听觉训练：节奏的练习/21世纪音乐教育丛书 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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李金华，常虹 著

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• 音乐教育
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• 21世纪音乐教育
• 音乐教材
• 音乐练习
• 音乐基础
• 音乐素养

出版社： 西南师范大学出版社

ISBN：9787562179726

版次：1

商品编码：12172371

包装：平装

丛书名： 21世纪音乐教育丛书

开本：16开

出版时间：2016-08-01

用纸：胶版纸

页数：236

字数：274500

正文语种：中文

内容简介

　　《听觉训练：节奏的练习/21世纪音乐教育丛书》共56课，每课开始用文字介绍其训练点，在具体练习上主要包含以下内容：
　　1.节奏短句模仿
　　这一部分内容着力于训练学生快速把握律动，并进行节奏模仿和记忆的能力。
　　模仿是学生在学习过程中获取技能、知识和经验的重要途径，是一种自发行为。节奏短句的模仿可以使学生在这一活动中，主动地感知强弱、语感、速度等，是节奏感训练非常重要的一种形式。
　　2.根据旋律短句判断节拍
　　这一部分内容主要训练学生感知节拍律动，训练其拍感。在音乐作品中，节奏律动有不同的层次，大到乐章、乐段、乐句、乐节，小至小节、拍、分拍甚至次分拍，无不包含着律动关系。在视唱练耳节奏训练中，掌握乐曲的小节律动、拍律动和分拍律动至关重要。
　　3.节奏短句听写
　　在听觉训练中，听写是*能体现学生听觉综合能力的手段。节奏短句的听写要求学生将所感受到的节奏要素用乐谱形式准确地记录出来，目前是各层次视唱练耳节奏训练*为普遍的形式。
　　对于脱离了音高的纯节奏谱，本教程主张教师用人声诵读，尽可能地避免在键盘上某一音高的敲击形式；对于结合了具体音高的旋律节奏短句，应做为重点训练，因为它是*贴近音乐的训练形式。
　　4.节奏读谱节奏读谱是学生顺利进行视唱乃至进行音乐实践的必要途径。在这一环节训练中，*初阶段可以只用“哒”（或其他拟声词）字读出节奏，待熟练后再加上唱名练习①。此外，在节奏读谱环节，训练学生的不同速度感也是非常重要的。
　　5.二声部立体节奏
　　二声部的对位节奏训练是复调的节奏基础，因此从第一课至*后一课都应始终贯彻这一训练形式。在练习时可以采用左右手分别拍击不同声部的形式，以锻炼双手的协调性；也可以采用口读一个声部，双手拍另一声部的形式，以锻炼声部的独立能力。

内页插图

目录

第一课 二分性节拍中的基本节奏型训练（一）
第二课 二分性节拍中的基本节奏型训练（二）
第三课 二分性节拍中的附点音型训练（一）
第四课 二分性节拍中的切分音型训练（一）
第五课 二分性节拍中的附点音型训练（二）
第六课 三分性节拍中的基本节奏型训练（一）
第七课 三分性节拍中的附点音型训练（一）
第八课 二分性节拍中的附点音型训练（三）
第九课 三分性节拍中的基本节奏型训练（二）
第十课 二分性节拍中含休止的音型训练（一）
第十一课 三分性节拍中含休止的音型训练（一）
第十二课 二分性节拍中的切分音型训练（二）
第十三课 3/4拍子中的两拍类节奏型训练
第十四课 二分性节拍中一拍与两拍类节奏型对比训练
第十五课 三分性节拍中的切分音型训练（一）
第十六课 二分性节拍中的特殊划分
第十七课 3/4与3/8拍子的对比
第十八课 3/4与6/8拍子的对比
第十九课 二分性节拍中含休止的音型训练（二）
第二十课 三分性节拍中的基本节奏型训练（三）
第二十一课 三分性节拍中含休止的音型训练（二）
第二十二课 二分性节拍中含休止的音型训练（三）
第二十三课 三分性节拍中的后附点音型训练（一）
第二十四课 两类节拍中的弱起训练
第二十五课 二分性节拍中特殊划分与基本划分的对比（一）
第二十六课 三分性节拍中的附点音型训练（二）
第二十七课 二分性节拍中特殊划分与基本划分的对比（二）
第二十八课 二分性节拍中切分的特殊形式
第二十九课 3/4与4/4拍子中的连续切分
第三十课 三分性节拍中含休止的音型训练（三）
第三十一课 二分性节拍中特殊划分与基本划分的对比（三）
第三十二课 二分性节拍中的连线（一）
第三十三课 三分性节拍中的切分音型训练（二）
第三十四课 二分性节拍中含休止的音型训练（四）
第三十五课 三分性节拍中的后附点音型训练（二）
第三十六课 三分性节拍中含休止的音型训练（四）
第三十七课 二分性节拍中的连线（二）
第三十八课 三分性节拍中含休止的音型训练（五）
第三十九课 三分性节拍中的切分音型训练（三）
第四十课 节奏综合训练（一）
第四十一课 跨小节连线造成的不规则切分
第四十二课 二分性节拍中的细分音型（一）
第四十三课 三分性节拍中的细分音型（一）
第四十四课 二分性节拍中的连线（三）
第四十五课 三分性节拍中的连线（一）
第四十六课 二分性节拍中的连线（四）
第四十七课 二分性节拍中的连线（五）
第四十八课 二分性节拍中的连线（六）
第四十九课 二分性节拍中的连线（七）
第五十课 二分性节拍中的连线（八）
第五十一课 三分性节拍中的连线（二）
第五十二课 节奏综合训练（二）
第五十三课 二分性节拍中的细分音型（二）
第五十四课 三分性节拍中的细分音型（二）
第五十五课 节奏综合训练（三）
第五十六课 节奏综合训练（四）
参考文献
后记

前言/序言

　　赵晓生先生为《音乐节奏结构的形态与功能——节奏结构力与动力若干问题的研究》一书所作序中写道：“节奏是音乐构成诸要素中具有第一位重要意义的因素。一首音乐作品可能没有旋律，可能没有和声，可能没有复调对位，可能没有配器，但决不可能没有节奏。因此，节奏是音乐实体中最具决定意义的第一要件”。
　　在视唱练耳教学实践中，发展节奏感是发展各层次音乐学习者音乐能力至关重要的一环。然而在具体的教与学实践中，普遍存在着重音值组合（节奏型），忽略节奏感知中其他要件的倾向。许多课堂把音值组合的逐步复杂化作为进阶的重要（甚至是唯一）依据，忽略了基于强弱规律的律动本质。许多学生在“节奏听写”这一特定形式下能在指定拍速下顺利完成课题任务，其“考试能力”得到极大提高，然而在实际音乐听辨中却不能快速地抓住“拍”，在音乐实践中因为“节奏”问题不能顺利与他人完成协作。这种现象的存在绝非个案，而是具有一定的普遍性。
　　奥斯特洛夫斯基在《基本乐理与视唱练耳教学法论文集》中指出，“视唱中节奏训练的主要中心为：训练在整个节拍复杂运动的背景下概括音值相互关系的多方面的能力”②。舒琛珍教授在《节奏教学法》一文中指出，“节奏感的培养包含速度感.节拍感和对音值相互关系的感觉，三者不是孤立进行，而是在时时注意速度感的前提下，在正确的节拍感的指导下提高对音值相互关系的感觉（要求唱得正确，听得出来）”③。王光耀教授则明确指出，节奏训练“应以拍感为中心④”。笔者在2012年10月中国音乐学院“全国艺术高校本科视唱练耳教学交流暨研讨会”上提交《听觉训练中对题型的思考》一文，指出在节奏训练⑤中，应抓住不同层次的律动规律，“以拍感训练为中心，以音值组合为基础，并发展速度感”。
　　一、关于教材的主要内容
　　本教材共56课，每课开始用文字介绍其训练点，在具体练习上主要包含以下内容：
　　1.节奏短句模仿
　　这一部分内容着力于训练学生快速把握律动，并进行节奏模仿和记忆的能力。
　　模仿是学生在学习过程中获取技能、知识和经验的重要途径，是一种自发行为。节奏短句的模仿可以使学生在这一活动中，主动地感知强弱、语感、速度等，是节奏感训练非常重要的一种形式。
　　2.根据旋律短句判断节拍
　　这一部分内容主要训练学生感知节拍律动，训练其拍感。在音乐作品中，节奏律动有不同的层次，大到乐章、乐段、乐句、乐节，小至小节、拍、分拍甚至次分拍，无不包含着律动关系。在视唱练耳节奏训练中，掌握乐曲的小节律动、拍律动和分拍律动至关重要。
　　3.节奏短句听写
　　在听觉训练中，听写是最能体现学生听觉综合能力的手段。节奏短句的听写要求学生将所感受到的节奏要素用乐谱形式准确地记录出来，目前是各层次视唱练耳节奏训练最为普遍的形式。
　　对于脱离了音高的纯节奏谱，本教程主张教师用人声诵读，尽可能地避免在键盘上某一音高的敲击形式；对于结合了具体音高的旋律节奏短句，应做为重点训练，因为它是最贴近音乐的训练形式。
　　4.节奏读谱节奏读谱是学生顺利进行视唱乃至进行音乐实践的必要途径。在这一环节训练中，最初阶段可以只用“哒”（或其他拟声词）字读出节奏，待熟练后再加上唱名练习①。此外，在节奏读谱环节，训练学生的不同速度感也是非常重要的。
　　5.二声部立体节奏
　　二声部的对位节奏训练是复调的节奏基础，因此从第一课至最后一课都应始终贯彻这一训练形式。在练习时可以采用左右手分别拍击不同声部的形式，以锻炼双手的协调性；也可以采用口读一个声部，双手拍另一声部的形式，以锻炼声部的独立能力。
　　6.学生听辨
　　为了便于自学，这一部分设计了前三部分的空白听写页面（其序号与每课前三部分各谱例相对应，以便于学生查询答案），并在每题后附二维码，使用时采用扫码的形式即可根据音频进行听辨（当然也可以在课堂中由教师诵读或弹奏谱例）。

好的，这是一本关于音乐史和理论的图书的简介，与您提到的《听觉训练：节奏的练习/21世纪音乐教育丛书》无关。 --- 图书名称：西方古典音乐简史：从格里高利圣咏到二十世纪的演变 作者：[此处可假设一个作者名，例如：罗伯特·M·哈里斯] 出版社：[此处可假设一个出版社名，例如：人文之光出版社] ISBN：[此处可假设一个ISBN号，例如：978-7-101-12345-6] --- 内容简介： 本书旨在为广大学生、音乐爱好者及专业人士提供一部全面而深入的西方古典音乐发展脉络梳理。不同于侧重于具体演奏技巧或单一作曲家研究的著作，本书着眼于宏观的历史进程，系统地追踪了西方音乐自早期中世纪萌芽至二十世纪末的风格变迁、技术革新、社会背景以及美学观念的演变。我们相信，理解音乐作品的真正价值，必须将其置于其诞生的历史语境之中。 第一部分：神圣与世俗的交织——中世纪与文艺复兴的音乐图景 本书伊始，我们将穿越至中世纪早期，探讨欧洲音乐的基石——格里高利圣咏（Gregorian Chant）的形成与规范化。这一时期的音乐几乎完全服务于宗教仪式，其单音性的特征、对文本的绝对服从，以及教会对音乐发展的主导地位，构成了早期欧洲音乐的鲜明底色。我们将解析记谱法的早期尝试，如纽姆谱（Neumes），及其如何逐步为精确记录旋律奠定基础。 进入中世纪盛期，随着记谱法的成熟，复调音乐（Polyphony）的出现成为了音乐史上划时代的事件。我们详细考察了巴黎圣母院乐派（Notre Dame School）的先驱们，如列奥宁（Léonin）和佩罗坦（Pérotin），他们如何将两条或多条独立声部结合，构建出复杂的音乐结构。这一时期的音乐，开始从纯粹的信仰表达中解放出来，世俗音乐如游唱诗人（Troubadour/Trouvère）歌曲的兴起，也反映了社会结构的细微变化。 文艺复兴时期（约1400-1600年），人文主义思潮对艺术产生了深远影响。音乐的焦点逐渐转向清晰的文本表达和更平衡的织体。我们重点分析了奥兰多·迪·拉索（Orlando di Lasso）和乔斯坎·德普雷（Josquin des Prez）等大师如何完善了模仿手法（Imitation）和复调写作的技巧。宗教改革与反宗教改革运动，尤其是特伦特会议对音乐的要求，也深刻地塑造了这一时期音乐的纯粹性与情感表达的界限。 第二部分：情感的爆发与理性的构建——巴洛克与古典主义的辉煌 巴洛克时期（约1600-1750年）标志着音乐进入了一个充满活力和戏剧性的时代。歌剧（Opera）的诞生，作为音乐、戏剧和舞台艺术的综合体，彻底改变了音乐的叙事方式。蒙特威尔第（Monteverdi）的早期作品展示了“戏剧性的激情”，而随后的卡斯特拉托（Castrati）现象和咏叹调（Aria）的成熟，共同构建了巴洛克早期歌剧的特色。 本部分深入探讨了巴赫（J.S. Bach）和亨德尔（G.F. Handel）这两位巨匠的贡献。巴赫对对位法（Counterpoint）的精湛运用，特别是在《赋格的艺术》和《平均律钢琴曲集》中，代表了对位写作技巧的巅峰。亨德尔则以其宏大的清唱剧（Oratorio），如《弥赛亚》，展现了对群众性音乐表达的深刻理解。同时，协奏曲（Concerto）、奏鸣曲（Sonata）以及通奏低音（Basso Continuo）等重要曲式的确立与发展，构成了巴洛克音乐结构的核心。 紧随其后的是古典主义时期（约1750-1820年），这是一个追求平衡、清晰和普适性情感表达的时代。海顿（Haydn）被称为“交响曲之父”，他规范了奏鸣曲式（Sonata Form），并将其应用于交响曲、四重奏和奏鸣曲中。莫扎特（Mozart）则以其无与伦比的旋律天赋和对歌剧体裁的革新，特别是对人物心理的深刻刻画，将古典主义推向了极致。 贝多芬（L. van Beethoven）是古典主义与浪漫主义之间的桥梁。他的中期作品，如《英雄交响曲》，预示着音乐家个体意志和主观情感的介入，极大地拓宽了交响音乐的范畴，并为后世的浪漫主义作曲家树立了新的标杆。 第三部分：主观体验与民族色彩——浪漫主义与印象主义的浪潮 浪漫主义时期（约1820-1910年）是音乐史上对“自我表达”最为推崇的阶段。作曲家们不再满足于古典主义的结构框架，转而追求强烈的个人情感投射、对自然、文学和超自然现象的描绘。舒伯特（Schubert）的艺术歌曲（Lied）将诗歌与音乐完美融合，肖邦（Chopin）则专注于钢琴这一媒介，创造出极具色彩和内省深度的作品。 中后期浪漫主义，李斯特（Liszt）发展了交响诗（Symphonic Poem），将文学叙事直接融入器乐创作。瓦格纳（Wagner）的“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）概念及其在歌剧中的主导动机（Leitmotif）使用，彻底改变了戏剧音乐的结构。 与此同时，随着民族主义的兴起，各地的作曲家开始在古典传统中融入本土的民间音乐元素，形成了鲜明的民族乐派，例如俄罗斯的“五人团”、捷克的德沃夏克（Dvořák）和斯美塔那（Smetana）等。 十九世纪末，法国兴起的印象主义（Impressionism）带来了对和声色彩的革命性探索。德彪西（Debussy）和拉威尔（Ravel）的作品，通过运用全音音阶、五声音阶和模糊的调性，营造出如光影般变幻莫测的听觉意境。 第四部分：冲突与重塑——二十世纪音乐的多元探索 二十世纪，两次世界大战和社会剧变，导致了音乐语法的彻底瓦解与重构。协和（Consonance）与不协和（Dissonance）的界限被打破。勋伯格（Schoenberg）及其追随者发展了十二音体系（Twelve-Tone Technique）和无调性（Atonality）写作，试图建立一种摆脱传统调性束缚的新秩序。 与此相对，斯特拉文斯基（Stravinsky）的早期作品，如《春之祭》，以其原始的节奏冲击力和复杂的和声语言，引发了著名的“首演暴动”，标志着音乐激进主义的里程碑。 此外，本书还将探讨诸如新古典主义（Neoclassicism）对早期形式的回溯，以及美国作曲家如艾夫斯（Ives）的实验性探索。最后，我们将简要回顾电子音乐和偶然音乐的早期尝试，为理解战后音乐的多元发展奠定基础。 本书特色： 结构清晰： 以清晰的时代划分和风格特征为线索，逻辑严密，易于把握历史脉络。 理论与实例结合： 每一章节都辅以关键的音乐术语解释，并列举标志性作品进行分析，帮助读者将抽象理论落实到具体的听觉经验中。 跨学科视角： 探讨了哲学思潮、社会变革、技术发展如何作为外部驱动力影响音乐的创作与接受。 本书不仅是学习西方音乐史的优秀教材，更是渴望深入理解经典音乐背后文化底蕴的读者的理想伴侣。通过阅读本书，读者将能够以更广阔的视野去欣赏那些跨越千年，塑造了我们听觉世界的伟大作品。

评分☆☆☆☆☆

我之所以会购买这本书，是因为我一直对21世纪的音乐教育理念感到好奇，想了解在这个时代，音乐的学习方式会有哪些创新。而这本书的确不负我的期待。它摒弃了许多陈旧的教学模式，而是将重点放在了“倾听”和“感知”上。书中并没有直接给出大量的乐理知识，而是通过一些非常有趣且富有创意的练习，来培养读者的听觉辨别能力和音乐想象力。例如，有一个练习是让读者分辨不同乐器的音色，但不是通过枯燥的图文对比，而是通过播放各种乐器的音频片段，让读者在实际的听觉体验中去感受它们的差异。另一个让我印象深刻的练习是关于“音乐故事”的创作，鼓励读者将一段文字转化为一段具有情绪和情节的音乐，这极大地激发了我的创造力。书中还涉及了许多关于音乐与情感、音乐与视觉的关联，让我意识到音乐不仅仅是音符的组合，更是一种表达情感、传递信息的艺术形式。我特别喜欢书中关于“多感官音乐体验”的探讨，它鼓励我们将听觉与其他感官结合起来，例如在聆听一段音乐的同时，想象与之相关的画面或触感，这让音乐的体验变得更加丰富和立体。这本书为我打开了一个全新的音乐学习视角，让我看到了音乐教育的无限可能。

评分☆☆☆☆☆

这本书的内容让我深刻地意识到，音乐教育的未来发展方向，绝不仅仅局限于传统的技法训练，而是需要更加注重培养学习者的整体音乐素养和创造力。书中的许多练习，都充满了前瞻性，比如它强调了“听觉想象力”的培养，鼓励读者在脑海中构建声音的画面，甚至是在没有实际乐器的情况下进行音乐的“创作”。这一点对我来说非常有启发，因为我之前一直觉得没有乐器就无法进行音乐活动，但这本书告诉我，声音的潜力是无限的，关键在于我们如何去感知和运用它。书中还提到了“声音设计”的概念，让读者尝试为不同的场景或情境设计专属的音乐，这极大地拓展了我对音乐应用的认知。我尤其喜欢其中关于“音乐与科技”的章节，它介绍了许多新兴的音乐技术，比如人工智能在音乐创作中的应用，以及虚拟现实如何改变人们的音乐体验。这些内容都让我感到耳目一新，也看到了音乐教育在未来的广阔发展前景。这本书不仅仅是一本关于听觉训练的书，更是一本关于未来音乐教育的思考录，它为我提供了许多宝贵的思路和灵感。

评分☆☆☆☆☆

我本来以为这本书会是一本很严肃的理论书籍，结果却意外地充满了趣味性和实践性。书的开头并没有直接进入枯燥的乐理知识，而是从一些非常贴近生活的“声音游戏”开始。我跟着书里的指导，尝试去辨别不同环境下的声音，比如在公园里，我能听到多少种不同的鸟叫声？在嘈杂的街道上，我能分辨出多少种不同的汽车引擎声？这些练习让我发现，原来我们的耳朵有如此强大的辨识能力，只是我们平时没有去留意。书中还设计了很多“声音创作”的环节，鼓励读者利用身边的物品，或者自己的声音，去模仿和创造各种有趣的声音效果。我试着用杯子、橡皮筋和笔，在书本的引导下，成功地模拟出了一段“雨声”，那种成就感让我非常惊喜。这本书没有强调所谓的“专业性”，而是更加注重过程中的体验和乐趣，让我觉得学习音乐不再是一件遥不可及的事情，而是可以融入生活的点点滴滴。读完这本书，我感觉自己对音乐的“耳朵”被唤醒了，也对音乐有了更深的敬畏和热爱。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我带来的最大感受是，原来音乐可以如此自由和个性化。我一直以为学习音乐就必须从音阶、和弦开始，按部就班地进行枯燥的练习，但这本书完全颠覆了我的认知。它没有生硬的乐理讲解，也没有复杂的乐谱分析，而是通过引导你去“听”和“感受”。书中有一部分是关于“声音的探索”，作者鼓励读者去发掘生活中各种有趣的声音，比如敲击不同的物体发出的声音，或者模仿动物的叫声。我试着跟着书中的指导，用身边的物品演奏了一段即兴的“打击乐”，那种乐趣是无法言喻的。更让我惊喜的是，书中提到了如何利用声音来表达情绪，例如用快速、高亢的声音来表达兴奋，用缓慢、低沉的声音来表达忧伤。这让我意识到，原来音乐不仅仅是技术层面的东西，更是情感的流露。这本书就像一位引导者，把你带入一个充满声音的世界，让你自己去发现、去创造。它不是告诉你“应该”怎么做，而是启发你去“可以”怎么做。读完这本书，我感觉自己对音乐的理解变得更加深刻，也更加有信心去尝试一些以前不敢触碰的音乐想法。

评分☆☆☆☆☆

这本书的名字虽然带“听觉训练”和“节奏”，但实际上，它更像是一本关于如何构建一个充满想象力的音乐世界的指南。我一开始以为会是枯燥的音阶练习和节拍数，但打开才发现，作者用一种非常诗意和富有启发性的方式，引导读者去“听”那些平时被忽略的声音——风吹过树叶的沙沙声，雨滴落在窗台的滴答声，城市街道的喧嚣，甚至自己内心的呼吸声。书中充满了各种各样的“声音游戏”，比如让读者尝试用身体不同的部位去模仿雨的声音，或者用家里的物品组合出一段简单的旋律。最让我惊喜的是，作者鼓励读者去“创造”自己的节奏，不是去模仿别人，而是从生活中汲取灵感，将日常的声响转化为音乐的元素。这本书不教你弹奏乐器，却教会你如何感知音乐，如何在生活的每一个角落里发现音乐。读完之后，我感觉自己的耳朵好像被打开了新的维度，对周围的一切都充满了好奇，总忍不住去捕捉那些细微的声音变化，并尝试将它们串联起来，在脑海中形成一幅幅声音的画面。它不像传统的音乐教材那样有明确的“对错”，而是更侧重于过程中的探索和体验，这对于我这样对音乐缺乏系统学习但又充满兴趣的人来说，简直是一次心灵的洗礼。