全国音乐听力考级教程(附光盘第2级中国音乐家协会社会音乐水平考级教材) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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• 中国音乐家协会
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• 音乐基础
• 技能提升
• 附光盘

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787807514886

版次：1

商品编码：12298411

包装：平装

开本：16开

出版时间：2010-04-01

用纸：胶版纸

附件：CD

附件数量：2

内容简介

《全国音乐听力考级教程》是一套专为全国社会音乐水平“器乐考级服务”而编写的教程(共五册)。编写者在内容设置、进度安排和考级方法上充分考虑到业余学习器乐演奏学生的实际需要，紧紧抓住了音乐基础学习中的核心——听力训练，从钢琴、小提琴、电子琴考级教材曲目中遴选二百多首*代表性、旋律动听且含视唱练耳技术重点和乐理知识要点的经典名曲，凸现了练习曲目的技术含量和艺术含量，十分有助于拓展学生的音乐视野，增强学生对音乐的感性积累；同时，全教程还将“熟知、熟记、熟用”经典音乐作品作为教学主题，反复贯穿于五册之中，并配置以同步的音响资料，使乐理和视唱真正成为以听力为基础的乐理和视唱。每册二十课，每一课分成上下半节，各以一首名曲为课题，围绕“名曲”设计出七个具有教学系统特征的训练模块(即：聆听感受——诵读乐谱——乐理要点——节奏练习——视唱练习——全曲赏析——书写及听写练习)与考试形式(详见教程的《前言》)，并辅助以简明实用的教学提示文字，充分体现了编写者对音乐听力训练科学性和有效性的全面把握和正确运用。本书为第二册，对应器乐考级的三、四级。

目录

第一课
上半节 《单簧管波尔卡》
下半节 《小诙谐曲》
第二课
上半节 《四季调》
下半节 《可爱的蓝精灵》
第三课
上半节 《西班牙圆舞曲》
下半节 《让我们荡起双桨》
第四课
上半节 《缆车》
下半节 《G大调小步舞曲》
第五课
上半节 《洋娃娃和小熊跳舞》
下半节 《F大调小奏鸣曲第一乐章》
第六课
上半节 《小小世界》
下半节 《G大调第二学生协奏曲第一乐章》
第七课
上半节 《云雀之歌》
下半节 《G大调第二学生协奏曲第三乐章》
第八课
上半节 《斗牛士之歌》
下半节 《听妈妈讲那过去的事情》
第九课
上半节 《四小天鹅》
下半节 《旱天雷》
第十课
上半节 《打莲湘》
下半节 《a小调协奏曲第一乐章》
第十一课
上半节 《D大调加沃特舞曲》
下半节 《蓝色多瑙河》
第十二课
上半节 《月儿弯弯像只船》
下半节 《健康歌》
第十三课
上半节 《D大调第五学生协奏曲第一乐章》
下半节 《铃儿响叮当》
第十四课
上半节 《采蘑菇的小姑娘》
下半节 《康定情歌》
第十五课
上半节 《哈巴涅拉》
下半节 《郊游》
第十六课
上半节 《两把吉他》
下半节 《牧歌》
第十七课
上半节 《我是一条小青龙》
下半节 《愉快的小牧民》
第十八课
上半节 《数码宝贝》
下半节 《步步高》
第十九课
上半节 《紫竹调》
下半节 《小步舞曲》
第二十课
上半节 《布列舞曲》
下半节 《秋收》

音乐理论与实践深度探索：现代音乐创作与分析指南 一部全面覆盖二十世纪及当代音乐实践的权威参考书 本书旨在为音乐学院学生、专业音乐家、作曲家以及对现代音乐思潮抱有浓厚兴趣的听众提供一个结构清晰、内容深入的知识框架。它避开了传统考级教材中侧重于基础技能和既定范式的教学路径，转而聚焦于二十世纪以来音乐语言的剧烈变革、新兴技术对创作的渗透，以及后世学者对这些复杂现象的批判性分析。 第一部分：二十世纪音乐的语言转向与风格流派 本部分深入剖析了自德彪西晚期作品至第二次世界大战后欧洲和美洲音乐思潮的演变历程，重点解析了古典传统如何被颠覆和重构。 第一章：印象主义的余晖与“新古典主义”的回响 本章首先审视了德彪西和拉威尔在音色、和声的模糊性与自由化上的贡献，特别是他们对非传统调性材料的运用。随后，我们将目光转向两次世界大战间的“新古典主义”运动，分析斯特拉文斯基、欣德米特等作曲家如何试图从巴洛克和古典时期的结构原则中汲取力量，以对抗浪漫主义的过度主观化。探讨的重点包括：新调式的使用、复调织体的复兴，以及对既有体裁（如奏鸣曲、协奏曲）的现代性诠释。 第二章：第二维也纳学派的彻底革命 本章是全书最为核心的部分之一，它详细梳理了勋伯格、贝尔格和韦伯恩如何系统性地瓦解了建立在功能和声基础上的传统调性体系。 无调性探索 (Atonality)： 考察了早期无调性作品（如《月之被缚的皮埃罗》）中，对传统协和与不协和概念的重新界定。 十二音体系的建构与实践 (Dodecaphony)： 详尽解析了“十二音列”的技术规则，包括音列的四种基本形式（主列、逆行、反行、反行逆行）及其在作品中的横向与纵向应用。通过对贝尔格《沃采克》和勋伯格后期作品的分析，展示了十二音技术如何服务于表现主义的情感深度。 序列主义的扩展： 讨论了韦伯恩对极简主义的预示，以及战后欧洲序列主义（如布列瑟、施托克豪森的早期作品）如何将十二音概念扩展到音高之外，对时值、力度、音色进行严密控制（总体序列化）。 第三章：表现主义的心理深度与自由和声 本章聚焦于表达极端心理状态的音乐语言。除了对第二维也纳学派的早期探索外，还特别关注了俄罗斯的斯克里亚宾（及其神秘和弦与色彩和声）、以及美国作曲家查尔斯·艾夫斯对多调性、多节奏和纯粹美国民间素材的激进融合。分析将侧重于和声色彩如何被用作心理描绘的直接工具。 第二部分：战后音乐的多元化与技术爆炸 二战结束后，音乐创作进入了一个前所未有的多元化和实验阶段。本部分旨在梳理这些互相竞争、相互影响的艺术思潮。 第四章：电子音乐的兴起与声学材料的解放 本章回顾了录音技术和磁带技术如何彻底改变了音乐创作的媒介。 具体音乐 (Musique concrète)： 探讨皮埃尔·谢弗在巴黎的工作，即使用环境音、自然音响作为“声音物体”进行剪辑、反转和拼贴的创作手法。 电子音乐合成 (Elektronische Musik)： 对科隆学派（特别是布赫海姆和施托克豪森）如何使用纯粹的电子振荡器生成声音进行分析，并比较其与具体音乐在哲学基础上的差异。 计算机音乐的早期实践： 简要介绍早期计算机程序（如CSound）如何开始辅助作曲家进行复杂的数学运算和声音合成。 第五章：机遇与不确定性：偶然音乐的哲学基础 本章重点研究约翰·凯奇对传统作曲家角色的颠覆。 随机性的引入： 详细介绍凯奇如何运用《易经》、抛硬币等非意图性方法来决定音高、时值和演奏方式。 听觉体验的转向： 讨论《4分33秒》等作品的深层意义——将“环境声音”合法化为音乐本身，并引导听众关注声音的“存在”而非“意义”。 不确定性在欧洲的体现： 分析布歇（Boulez）的“开放形式”结构，以及卡特（Carter）的“可变节拍”方法，展示随机性如何以更结构化的方式渗透到欧洲的创作实践中。 第六章：极简主义的回归与脉冲的魅力 从复杂到简约，本章分析了二十世纪下半叶以美国为中心的极简主义浪潮。 重复结构与过程音乐： 聚焦于赖利（Reich）的“相位技术”（Phasing Technique），分析其如何通过微妙的时间差创造出听觉上的“运动”感。 长音与和声的回归： 研究格拉斯（Glass）通过快速的节奏划分和有限的材料迭代来构建宏大结构的方法。 对极简主义的批判性反思： 讨论这些作品如何既是对序列主义过度智性化的反动，又是对传统音乐中“过程”概念的另一种极端化表达。 第三部分：当代音乐分析方法论与跨界融合 本部分将视角投向当代音乐学的分析工具和音乐与其他艺术形式的交融。 第七章：当代和声分析的工具箱 本章不再依赖传统的和弦功能分析，而是提供现代和声分析的实用工具： 集合论（Set Theory）： 深入解析米尔顿·巴比特和艾伦·福斯特提出的音高集合理论，如何对无调性音乐（特别是十二音和无功能和声）进行精确的分类和操作分析。 音色与频谱分析： 介绍如何使用频谱图、傅里叶分析等工具来描述和量化声音的物理属性，而非仅仅关注音高和节奏。 结构主义的解读： 探讨如何应用结构主义方法来揭示现代音乐中隐藏的对称性、转换规律和深层结构。 第八章：跨学科视野下的音乐剧场 本章探讨了音乐如何突破音乐厅的界限，与其他媒介发生反应： 歌剧与戏剧的边界消融： 分析沃采克、后来的菲利普·格拉斯的歌剧，以及当代音乐剧场（Music Theater）中，文本、视觉元素和音响如何相互依存。 多媒体装置与声音景观： 讨论当代作曲家如何将声音环境、装置艺术和听众的物理空间结合起来，创造沉浸式的体验。 本书的撰写风格力求严谨且富于启发性，通过大量的实例分析，引导读者理解二十世纪音乐的复杂性，并为未来的音乐创作和研究提供坚实的理论基础。它是一本面向深度理解和实践创新的参考指南。

评分☆☆☆☆☆

这套教材的选曲独具匠心，它不仅仅是技术层面的堆砌，更像是一次对中国传统音乐美学的精妙引导。我发现它选取的曲目并非仅仅停留在广为流传的那些“大路货”，而是深入挖掘了一些更具地方特色和文化内涵的乐段。例如，其中一首江南丝竹的小品，其旋律线条的细腻婉转，如果没有专业的引导，很容易在演奏中流于表面。但这本教程通过对曲谱的细致标注和配发的示范音频，精准地传达了那种“韵味”。更让我惊喜的是，它在注重民族音乐的同时，也巧妙地融入了一些与现代听觉习惯接轨的元素，使得整体的学习过程既有厚重的文化底蕴，又不失活泼和吸引力。它成功地架起了一座桥梁，让学习者在掌握基本听辨能力的同时，也能对中国音乐的审美体系建立起初步的认知框架。这种平衡感，在众多的考级教材中是相当难能可贵的。

评分☆☆☆☆☆

作为一名有着多年音乐教学经验的教师，我非常关注教材对于“听辨”这一核心技能的训练深度。很多教程在乐理知识上讲得头头是道，但在实际的听觉训练部分往往流于敷衍，无非就是让你分辨大小调或者简单的节奏型。然而，这本教程的听力训练模块设计得层次分明，它着重考察的不仅仅是音高的准确性，更是对复调织体、和声色彩变化的敏感度。比如，在练习识别不同民族乐器音色的单元中，教材给出的对比案例非常具有代表性，其间细微的音色差异，即便是经验尚浅的学生也能被清晰地引导去捕捉。特别是对于节奏型和速度变化的细微调整，教材的处理方式非常细腻，要求学习者不仅要听到“是什么”，更要听到“怎么变”和“为什么变”。这种对细节的深挖，使得学生在考级时，面对复杂的听辨题型时，能够展现出远超同龄人的分析能力。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和印刷质量简直让人眼前一亮，那种纸张的触感，拿到手里沉甸甸的，就知道是用心制作的。封面设计得简洁大气，虽然是教程，但一点也不显得枯燥。我尤其欣赏的是内页的字体选择，清晰易读，对于需要长时间面对乐谱和文字的学习者来说，这是非常重要的细节。光盘的收录也体现了专业性，音质纯正，没有杂音，无论是跟弹练习还是单听示范曲目，都能保证最真实的听觉体验。书中的曲目编排逻辑清晰，从基础到进阶的过渡非常自然流畅，这一点对于自学者来说简直是福音。我试着跟着光盘的指引练习了几个单元，发现教材的难度梯度设计得非常人性化，不会让人产生畏难情绪。而且，教材中对一些核心音乐概念的解释，语言组织得非常精炼，没有太多冗余的学术术语，更容易被初学者理解和吸收。总的来说，从物理感受和初步的实用性来看，这本书在教材制作的工艺水平上达到了一个很高的标准，绝对是物有所值的一笔投资。

评分☆☆☆☆☆

从装帧和内容布局来看，这套教程的设计师明显是站在学习者的角度反复推敲过的。书页的开本适中，方便携带和在琴边翻阅，不会像某些大开本教材那样笨重。在内容排布上，它大量使用了图表和对比表格来呈现复杂的听觉概念，这比纯文字的解释要直观得多。例如，在讲解不同调式色彩的听觉差异时，教材没有用大段的文字去描述，而是用并列的乐句进行对比演示，这种“耳听为实”的教学方法极大地节省了学习时间。此外，书籍的维护性也很好，装订结实，即便经常翻阅也不会轻易散页。这种对细节的关注，反映出编者对于教材“工具性”的深刻理解——它不应该成为学习的障碍，而应是高效的助力。总之，这是一本兼顾了美学、实用性、专业性和耐用性的优秀教程，绝对值得推荐给所有致力于系统学习中国音乐听力的学习者和指导者。

评分☆☆☆☆☆

我对教材的实用性和进阶性表示高度赞赏，尤其是在针对特定等级的准备上，它的针对性极强。我之前使用的其他材料，很多时候会显得“大而全”，学了很多用不上或者超越当前水平的内容。而这本针对第二级的教材，内容组织得非常聚焦。它精确地圈定了这个阶段学习者需要攻克的难点，比如三和弦的分解与转位听辨，以及特定旋律的模唱准确率等。教材在安排练习曲时，很注重将乐理知识点巧妙地融入到实际的听觉场景中，而不是生硬地进行知识点罗列。比如，某段练习曲专门设计了对不协和音程的快速识别，而这种不协和音程正是出现在一段大家熟悉的传统小调旋律中。这种“学以致用”的编排方式，极大地提高了学习效率，让学生在不知不觉中就将理论内化为了本能反应。