏鸣曲中对再现部进行大规模修改的做法，揭示了形式服务于情感表达的内在逻辑。 第三部分：二十世纪至今的音乐语汇与演奏挑战 本部分面向未来，涵盖了音乐语言的重大断裂与探索。 1. 现代音乐的诞生与解构： 系统梳理了从德彪西的印象主义色彩化和声、斯特拉文斯基的原始主义节奏到勋伯格的无调性体系。重点解析了十二音技法（Dodecaphony）的原理，强调其作为一种组织材料的系统，而非单纯的“无序”。我们通过分析第二维也纳乐派的文献，解释了如何将看似随机的音高序列转化为具有内在逻辑的音乐结构。 2. 音色与节奏的解放： 现代作曲家极大地拓宽了音乐的材料范畴。本卷详细考察了“音色作曲法”（Klangfarbenmelodie）的概念，分析了瓦雷泽、梅西安等人在音色、节奏和空间感方面的实验。我们探讨了节奏的复杂化，包括复节奏（Polyrhythm）、复速度（Polytempo）以及非周期性节奏的应用，并讨论了对演奏家提出的技术挑战。 3. 演奏实践中的新课题： 本章将理论与演奏实际接轨。它探讨了如何以符合历史语境的方式演奏巴洛克时期的作品（例如对装饰音的理解与执行），以及如何处理浪漫主义作品中对“Rubato”的个性化处理。对于20世纪的现代作品，本书提供了关于如何理解和精确执行复杂记谱法（如微音程、非传统演奏法）的指导性建议，鼓励演奏家在尊重原作精神的前提下，做出审慎的艺术判断。 总结： 本书不追求对某一特定流派或某一位大师的详尽介绍，而是致力于构建一个互相关联、动态演进的音乐知识网络。它要求读者不仅要“知道”音乐理论的规则，更要理解这些规则是如何在历史的洪流中产生、被挑战、并最终被新的规则所取代的。通过严谨的分析与广阔的视野，本书旨在提升读者的音乐感知力和批判性思维能力。

评分☆☆☆☆☆

说实话，最初我对这套书的期望值是“不错”，但实际体验下来，已经远远超出了“不错”的范畴，简直是“惊艳”。从书籍的物理设计上来看，纸张的质感和油墨的均匀度都体现了出版社对品质的坚持。但更核心的价值，还是内容本身的深度。我发现它在处理传统乐曲中那些惯用的、但往往被忽略的“套路”时，展现出了一种近乎哲学的思辨。例如，对于一个重复出现的变奏，它会从“形式美学”的角度去解释为什么作曲家选择在这里进行细微的改动，而不是简单地归结为“为了避免单调”。这种对音乐结构深层含义的挖掘，极大地提升了我对整部作品的宏观把握能力。读完其中一卷，我感觉自己的音乐“词汇量”都增加了不少，看新的乐谱时，那些曾经模糊的概念都变得清晰起来，真是一次知识体系的全面升级。

评分☆☆☆☆☆

我接触过许多不同领域的专业书籍，深知要将复杂的高深学问用清晰易懂的文字表达出来是何等困难。但这一套解析，做到了高雅与通俗的完美平衡。它面向专业人士时，保证了足够的学术深度和严谨性，不会因为追求流畅性而牺牲关键信息；同时，对于那些刚刚接触这些作品的音乐学生而言，它的引导性又非常强，避免了初学者常犯的“知其然不知其所以然”的错误。我印象最深的是，它对节奏处理的阐述，它没有停留在“节拍器速度”的层面，而是深入到了“律动感”和“内在时间感”的区分，这种细致入微的观察，只有常年沉浸在演奏实践中的人才能总结出来。这套书的价值，不仅体现在它教会了我多少演奏技巧，更体现在它重塑了我对音乐的理解框架，它让我开始用一种更立体、更具历史感和文化纵深的方式去倾听和再现这些不朽的旋律。

评分☆☆☆☆☆

这套乐谱解析，拿到手的时候就被它厚重的分量和精美的装帧所吸引。作为一名钻研传统音乐多年的爱好者，我一直在寻找能够深入挖掘古典作品精髓的工具书，而这套书无疑是近年来我遇到的最令人振奋的宝藏。它的排版清晰考究，每一个音符、每一个标记都仿佛经过了匠人的精心雕琢，让人在学习之余也能享受到视觉上的愉悦。尤其值得称赞的是，它对复杂技巧的分解和阐释，绝非简单的表面化描述，而是融入了演奏者的切身经验和深刻理解，真正做到了将“乐理知识”转化为“演奏实践”的桥梁。我特别喜欢它对一些关键段落的“意境描绘”，那种文字力量直击人心的感觉，让我在理解作品情感脉络时，不再是孤立地看待音符的组合，而是能感受到作曲家想要传达的那些微妙的情绪波动。对于那些被认为是“难以上手”的篇章，这套书提供了不同层次的解读路径，即便是初学者也能找到切入点，而资深演奏者也能从中汲取新的灵感，可以说是老少咸宜，雅俗共赏的典范之作。

评分☆☆☆☆☆

简直是为像我这样常年与“二手资料”打交道的乐者带来了一股清流。市面上很多所谓的“权威解读”，要么是照搬教材术语，枯燥乏味，要么就是东拼西凑，逻辑混乱。但这套书完全没有这些毛病，它的严谨性体现在每一个细节的打磨上。例如，书中对某个特定调式在不同历史时期的微妙音色差异的探讨，简直是教科书级别的深度挖掘。我记得有一段落，详细对比了早期手抄本与后来印刷本在某个装饰音处理上的细微差别，这种对文献溯源的执着，让我对创作者的学术态度肃然起敬。读它就像是有一位经验丰富、学识渊博的老师在你身边耳提面命，随时解答你心中的疑惑。它不仅仅是“教你如何弹奏”，更是在“教你如何思考音乐的结构和背景”，这种由内而外的提升，才是真正有价值的学习体验。我已经把旧的一些参考资料束之高阁，全心投入到对这套全新解析的研习中去了。

评分☆☆☆☆☆

如果用一个词来形容这套书给我的感觉，那就是“通透”。很多时候我们学习乐器，总是在一个技术瓶颈上徘徊，明知某些地方弹得不对劲，却说不出具体是哪里出了问题。这套书的厉害之处在于，它能用极其精准的语言帮你“定位”问题所在。它不仅仅是给出技术指引，更重要的是，它揭示了技术背后的“逻辑链条”。比如，关于指法与气息配合的论述，它没有简单地给出“A指要用力”这样的指令，而是深入分析了这种指法如何影响到下一乐句的连贯性和情感张力，让你从根本上理解“为什么”要这么做。我尤其欣赏它对“呼吸点”的强调，这对于我们这些习惯于僵硬阅读五线谱的演奏者来说，无异于醍醐灌顶。它将乐谱从二维的平面符号，瞬间还原成了三维的、充满生命力的音乐流体，让我的演奏立刻焕发出了新的活力，那种豁然开朗的感觉，真是难以言喻。