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邹跃进，诸迪 著

图书标签:

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出版社： 高等教育出版社

ISBN：9787040332001

商品编码：15702693949

包装：平装

基本信息

书名：美术概论(第2版)

：43.00元

作者：邹跃进,诸迪

出版社：高等教育出版社

出版日期：

ISBN：9787040332001

字数：

页码：640

版次：2

装帧：平装

开本：32开

商品重量：0.4kg

编辑推荐

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内容提要

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《美术概论（第2版）》为美术类专业主干课教材。《美术概论（第2版）》分为上、下两编，上编为美术的基本原理，阐释了美术的本质论、创作论和接受论，力图对人类广泛的美术创作实践作出科学的概括和总结；下编为美术的历史发展，包括美术的发生论、发展论和门类论，从历史发展的角度探寻美术的客观规律，解释美术不断发展的创作实践和不断出现的新现象。《美术概论（第2版）》是第二版，在章节体例上，突破了传统模式，而是以全新的视角对各种艺术形式、艺术流派、艺术现象等进行阐释。《美术概论（第2版）》既适合高师本、专科美术等艺术教育专业师生使用，也可作为艺术理论研究者和爱好者的参考书。

目录

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导论——艾中信
上编 美术的基本原理
章 本质论
节 历史上关于美术的各种解释
一、从创作主体解释美术
二、从主客体关系解释美术
三、从美术本体——形式解释美术
四、马克思主义的解释
第二节 美术的社会本质
一、美术在社会中的位置
二、美术与社会生活
三、美术与社会生产
第三节 美术的认识本质
一、美术以特有的方式“掌握”世界
二、美术的视觉形象性
三、美术反映世界的真实性
第四节 美术的审美本质
一、美术与美
二、美术的审美本质
三、美术的审美特征
第二章 创作论
节 创作主体——美术家
一、美术家与社会
二、美术家的主体性
三、美术家的修养
第二节 创作活动
一、美术的创作过程
二、美术创作的心理活动
三、美术创作的思维活动
四、美术的创作方法
第三节 创作成果——美术作品
一、美术作品的构成因素
二、美术作品的相关属性
三、美术作品的艺术美
第三章 接受论
节 美术接受的性质与特征
一、美术接受与美术的本质
二、美术接受与美术作品
三、美术接受是一个无限的创造过程
第二节 美术接受的社会环境与环节
一、美术接受的社会环境——美术世界
二、美术接受的社会环节
三、美术接受与美术批评
第三节 美术接受的内在过程
一、准备阶段
二、初级阶段
三、高级阶段
第四节 美术的审美教育
一、美术的社会功能
二、美术的审美教育
三、美术审美教育的意义
下编 美术的历史发展
章 发生论
节 历史上几种关于美术发生的理论
一、游戏论
二、巫术论
三、劳动论
第二节 美术发生的动力
一、人类的社会劳动实践是美术发生的根本动力
二、主体的生物性与原始美术的发生
第三节 美术发生的历史过程与阶段
一、美术发生是一个漫长的历L史过程
二、美术发生的上限——人工性
三、美术的形态发生
四、美术的审美发生
第四节 原始美术的性质及其在历史中的转换
第二章 发展论
节 美术发展的客观规律
一、美术发展的他律性
二、美术发展的自律性
三、美术的民族性与世界性
四、美术的形态流变
第二节 中国美术形态流变
一、中国艺术的基本美学特色
二、中国美术理论中的主要范畴与命题
三、中国美术形态流变
第三节 西方美术形态流变
一、西方艺术的基本美学特色
二、西方艺术理论中的主要范畴与命题
三、西方美术形态流变
第四节 当代中国美术
一、大变革中的当代中国美术
二、当代中国美术的历史描述
第三章 门类论
节 美术的基本特征及其门类的划分
一、美术的基本特征
二、美术门类的划分
第二节 美术的主要门类
一、工艺美术
二、建筑（附：园林）
三、睢塑
四、绘画
五、书法（附：篆刻）
六、现代没计
第三节 美术与其他种类艺术的关系
第四节 艺术的综合发展与门类的开放性
第二版后记
版后记

作者介绍

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文摘

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其次，从世界范围和人类历史来看，宗教对美术的影响无疑是很大的，宗教艺术占去了中外美术史的很大一部分篇章。但是，如果仅从这些历史现象就断定是宗教决定了美术的发展，则是不正确的。宗教和美术都是社会意识形态，它们虽然很接近，都是更高的、更远离经济基础的特殊的意识形态，但不能因此而说一种意识形态可以决定另一种意识形态。从本质上讲，宗教是自然压迫和社会压迫的产物，宗教的产生和发展归根到底是由社会经济基础决定的。宗教和美术的关系是在上层建筑领域内的相互影响、相互作用、相互渗透的关系，它们都反映经济基础，为经济基础所决定。例如，敦煌早期的壁画主要以宣扬自我牺牲、自我抛舍的佛本生故事为题材，而到了唐代则主要以描绘歌舞升平的各种经变为题材。这种题材上的发展变化主要是由于不同时代的社会经济的发展变化所决定的，并不仅仅是题材、风格、技法本身的变化问题。2.美术与哲学的关系 哲学作为一定的世界观，必然要对美术创作活动发生影响，而美术不但要反映一定的哲学观念，并且给一定的世界观的形成以积极的影响。就一般常识而言，美学观总要指导和影响美术创作，而美术创作实践又要反过来影响美学观的形成和发展。但进一步说，一定的美学观不就是一定的世界观的一部分吗？因此美术与哲学之间的密切关系是很清楚的。美术史上许多艺术大师都有自己成熟的美学思想和哲学思想，如东晋顾恺之的“以形写神”说，清初石涛的“蒙养生活”说，意大利达芬奇的“学习自然”说，英国雷诺兹的“中心形式”说，等等，都出自他们各自的美学思想和哲学思想。美术与哲学的关系，如同与政治、道德、宗教的关系一样，是上层建筑各种因素的交互作用关系，相互影响关系。认识到这种必然而又复杂的关系，有利于我们认识美术发展史上各种复杂的现象，从而把握美术的社会本质。

序言

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探索视觉叙事的深层密码：西方艺术史的脉络与思潮 一部带领读者穿越千年，深入剖析西方艺术演变轨迹的深度之作。 本书旨在为艺术爱好者、专业研究者及对人类文明进程充满好奇的读者，提供一个全面、严谨且充满洞察力的视角，来审视自古希腊罗马文明萌芽，至当代艺术思潮涌动的宏大图景。我们不满足于简单的图像罗列或年代排序，而是致力于揭示不同历史时期艺术风格背后的哲学基础、社会结构、技术革新以及时代精神的深刻关联。 第一部分：古典的奠基与中世纪的信仰 我们将从文明的摇篮——古希腊和古罗马的艺术成就开始。详细探讨古典艺术如何确立了西方美学对“完美比例”、“理想人体”和“和谐秩序”的永恒追求。重点分析雕塑中的“黄金分割”原理，以及建筑中多立克、爱奥尼克和科林斯柱式的象征意义。随后，我们将进入漫长的中世纪，解析基督教信仰如何成为艺术表达的绝对核心。拜占庭的镶嵌画如何以其神圣的金色背景和程式化的形象，构建出天国秩序；而罗马式和哥特式大教堂的兴建，则被视为“石头上的布道”。哥特艺术中飞扶壁的结构创新、彩色玻璃窗的光影哲学，以及对垂直向度近乎痴迷的追求，都被置于中世纪神学体系下进行解读。我们探讨艺术如何从叙事工具转向对超越性真理的象征性表达。 第二部分：文艺复兴的觉醒与巴洛克的激情 文艺复兴时期，是对古典精神的复兴，更是对“人”这一主体的重新肯定。本书将深入剖析佛罗伦萨和罗马如何成为艺术革新的中心。我们不仅会聚焦于达芬奇的科学观察、米开朗基罗的英雄主义雕塑，以及拉斐尔的优雅平衡，更会细致分析透视法（线性透视）的发明如何彻底改变了艺术对三维空间的再现方式。文艺复兴的“人文主义”如何渗透到绘画的每一个细节，使神性形象也带上了人间的温度。 随后，艺术风格转向巴洛克。这是一个充满戏剧性、情感张力和运动感的时代。巴洛克艺术如何为反宗教改革服务，如何利用光影的强烈对比（明暗对照法，Chiaroscuro）来营造情绪的震撼力？卡拉瓦乔的现实主义、贝尼尼的动态雕塑，以及鲁本斯对生命力的赞颂，都体现了艺术从理性克制转向感性表达的巨大转变。 第三部分：启蒙、革命与古典的回归——新古典主义与浪漫主义的对峙 18世纪中叶，启蒙运动带来了对理性、清晰和普世价值的推崇，催生了新古典主义。本书将分析大卫的作品如何成为法国大革命的视觉宣言，探讨其对古罗马美德的推崇，以及其对简洁线条和冷峻构图的偏爱。 然而，理性主义的冰冷很快遭到了对情感、自然和个人体验的歌颂——浪漫主义的挑战。浪漫主义艺术家，如德拉克洛瓦和戈雅，如何通过奔放的色彩、宏大的主题和对异域风情的描绘，表达对工业化和僵化教条的反抗？我们特别关注浪漫主义对“崇高”（The Sublime）概念的探索，即面对自然伟力时所产生的敬畏与恐惧交织的复杂情感。 第四部分：现代性的开端——从现实到观念的跃迁 19世纪下半叶，随着摄影术的出现和都市生活的剧变，传统艺术的使命遭受根本性动摇。印象派的诞生，标志着艺术对“瞬间印象”和“光影流动”的关注，是对传统学院派描绘“永恒主题”的彻底颠覆。后印象派（塞尚、梵高、高更）则开始从主观体验和结构探索中，为20世纪的抽象艺术铺平了道路。塞尚对几何形体的分解，梵高对色彩的内在表达，都预示着艺术将不再仅仅模仿外部世界。 20世纪初，现代艺术的洪流喷涌而出。野兽派的色彩革命、立体主义对多视角的几何解构、未来主义对速度与机器的崇拜，以及表现主义对内在焦虑的直白抒发，共同构筑了一个“主义”林立的时代。本书详细梳理了这些流派之间的辩证关系，分析了第一次世界大战如何催生了达达主义的“反艺术”姿态，以及超现实主义如何深入潜意识的迷宫。 第五部分：战后艺术的多元格局与观念的胜利 二战后，艺术的中心从欧洲转移至美国。抽象表现主义（Action Painting与Color Field）如何以巨大的尺幅和纯粹的姿态，表达个体在后战时代的精神困境与自由？波普艺术（Pop Art）如何巧妙地挪用和嘲讽大众文化符号，模糊了高雅艺术与商业艺术的界限？ 本书的终章聚焦于20世纪下半叶至当代艺术的复杂面貌。我们将探讨极简主义如何剥离艺术的叙事和情感，回归物质本身；观念艺术（Conceptual Art）如何宣告“观念优先于物体”，彻底挑战了“什么是艺术”的定义。从大地艺术（Land Art）对特定场域的干预，到行为艺术对身体的运用，再到装置艺术的沉浸式体验，我们观察到艺术如何日益向社会批判、身份政治和跨学科探索靠拢。 结论：理解艺术的永恒对话 本书最终试图证明，艺术史不是一条单向进步的河流，而是一个充满张力、不断自我质疑和回归经典的复杂对话场域。每一代艺术家都是在继承、反叛前人成就的基础上，试图为他们所处的时代精神找到一种新的视觉语言。通过对这些演变脉络的细致梳理，读者将能更深刻地理解我们身处的当代文化景观，并掌握解读任何视觉符号背后的历史语境的能力。阅读本书，就是参与到人类文明最持久、最精彩的视觉叙事之中。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构安排非常具有逻辑层次感，它不是简单的时间线平铺直叙，而是在不同章节之间设置了精妙的内在联系。例如，当它讲完巴洛克艺术中戏剧性的光影运用后，紧接着就会转入对洛可可风格的轻盈和室内装饰艺术的探讨，这种衔接自然流畅，仿佛历史的舞台灯光在不经意间完成了切换。我个人特别喜欢书中收录的“艺术概念辞典”和“关键术语索引”，这些辅助材料的编排极为用心，检索方便，对于那些需要快速查阅特定流派或技法定义的读者来说，简直是福音。我曾用它来快速梳理立体主义的几个分支，发现即便是最复杂的分裂和演变，通过书中的清晰定义和辅助图例，也能迅速掌握其核心差异。这本工具书性质的完善，使得它不仅适合系统学习，也非常适合作为日常案头的参考手册。

评分☆☆☆☆☆

我发现这本书在理论深度上远超我预期的“概论”范畴，它更像是一部深入的、具有批判性视角的艺术史论著。作者的观点并非人云亦云，而是敢于挑战一些传统上被奉为圭臬的定论。例如，在讨论印象派的兴起时，书中并未将重点过多放在光影的捕捉上，而是着重分析了摄影技术对传统肖像画和风景画的颠覆性冲击，以及工业革命后城市化进程对艺术家审美趣味的重塑，这种社会学和技术史的交叉视角，让整个艺术史的脉络显得更加立体和真实。读到此处，我不得不停下来反复思考，艺术的发展果真如同一条自然演进的河流，还是充满了偶然的断裂与突变？书中这种引导读者主动思考的写作方式，对我个人的艺术鉴赏习惯产生了深远的影响，它教会我不再只看“画得像不像”或者“色彩好不好看”，而是去追问“为什么是这样”。

评分☆☆☆☆☆

初次翻开这本《[书名]》，立刻被它扑面而来的严谨气息所吸引。作者在开篇就构建了一个宏大的叙事框架，似乎要带领读者穿越时空的隧道，去探寻艺术诞生的源头。我特别欣赏作者在梳理不同历史时期艺术流派时的那种抽丝剥茧的能力，每一个转折点、每一次风格的演变，都被梳理得井井有条，让人清晰地看到艺术是如何在社会、思想、技术的合力下螺旋上升的。比如，对于文艺复兴时期人文主义思潮如何渗透到绘画语言中的论述，简直是教科书级别的精彩。它没有停留在对名作的简单罗列和赞美，而是深入挖掘了艺术家们在创作过程中所面临的哲学困境和技术革新，使得即便是对艺术史有一定了解的读者，也能从中获得新的启发。整本书的行文流畅，学术性与可读性达到了一个极佳的平衡点，即使是面对一些相对晦涩的理论概念，作者也总能找到恰当的比喻和例证来加以阐释，极大地降低了理解门槛。尤其是关于材料学在艺术发展中的作用分析，让我对那些看似简单的媒介背后蕴含的复杂历史有了更深层次的认识。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计和排版布局，也体现出一种对“美”的尊重，这对于一本关乎艺术的书来说至关重要。内页的纸张质感温润，印刷的色彩还原度极高，即便是那些跨页展示的巨幅作品，细节也依然清晰可见，这使得阅读体验本身就成了一种视觉享受。我花了很长时间去细品那些关于现代艺术章节的配图，特别是抽象表现主义那一块，以往看电子版总觉得少了点“气场”，但在这本书里，那些泼洒的、流动的笔触仿佛就要挣脱纸面束缚一般。更值得称道的是，书中大量采用了高质量的图注和对比图，不同艺术家的同一主题创作放在一起，那种微妙的差异和各自的时代烙印便一目了然，这种对比式的学习方法，远比单纯的文字描述来得震撼和有效。作者在图文结合上拿捏得非常到位，图片不是简单的点缀，而是论证观点的核心证据，真正做到了“一图胜千言”。

评分☆☆☆☆☆

从一个业余爱好者的角度来看，这本书最难能可贵的一点是它唤醒了我对艺术世界的好奇心和探索欲。很多艺术书籍读完后，知识点清晰了，但热情却消退了，因为它把艺术讲得太“死”了。但《[书名]》不一样，它字里行间流淌着对人类创造力的无限激情。作者用非常富有感染力的文字描述了艺术家们为突破现有边界所付出的挣扎与狂喜。它没有将艺术史塑造成一套既定的公式，而是呈现为一个充满活力、仍在不断生长的有机体。读完对表现主义的介绍后，我竟然动了去美术馆重温那些作品的冲动，想要亲眼去感受那种被强烈的内在情感所驱动的线条和色彩的力量。这种能激发读者走出书本，走进现实艺术体验的转化力，才是衡量一本艺术读物是否成功的最高标准，而这本书无疑做到了这一点，它提供的不只是知识，更是一种看世界的全新视角。