古琴曲分析王震亚音乐学院出版社9787810961219 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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王震亚 著

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• 民族音乐
• 王震亚
• 音乐学院出版社
• 乐器演奏
• 音乐理论
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出版社： 中央音乐学院出版社

ISBN：9787810961219

商品编码：29684805047

页数：158

图书基本信息
书名：	古琴曲分析
丛书名：
作者/主编：	王震亚
出版社：	音乐学院出版社
ISBN号：	9787810961219
出版年份：	2005年11月

版次：	第1版
总页数：	158页
开本：	16
图书定价：	22元
实际重量：	222kg
新旧程度：	正版全新

序
小型琴曲分析
一、良宵引（夏一峰传谱）
二、韦编三绝（乐瑛传谱）
三、春晓吟（管平湖传谱）
四、四大景（管平湖传谱）
中型琴曲分析
一、忆故人（吴景略传谱）
二、平沙落雁（管平湖、张子谦、郭同甫、沈草农、向笙阶、俞伯荪传谱）
三、流水（管平湖、顾梅羹、詹澄秋传谱）
四、渔樵问答（吴景略传谱）
五、梅花三弄（张子谦、吴景略传谱）
大型琴曲分析
一、欸乃（管平湖传谱）
二、潇湘水云（吴景略传谱）
三、广陵散（管平湖传谱）
后序
一、不对称的意念
二、琴曲的调与试调式
三、琴曲的曲调
四、琴曲的多声因素
五、临界与瓶颈
结语
参考书目

琴家对琴曲大小的界限原无明确划分。现将12首琴曲分为大中小三类，便于依次研究。由三个分段组成的琴曲小，数量较多，省其每一个组成部分只含一个分段，琴曲的种种构成要素都在萌芽状态，是结构简单的小曲。由六个分段组成的琴曲，琴曲体制已较完备，乐曲规模大了一些。其组成部分组成的琴曲，琴曲体制已较完备，乐曲规模大了一些。其组成部分中已包含多个分段，各部分的功能更清晰，整体结构较复杂，全曲中常包含不同的意念。具有此种特点的琴曲数目较多。由18个分段组成的琴曲，开始进入大型曲的范畴。组成乐曲的各个部分中的乐思有较多开展，包含的分段较多。

探寻音乐的殿堂：几部不涉足古琴曲分析的音乐著作赏析 本篇旨在为您呈现几部在音乐领域享有盛誉，但其核心内容与《古琴曲分析》（王震亚 音乐学院出版社 9787810961219）完全无关的经典与新锐著作。这些书籍横跨不同的音乐体裁、历史时期与理论深度，共同构筑了一个广阔而深邃的音乐世界，等待着爱好者的探索。 --- 一、 巴赫的艺术与精神：《赋格的艺术：巴赫晚期创作的结构与神学意蕴》 作者： 约瑟夫·贝斯勒 出版社及年代： 某知名大学出版社，初版于二十世纪末 内容梗概： 本书是音乐学领域内对约翰·塞巴斯蒂安·巴赫的巅峰之作——《赋格的艺术》（Die Kunst der Fuge, BWV 1080）——进行深入、系统解读的里程碑式著作。它完全避开了中国传统器乐，特别是古琴音乐的分析范畴，将焦点集中于西方古典音乐的精髓。 贝斯勒摒弃了传统仅关注对位技巧的机械罗列，而是以一种近乎哲学的视角，剖析了这部未完成手稿的内在逻辑。全书围绕着一个核心主题：巴赫如何通过对“单一主题”的无穷变奏与组合，展现出宇宙秩序与神学思辨的统一。 结构深度分析： 1. 主题的纯粹性与变形（Contrapunctus I-IV）： 详细阐述了核心主题（Subject）的初始形态及其在简单对位中的发展，侧重于声部交织的精确性与声部线条的独立性。 2. 镜像与逆行（Inversion and Retrograde）： 书中花费大量篇幅，图解了巴赫如何运用严格的数学关系（如音高反转、时间逆行）来构建复杂的结构，展示了其超越时代的理性思维。 3. 双重与三重赋格的综合（Double and Triple Fugues）： 深入分析了如何将两个或三个独立主题巧妙地融合于同一框架内，特别聚焦于第十二和第十四号赋格的结构断裂与重构。 4. 神学隐喻： 贝斯勒认为，《赋格的艺术》是巴赫对生命、死亡与永恒的终极陈述。他结合巴赫的宗教信仰，探讨了特定调性选择和进行曲式（Chorale Preludes）风格的运用，如何服务于宗教叙事。 本书的价值在于其严谨的音乐分析方法与深厚的文化背景阐释，为研究西方复调音乐提供了不可或缺的理论基石。 --- 二、 爵士乐的即兴革命：《蓝色调的语法：从路易斯·阿姆斯特朗到迈尔斯·戴维斯》 作者： 马克斯·科恩 出版社及年代： 某专业音乐出版社，当代出版 内容梗概： 这部著作彻底转向了二十世纪美国最独特的艺术形式——爵士乐。它不探讨任何民族音乐或古典音乐的曲目结构，而是聚焦于爵士乐的核心精神：即兴演奏（Improvisation）的演变及其对和声语汇的革命性影响。 科恩将爵士乐的发展视为一部不断挑战既有音乐规则的进化史。他通过细致的乐谱转录和和声图表，解构了从早期布鲁斯到冷爵士（Cool Jazz）、硬波普（Hard Bop）的演变路径。 关键章节聚焦： 1. 早期布鲁斯的和声框架： 重点分析了十二小节布鲁斯（12-Bar Blues）如何在不同时代被“入侵”——如何从简单的I-IV-V和弦进行，发展出复杂的替代和弦和延伸音（Tensions）。 2. 比波普（Bebop）的节奏与旋律断裂： 详细分析了查理·帕克和迪兹·吉莱斯皮如何利用高密度音符、复杂的切分和不协和音程，将伴奏（Comping）从简单的节奏支持提升为对话的一部分。 3. 调式爵士（Modal Jazz）的解放： 深入剖析了迈尔斯·戴维斯的《Kind of Blue》对传统功能和声的颠覆，展示了如何通过固定在一个或两个调式音阶上进行长时间的即兴，从而创造出更具冥想性的听觉体验。 4. 节奏组的互动（Rhythm Section Interaction）： 探讨了鼓手（如费利·金等）如何从单纯的计时者，转变为旋律和和声的积极参与者，尤其是踢鼓（Ride Cymbal）在塑造音乐流动性中的关键作用。 本书为学习者提供了一套理解现代和声与节奏创新的实用工具，是研究二十世纪西方流行音乐结构不可或缺的参考书。 --- 三、 声音的物理学与心理学：《音乐的感知：听觉经验的认知科学研究》 作者： 艾伦·里德 出版社及年代： 科学出版社，最新修订版 内容梗概： 这部作品完全脱离了音乐的历史、曲目或演奏实践，而是深入到音乐体验的底层——人脑如何处理和理解声音。它是一本横跨声学、心理学和神经科学的前沿教材，旨在用实验数据解释为何某些声音组合被我们认定为“和谐”，而另一些则被归类为“噪音”。 核心科学议题： 1. 听觉系统的生理基础： 介绍了耳蜗的频率分析能力，以及大脑皮层对声音时间信息和频率信息的初步编码过程。 2. 音高与音色的感知机制： 解释了泛音列（Harmonic Series）如何决定了我们对音高的基本判断，并探讨了“基频缺失”（Missing Fundamental）现象的心理学依据。 3. 节奏与时间感知的神经关联： 研究了大脑如何同步于音乐的节拍，涉及运动皮层与听觉皮层之间的反馈回路，解释了为什么音乐能引发身体的运动冲动。 4. 情感反应的生化基础： 分析了特定音乐模式（如缓慢的降级和弦进行）如何触发多巴胺等神经递质的释放，从而导致愉悦感或悲伤感。 里德的书籍提供了量化的视角，探讨了所有音乐形式（无论古今中外）共同作用于人类听觉系统的普适性原理，完全没有涉及具体的曲目分析，而是专注于“如何听”的科学原理。 --- 四、 现当代西方作曲技法：《序列与无限：德彪西之后西方音乐的结构方法》 作者： 索菲亚·格雷 出版社及年代： 艺术评论出版社，2010年 内容梗概： 格雷的专著聚焦于1900年以来西方作曲家为打破传统调性体系所进行的探索。本书的分析对象是二十世纪的十二音体系、序列主义、偶然音乐以及极简主义的结构逻辑，与中国传统音乐的创作思维截然不同。 理论分析的脉络： 1. 无调性（Atonality）的建立： 追溯了勋伯格如何从自由无调性过渡到严格的十二音列（Twelve-Tone Technique），并分析了其“组合矩阵”的构建方法。 2. 序列主义的扩展（Total Serialism）： 重点研究了韦伯恩、布列兹等作曲家如何将音高、时值、力度和音色都纳入预设的序列控制中，分析了其作品中高度的抽象性和非线性结构。 3. 机遇与不确定性（Chance Operations）： 探讨了约翰·凯奇等如何引入随机性作为创作工具，分析了作品中“空性”和“噪音”的地位，以及观众在不确定性作品中的角色转变。 4. 极简主义的回归（Minimalism）： 分析了莱希、赖利等人如何通过极简的材料（重复的动机、缓慢的相位移动）来创造出宏大的时间感和冥想式的听觉体验。 本书为读者提供了理解现代音乐复杂性与结构创新的钥匙，其分析工具和理论框架，是基于西方十二平均律和现代对位法发展历程的产物。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计着实令人眼前一亮，封面那淡雅的墨绿色，配上烫金的书名，透露出一种古典而又沉稳的气息。纸张的选择也很考究，触感细腻光滑，印刷的字迹清晰锐利，即便是长时间阅读，眼睛也不会感到疲劳。装订工艺严丝合缝，体现了出版社对出版质量的重视。作为一名对传统文化有着深厚情感的读者，我深知书籍的“形”往往是解读其“神”的第一步。这本书的整体质感，完美地烘托了其内容所承载的文化重量。它不仅仅是一本学术著作，更像是一件值得珍藏的艺术品。翻开扉页，那排版布局的疏朗有致，也让人在进入复杂理论之前，先享受了一份视觉上的宁静。这种对细节的打磨，无疑提升了阅读体验，让人在拿起它的瞬间，就对接下来的学习充满了期待和敬意。我非常欣赏这种对物理载体如此用心的出版方，因为对于艺术类书籍，尤其是音乐理论，实体书的质感往往是数字化阅读无法替代的。

评分☆☆☆☆☆

我过去阅读过不少关于传统器乐的分析著作，但很多往往过于侧重于记谱法或五线谱的转写，而忽略了演奏者在实际操作中所面临的独特挑战和选择。这本书的独特之处在于，它似乎始终将读者的身份设定为一位潜在的演奏者或一位专注的聆听者。它深入探讨了指法、力度控制以及气息（如果适用）与音色之间的微妙关联。当我们分析到那些复杂的指序变化时，书中提供的图示和文字说明，非常直观地展示了不同指法对声音产生的细微差别，这对于提高演奏的细腻度有着立竿见影的效果。这种基于实践的理论分析，使理论不再是空中楼阁，而是落地生根的指导。它教会我的，不仅仅是“是什么”，更是“如何去实现它”，这种对“做中学”的深刻理解，是衡量一本实用性学术著作价值的关键标尺。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格极其凝练而富有张力，这对于一本专业的音乐理论著作而言，是极其难得的平衡。它没有陷入晦涩难懂的术语堆砌，也没有因为追求通俗而牺牲学术的准确性。作者的文字功底深厚，仿佛是高超的演奏家在娓娓道来，每一个句子都像是精心推敲过的音符排列，既准确传达了信息，又富有节奏感。读到那些关于“意境”和“气韵”的论述时，我甚至能想象出作者在提笔时，内心所感受到的那种对音乐的澎湃激情。比如，在解析某个乐句的转折时，作者所使用的比喻，往往能瞬间点亮读者原先模糊的理解。这种由内而外散发出的热情，是任何刻意为之的“科普”都无法比拟的。它成功地搭建了一座桥梁，让原本可能高高在上的学术探讨，变得触手可及，充满了人文的温度。

评分☆☆☆☆☆

从整体的学术贡献来看，这本书的价值在于它提供了一种新的范式，用以系统地解构和传承中国传统音乐的精髓。它似乎是历经多年一线教学和舞台实践的经验结晶，它所构建的分析框架，具备了极强的可复制性和延展性。我能预见到，对于后来的研究者和教育工作者而言，这本书提供了一个坚实的基础平台，在此之上可以进一步探索更多流派和个案的复杂性。它不仅仅是对现有知识的梳理和总结，更是一种富有前瞻性的理论构建。这种深层次的学术投入，体现了作者极大的责任心，旨在为这门古老的艺术在新时代的学术语境中，奠定一个坚实、全面且富有生命力的理论基石。读罢全书，我感受到的是一种知识的充盈，以及对未来研究方向豁然开朗的激动。

评分☆☆☆☆☆

初读目录，我便被其章节的逻辑推进所折服。作者显然是站在一个非常宏大且精深的视角来构建这本研究的框架的。从基础的音高结构分析，到复杂的复调织体拆解，再到特定历史时期演奏技法的演变，脉络清晰，层层递进，完全符合一个学习者从入门到精深的认知规律。更难得的是，它并非简单地罗列技巧或谱例，而是将理论分析与实际的听觉体验巧妙地融合在一起。例如，在讨论某个特定曲牌的“韵味”时，作者引用的分析工具既有现代音乐学的严谨性，又不失对东方审美情趣的深刻理解。这种跨越时空的对话感，让阅读过程变得极为生动。我尤其喜欢它在处理那些极具地方特色的演奏风格时，所展现出的那种尊重和审慎的态度，没有武断地去“现代化”或“简化”传统，而是忠实地呈现了其复杂性和多面性。对于渴望深入了解这门古老乐器精髓的同道中人来说，这样的深度和广度是极其宝贵的。