音乐理论简单学(1)/我爱乐理 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 火把图书专营店

出版社： 广西师大

ISBN：9787559801555

商品编码：29675922528

开本：8

出版时间：2018-03-01

基本信息

• 商品名称：音乐理论简单学(1)/我爱乐理
• 作者：编者:(马来)琳娜昂|译者:陈娴
• 定价：40
• 出版社：广西师大
• ISBN号：9787559801555

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2018-03-01
• 印刷时间：2018-03-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：8开
• 包装：平装
• 页数：48
• 字数：50千字

内容提要

“我爱乐理”这套系列乐理书编者为来自马来西 亚的琳娜昂，作者有多年音乐教育实践经验。
     《音乐理论简单学(1)》是特别为4岁儿童所设计 的版本，书中有许许多多的练习与游戏。可以引导儿 童从这些书中找到学习音乐的*大兴趣。并且还可以 与“英皇乐理考级”同步使用！

目录

音符时值(Time Values)
拍号(Time Signatures)
复习l(Revision 1)
五线谱上的音符(Notes on the Stave)
十六分音符(Semiquaver)
复习2(Revision 2)
休止符(Rests)
延音线(Ties)
附点音符(Dotted Notes)
复习3(Revision 3)
临时记号(Accidentals#b □)
半音程和全音程(Semitones and Tones)
调号(Key Signatures)
复习4(Revision 4)
音阶(Scales)
音程(Intervals)
主三和弦(Tonic Triads)
复习5(Revision 5)
编写节奏(Rhythm Writing)
演奏指示(Performance Directions)
综合练习(General Exercises)
找出意大利术语游戏(Know your Italian Terms Game)
纵横填字游戏(Crossword Puzzle Game)

《经典曲目赏析与演奏技巧精讲》 内容提要 本书旨在为音乐爱好者和进阶学习者提供一套系统、深入的经典音乐作品赏析指南和演奏技巧指导。全书内容涵盖了从巴洛克时期到近现代的西方音乐史脉络中最重要的作曲家及其代表作，重点剖析了这些作品的结构、和声语言、配器特点以及历史背景。同时，本书针对不同乐器演奏者（钢琴、弦乐、管乐）提供了详实、可操作的演奏技术提升方案，结合具体的名曲片段进行案例分析与讲解，帮助读者跨越从理论认知到实践演绎的鸿沟。 第一部分：历史的回响——西方音乐大师与经典作品深度解析 本部分聚焦于音乐史上的关键转折点和里程碑式的作品，通过对作曲家生平、创作动机与时代背景的梳理，深入挖掘作品背后的深层含义和艺术价值。 第一章：巴洛克时期的辉煌与严谨（约1600-1750年） 1. 巴赫的“建筑学”： 重点剖析《平均律钢琴曲集》中的赋格结构解析，探讨复调音乐的逻辑性与情感表达的统一。分析《马太受难曲》中对位法的运用如何服务于宗教叙事。对于键盘演奏者，提供对位练习的实际指导，强调声部独立性。 2. 亨德尔的戏剧性： 探讨《弥赛亚》中合唱段落的宏大叙事手法，分析其对清唱剧体裁的贡献。简述协奏曲中快慢乐章的对比安排。 3. 维瓦尔第的色彩： 以《四季》为例，解析标题音乐的早期实践，着重分析弦乐的创新性使用和对自然景象的摹写技巧。 第二章：古典主义的平衡与清晰（约1750-1820年） 1. 海顿与奏鸣曲式的奠基： 详细解析奏鸣曲式（呈示部、发展部、再现部）的结构模型，以海顿的伦敦交响曲为例，说明主题的陈述、对比与统一。 2. 莫扎特的歌唱性与完美： 深入分析钢琴协奏曲中乐队与独奏乐器之间的对话模式。探讨歌剧咏叹调（如《费加罗的婚礼》）中旋律线条的流畅性和情感层次的递进。强调古典时期对清晰度和比例的追求。 3. 贝多芬的革命： 分析其作品中“英雄性”的体现，特别是《第五交响曲》的动机发展法。讲解“慢板引子”和“引子的发展”在晚期奏鸣曲中的创新应用，以及对奏鸣曲式结构的拓展与突破。 第三章：浪漫主义的激情与幻想（约1820-1900年） 1. 舒伯特的抒情性： 侧重于艺术歌曲（Lied）的分析，讲解钢琴伴奏如何成为叙事和烘托情绪的第二声部，而非简单的和声支撑。 2. 肖邦的诗意： 聚焦于夜曲、叙事曲和玛祖卡。深入分析其对钢琴音色和踏板的精妙运用，探讨装饰音和自由节奏（如鲁巴托）的恰当处理，以避免矫揉造作。 3. 德彪西与印象主义的色彩实验： 介绍五声音阶、全音阶、增音阶在和声构建中的作用。分析其作品中如何利用音色和模糊的轮廓来营造“瞬间的印象”，而非明确的叙事结构。 4. 瓦格纳与主导动机： 介绍“主导动机”的原理，及其在歌剧连复曲中对人物和概念的标记作用，强调其对后世电影配乐的深远影响。 第二部分：技艺的磨砺——演奏实践与问题解决 本部分不再局限于作品的“是什么”，而是深入探讨“如何做”，为演奏者提供从指法、呼吸到音乐诠释的具体技术路径。 第四章：钢琴演奏的触键与力度控制 1. 重量转移与触键深度： 详细讲解手指、手掌、手臂重量在不同力度（ppp 到 fff）下的有效传递方式。通过克莱门蒂练习曲和德彪西的《亚麻色头发的少女》片段，对比两种不同时代对“触键”的要求。 2. 音色塑造： 如何在同一键盘上发出“木管的温暖”或“小提琴的歌唱性”。分析李斯特作品中需要极度丰富的音色层次变化，并提供具体的练习方法来分离和控制不同的声部。 3. 踏板的“呼吸”： 超越简单的延音踏板使用。探讨“半踏”和“切分踏板”在古典和声进行中的作用，以及如何利用踏板创造出空气感和空间感，尤其是在处理和弦的连续性时。 第五章：弦乐演奏的弓法与揉弦技术 1. 弓的“声音源头”： 细致区分弓根、弓中、弓尖在发音质量和力度上的差异。讲解如何通过弓速、弓压和触弦点的精确控制，来获得连贯、饱满的长音（Legato）。 2. 揉弦的细微差别： 揉弦不仅仅是“抖动”。区分手腕式、手臂式和指根式的揉弦，并根据不同乐器（小提琴、大提琴）和不同音乐时期（巴洛克乐句的长揉与浪漫乐句的快揉）来选择最合适的表现方式。 3. 换把与指位转换的平滑性： 针对勃拉姆斯的奏鸣曲等需要大跨度音域的曲目，提供科学的指位预判和换把练习，确保音准和乐句的流畅不中断。 第六章：管乐演奏的呼吸与乐句构建 1. 呼吸系统的精细管理： 探讨腹式呼吸在长乐句（如布鲁克纳的乐章）中的应用，以及如何利用“快速吸气点”来维持乐句的完整性。 2. 音色的统一性： 针对长笛、单簧管等乐器，讲解如何通过口型和气流的微调，使高音区、中音区和低音区的音色保持一致和连贯，避免出现“断层”。 3. 乐句的“起承转合”： 结合莫扎特协奏曲的慢乐章，指导演奏者如何像歌唱家一样思考，利用呼吸的轻重和强弱变化，构建出具有清晰起伏和情感张力的音乐句子。 第七章：排练与诠释的哲学 1. 速度与结构的关系： 如何确定一个作品的“历史速度”与个人诠释之间的平衡点。分析不同指挥家对同一作品速度处理的差异，并引导学习者形成自己的判断标准。 2. 装饰音的“还原”： 探讨巴洛克和古典时期装饰音（如颤音、回音）的标准演奏法，以及如何避免在演奏浪漫主义作品时将其“浪漫化”过度。 3. 从独奏到合奏： 简述在乐队或室内乐中，如何根据其他声部的强弱和音色调整自己的演奏，实现真正的“对话”，而非单向的自我表达。 结语： 本书力求成为一座桥梁，连接严谨的音乐理论知识与生动的演奏实践。通过对经典作品的细致解构和对演奏技巧的深入探讨，希望每位读者都能在音乐的殿堂中，找到属于自己的声音和理解之道。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，我过去尝试过好几本入门级的乐理书籍，但都半途而废了。它们要么过于学术化，充斥着我看不懂的专业术语，要么就是过于简化，导致概念模糊不清，无法形成系统的知识体系。这本书却找到了一种近乎完美的平衡点。它做到了“深入浅出”，在保证理论严谨性的同时，极大地降低了入门的门槛。对于初学者来说，最重要的是建立一个正确的认知框架，这本书在这一点上做得无懈可击。它不是简单地罗列规则，而是循序渐进地引导你理解“为什么”会是这样，而不是“必须”是这样。这种对原理的深挖，让我在学习其他音乐技能时，都有了一种“原来如此”的豁然开朗的感觉。它不是知识的堆砌，而是思维方式的培养。对于那些渴望真正掌握音乐语言的严肃学习者，这本书绝对是打地基的基石。

评分☆☆☆☆☆

这本书的配套资源（如果它有的话，我假设它在某个地方提供了某种延伸学习渠道）的体验感，简直是超出了我的预期。作为一个习惯了多媒体学习的现代读者，光靠书本总觉得差点意思。这本书的结构设计，似乎就是为了配合线上资源而生的——每一章节末尾的思考题，都像是一个小小的钩子，让你忍不住想去查阅更深入的讲解或试听示例。我特别欣赏它将“听觉训练”和“视觉阅读”完美结合的理念。例如，在讨论到某个特定的音程或和弦色彩时，我能立刻在脑海中构建出声音的画面，这极大地增强了学习效果。这种跨媒体的学习体验，让乐理不再是孤立的符号，而是与真实听觉体验紧密相连的活的知识。如果有人问我，学乐理最好的辅助工具是什么，我一定会推荐这本书的设计思路。

评分☆☆☆☆☆

坦率地说，这本书给我最大的价值在于它带来的“自信心”。在学习音乐的道路上，很多时候我们会被自己设限，觉得“我没有天赋”、“这太难了”。这本书的作者似乎深谙这种心理障碍，因此他/她的笔触总是充满鼓励和理解。它不苛求你马上成为巴赫，而是鼓励你享受每一次小小的进步。书中提供的练习和案例，都非常贴合日常的音乐欣赏和创作需求，让人觉得乐理是服务于音乐的，而不是反过来束缚音乐的。这是一种非常健康的学习心态。我发现自己不再害怕接触复杂的乐谱或理论分析，因为我知道，所有的复杂背后都有一个可以被简单理解的核心。这种由内而外的信心提升，比单纯记住多少个音符重要得多。这本书不仅仅是乐理书，它更像是一本“音乐心态调整指南”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和设计简直是视觉上的享受。要知道，很多乐理书的内容本身就够“硬核”了，如果再配上密密麻麻的文字和枯燥的五线谱，读起来简直是一种折磨。但这本《音乐理论简单学(1)/我爱乐理》在这一点上做得非常出色。它的版面留白恰到好处，图表和文字的穿插布局非常合理，色彩搭配也清新自然，让人在长时间阅读后眼睛也不会感到疲劳。更让我惊喜的是，它巧妙地融入了一些手绘插图，这些插图不仅仅是装饰，更是对抽象概念的绝佳补充。比如解释调式变化时，那个生动的小图示，比纯文字描述有效率高出好几倍。这种对细节的关注，体现了出版方对读者的尊重，也从侧面反映了作者对内容呈现的用心。我非常享受翻阅它的过程，每次拿起它都像是在翻阅一本精美的画册，而不是一本教科书。

评分☆☆☆☆☆

哇，这本书真是让我耳目一新！我一直觉得乐理知识听起来就挺枯燥的，但这本书的叙述方式完全颠覆了我的刻板印象。作者的文笔非常活泼生动，把那些复杂的乐理概念讲得就像讲故事一样引人入胜。特别是对和声进行的解释，以前总觉得云里雾里，但在这里，通过一些形象的比喻，一下子就清晰明了了。我感觉自己不是在“学习”，而是在“探索”音乐的奥秘。这本书没有那种高高在上的说教感，更像是一个经验丰富的音乐家在耐心地手把手教你。即使是像我这种零基础的“小白”，也能很快跟上节奏，并且乐在其中。书中对于节奏和音高的处理也非常细腻，让人在阅读的过程中就能不自觉地跟着哼唱起来，对建立音乐直觉帮助太大了。这种寓教于乐的风格，实在太棒了，强烈推荐给所有想了解音乐但又怕被枯燥理论劝退的朋友们！