音乐自学丛书：配器法基础教程（作曲卷） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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高鸿祥 著

图书标签:

• 配器法
• 作曲
• 音乐理论
• 音乐教学
• 自学教材
• 音乐基础
• 和声
• 编曲
• 音乐创作
• 作曲技巧

出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103021026

版次：1

商品编码：12085514

包装：平装

丛书名： 音乐自学丛书

开本：32开

出版时间：2002-03-01

用纸：胶版纸

页数：295

正文语种：中文

内容简介

　　《音乐自学丛书：配器法基础教程（作曲卷）》系统讲述了弓弦乐器、键盘乐器、铜管乐器、打击乐器、拨弹乐器、木管乐器的性能、音区、音色、表现力以及在乐队中的使用等问题，深入浅出，通俗易懂。

目录

第一章 管弦乐队概述
一、乐器
二、乐器组
三、乐队
四、乐队音响的表现要素
习题

第二章 弓弦乐器与弓弦乐器组
第一节 弓弦乐器概述
一、乐器构造与发音原理
二、定弦音域音区
三、音色
四、指法把位
五、弓法
六、双音与和弦
七、特殊演奏技法
八、弓弦乐器组
习 题
第二节 旋律的配置
一、音乐织体中的旋律形态
二、弓弦乐器组的单声部旋律配置
三、弓弦乐器组的加厚式旋律配置
习题
第三节 合唱型四部和声的基本写法
一、音乐织体中的合唱型多声部形态
二、原型结构的配置
三、填充声部
四、原型结构的声部扩展
习题
第四节 和弦的配置
一、音乐织体中的和弦型多声部形态
二、弓弦乐器和弦音响的表现特色
三、和弦音响的平衡
四、弓弦乐器组单音、双音、多音奏法的乐器组合
习 题

第三章 木管乐器与木管乐器组
第一节 木管乐器概述
一、乐器构造与发音原理
二、音域 音区 力度 音色
三、演奏技巧
四、木管乐器组
习题
第二节 合唱型四部和声的单管式与双管式组合
一、单管式组合
二、双管式组合
三、单双管混合式组合
四、声部的同度重叠
五、声部的八度扩展
习题
第三节 木管乐器的音色结合
一、木管乐器音色结合的基本原则
二、木管乐器的同度重叠
三、木管乐器的八度重叠
四、加厚式旋律的音色结合
习题
第四节 和弦的配置
一、乐器声部排列法的音响特性
二、木管乐器和声的音响平衡
三、声部进行与和弦音的重复
习题

第四章 圆号
一、乐器构造与发音原理
二、音域 音区 力度 音色
三、演奏技巧
四、记谱
五、圆号在乐队中的运用
习题

第五章 木管乐器、圆号与弓弦乐器的组合
一、管弦乐配器布局的小规模配合
二、单声部旋律的异组音色结合
三、加厚式旋律的组合
四、多声部和声结构的组合
习题

第六章 铜管乐器与铜管乐器组
第一节 铜管乐器概述
一、乐器构造与发音原理
二、音域 音区 力度 音色
三、演奏技巧
四、铜管乐器组
习题
第二节 合唱型四部和声的铜管乐器组合
一、同音质的组合
二、不同音质的组合
三、声部的同度重复
四、声部的八度扩展
习题
第三节 单声部旋律的配置及音色结合
一、铜管乐器的音色结合
二、铜管乐器的同度重叠
三、铜管乐器的八度重叠
四、加厚式旋律的配置
习题
第四节 和弦的配置
一、硬音质铜管乐器的高音密集
二、中音区的密集填充
三、音质的软化
四、完整和弦结构在各类音色中的运用
五、乐器声部排列法的运用
习题

第七章 打击乐器及其在乐队中的运用
第一节 有固定音高的打击乐器
一、定音鼓
二、木琴
三、钟琴
四、排钟
习题
第二节 无固定音高的打击乐器
一、小鼓
二、大鼓
三、钹
四、三角铁
五、铃鼓
六、锣
七、响板
八、打击乐器组
习题

第八章 管弦乐全奏中的音质组合
第一节 单声部与加厚式多声部的音质组合
一、铜管乐器与木管乐器的同度重叠
二、铜管乐器与木管乐器的八度重叠
三、铜管乐器与弓弦乐器的同度重叠
四、铜管乐器与弓弦乐器的八度重叠
五、三个或三个以上乐器组的同度与八度重叠
六、不同乐器组之间加厚式旋律形态的组合
习题
第二节 多声部和声的音质组合
一、铜管乐器与木管乐器的双组组合
二、铜管乐器与弓弦乐器的双组组合
三、管弦乐全奏的组合
习题

后记

音乐自学丛书：作曲与和声的深度探索 第一卷：和声的骨架与色彩——传统与现代和声体系解析 本卷聚焦于音乐的垂直维度，深入剖析和声的运作机制、历史演变及其在当代音乐中的灵活运用。它不仅仅是一本枯燥的和声规则汇编，更是一部引导学习者建立稳固和声语汇、并勇于探索声音新边界的实用指南。 第一部分：基础与重建——调性体系的坚实地基 本部分从音乐的最小元素——音程和三和弦开始，系统性地构建起西方传统调性音乐的和声基础。 第一章：音程与和弦的物理基础 音程的听觉感知与物理结构： 探讨纯律、平均律的音质差异，以及人耳对不同音程的心理反应。重点解析大三度、小三度和纯五度在和声稳定感中的核心作用。 三和弦的构建与功能： 详述大、小、增、减四种三和弦的构成、转位及其在功能和声中的基本角色（主、属、下属）。通过大量的实例分析，强调和弦进行中重心的转移与平衡。 第二章：功能和声的逻辑脉络 七和弦的扩展与张力： 深入讲解属七和弦的解决规律，并拓展至九和弦、十一和弦、十三和弦的色彩变化。分析如何运用不完全和弦和添加音（如挂留音、经过音）来增加和声的细微动态。 连接与模特性和声： 详细阐述和弦连接的合法性与美学原则，包括平行五八度、平行三六度的处理。系统梳理从主调到关系小调、平行调的转调技巧，特别是通过变化和弦（如减七和弦、那不勒斯六和弦）实现的远关系转调。 低音声部的设计艺术： 强调低音线在定义和声进行中的决定性作用。分析固定低音与旋律性低音的差异，以及巴赫时代复调织体中低音的导向性功能。 第二部分：和声的色彩革命——拓展与非功能性语汇 本部分带领学习者跳出传统功能和声的束缚，探索十九世纪末至二十世纪初和声语言的激进化趋势。 第三章：印象主义与半音化和声 德彪西的色彩和弦： 深入剖析九和弦、十一和弦（特别是悬挂十一和弦）的“色彩化”用法，它们如何脱离明确的功能指向，转而服务于音色描绘。 平行和弦的运用与消解功能： 分析平行五度、平行四度的回归（如莫奈的音乐化身），以及如何通过音高组织而非功能关系来构建和声层。 增殖和弦与全音阶的引入： 研究增三和弦、增六和弦（意大利、法国、德国式）在模糊调性中心时的作用，并探讨全音阶在制造漂浮感和模棱两可的听觉效果上的潜力。 第四章：无调性与十二音体系的结构革命 十二音体系的构建原理： 详细解析舍恩伯格的十二音序列（Tone Row）的生成、转换（逆行、倒影、逆行倒影）及其组合规则。重点在于如何保持序列的内在逻辑性，同时避免传统调性暗示。 序列技巧在作品中的实践： 通过分析早期序列作品，展示如何处理序列的垂直组合（和弦化）和水平发展，以及如何避免出现“不自觉的调性中心”。 集群与微小音程： 探讨汉斯·艾斯勒和巴托克的集群和声，分析两个或更多相邻半音构成的音团如何在听觉上制造密度和“噪音感”。 第三部分：爵士乐与流行音乐的和声语法 本部分将理论应用于二十世纪的即兴与流行创作实践，探讨和声如何服务于节奏律动和即兴发挥。 第五章：爵士和声的拓展与替换 延伸音与色彩化属和弦： 详细讲解如何将九、十一、十三音应用于属七和弦，并重点区分11和b13、b9和5等变音的听觉效果。 和弦替换（Chord Substitution）： 掌握属和弦的ii-V-I进行中的Tritione替换法，以及如何使用平行和弦进行和声色彩的即时转换。 调式和声（Modal Harmony）的应用： 分析从多利亚、弗里吉亚等调式中直接提取和弦的技法，如何创造出既稳定又充满异域色彩的听觉背景，为即兴独奏提供更广阔的素材。 本书特色总结： 深度理论与应用并重： 每章均配有大量的古典、浪漫、现代及爵士乐谱例，确保理论与实际演奏听觉的紧密结合。 历史演进清晰： 读者将清晰地理解从巴赫的严格对位，到德彪西的色彩化，再到勋伯格的结构化十二音体系，和声语言是如何一步步扩展其表达范围的。 练习驱动学习： 包含大量设计精巧的“和声改造”练习，要求学习者将所学知识应用于现有曲段的改编和分析，而非仅限于完成既定的和弦序列。 第二卷：旋律的呼吸与形式的构建——复调、曲式与配器前的组织学 本书是作曲过程中不可或缺的“骨架设计”指南。在掌握了和声的“砖块”之后，本卷致力于指导学习者如何将这些砖块组织成宏大、逻辑清晰且富有生命力的音乐结构。它着重于音乐的时间性组织、线条的独立性以及不同乐器组合间的内在平衡。 第一部分：旋律的生命力——线条的逻辑与美学 旋律是音乐的直接表达，本部分深入探讨单线条的构成原则、与伴奏线条的关系，以及如何超越简单的主题片段。 第一章：动机的生成与发展 动机的最小单位与识别： 分析如何从一个短小的音型中提炼出核心的音乐动机（Motif），并理解其音高、节奏和轮廓的特征。 发展技法： 详述变奏曲核心技法，包括重复（移位、转调）、移置、片段化、增值与减值、倒影、回文等，展示动机如何在长时间内保持同一性并实现内在的有机发展。 旋律的呼吸与轮廓： 探讨旋律线在张力与释放（Tension and Release）中的起伏设计，如何利用音程的跨度、句子的长度和清晰的终止式来构建一个完整、可呼吸的乐句。 第二章：对位法的基本逻辑与实践 两条旋律的对话（二部对位）： 详尽介绍严格对位法中，不同“种”（Nota contra notam, 二音对一段等）的原则，重点关注如何解决垂直的和谐问题，同时保证水平旋律线的流畅性。 自由对位与织体生成： 从严格对位向自由对位的过渡。分析如何将对位技巧应用于主调音乐中，例如如何使用模仿、卡农、赋格的基本结构来丰富伴奏声部或创造复杂的中段。 复调织体的层级： 区分主调复调、等值复调（如巴赫的赋格）和伯辽兹/瓦格纳式的织体，理解不同层级线条间的权力分配，即哪些线条应被凸显，哪些应退居背景。 第二部分：音乐的建筑学——曲式结构与宏观布局 本部分是作曲的蓝图阶段，教授如何将小段落（动机、乐句、段落）组合成具有内在逻辑的大型结构。 第三章：小型曲式与段落组织 乐段（Period）的分析与写作： 详细解析陈述句与应答句的结构，理解如何通过终止式（完全终止、半终止）来界定乐段的完成度。 呈示部（Ternary Form, ABA）： 深入研究三段体在小型器乐曲、歌曲中的应用，重点分析A段与B段之间在调性、织体、和声色彩上的对比与统一性。 复合段与主题变形： 讲解如何通过“段落的段落化”来扩展ABA结构，以及如何运用变奏、模仿等手法使主题在不同段落中保持连续性。 第四章：奏鸣曲式的深度剖析与现代重构 古典奏鸣曲式的功能划分： 严谨拆解呈示部（主题的引入与对比）、展开部（动机的冲突与远转调）、再现部（主题回归与尾声的解决）的内在动力学。 对比元素的逻辑： 聚焦于奏鸣曲式中“主题A”（通常稳定、节奏清晰）与“主题B”（通常抒情、和声色彩丰富）之间的功能性对立与互补。 后古典时期的变形： 分析浪漫主义作曲家（如舒曼、勃拉姆斯）如何扩展和模糊奏鸣曲式的边界，例如引入更多的抒情段落、更复杂的展开部调性游移，以及“自由的奏鸣曲式”概念。 第三部分：节奏的动力学与时间感控制 节奏不仅是时间的划分，更是音乐情感张力的核心驱动力。 第五章：节奏的密度与驱动力 周期性与非周期性节奏： 探讨传统周期性节拍（如4/4, 3/4）的稳定感，以及如何通过附点、切分和复节奏（Polyrhythm）来制造内在的紧张感。 非传统节拍的运用： 教授如何处理不对称节拍（如5/8, 7/4）及其在民族音乐和现代音乐中的功能，强调其对听觉预期的颠覆作用。 速度的微妙变化： 分析渐快（Accelerando）与渐慢（Ritardando）在心理上的效果，以及如何使用细微的速度调整（如Rubato）来赋予旋律以人性化的“呼吸感”。 本书特色总结： 从微观到宏观的路径： 引导学习者从最小的动机单元开始，通过对位与发展技法构建线条，最终落脚于宏大的曲式结构。 强调内在逻辑： 拒绝“套用模板”，鼓励学习者理解奏鸣曲式、三段体等形式背后的功能性需求（对比、统一、解决），从而实现灵活的创新。 连接配器的前置准备： 优秀的曲式结构是成功配器的前提。本卷确保了作品的组织性，使后续的配器工作能够建立在坚实、清晰的结构基础之上。

评分☆☆☆☆☆

说实话，市面上关于配器的书籍不少，但真正能够深入浅出、兼具理论深度和实践指导的却不多。这本《音乐自学丛书：配器法基础教程（作曲卷）》是我近期遇到的一个惊喜。它不像某些书籍那样，上来就抛出大量枯燥的乐器学知识，而是巧妙地将理论与实际的配器案例相结合。我尤其喜欢书中对不同音乐风格下的配器策略的分析。例如，书中对比了巴洛克时期和浪漫主义时期在配器上的差异，以及这种差异是如何反映了不同时代的审美取向和音乐发展脉络的。这让我不仅仅是在学习“如何配器”，更是在理解“为什么这样配器”。书中提供的那些精心挑选的乐谱片段，以及作者对这些片段的细致解读，简直就是一份宝贵的“配器实战指南”。我曾经困惑于如何让自己的音乐听起来更具有“画面感”，读完这本书后，我才明白，原来配器不仅仅是为旋律铺垫，更是为音乐赋予色彩、质感和情绪。书中关于如何运用不同乐器组合来描绘场景、表现人物情绪的讲解，对我来说是颠覆性的。我能够通过书中提供的工具和方法，开始有意识地去构建我的音乐世界，让我的作品不再是纯粹的音符堆砌，而是能够触动人心的艺术品。

评分☆☆☆☆☆

老实说，我不是科班出身，对音乐的理解更多是凭着一股热爱和直觉。因此，在接触这本书《音乐自学丛书：配器法基础教程（作曲卷）》之前，我对配器这件事感到非常神秘，甚至有些望而却步。我总觉得那是一门需要深厚功底和专业知识的学问，普通人很难掌握。然而，这本书的出现，彻底改变了我的想法。它以一种极其平易近人的方式，将配器这个看似复杂的领域一点点地呈现在我面前。我尤其喜欢书中那些“接地气”的讲解方式，比如用形象的比喻来解释乐器的音色特点，或者用生活中的场景来类比配器的不同功能。这让我感觉自己不再是面对着一本冰冷的教科书，而是在和一个经验丰富的老师进行交流。书中的配器练习也是我最喜欢的部分，它不是那种空洞的理论练习，而是紧密结合了实际的创作需求，让我能够在动手实践中不断巩固和深化所学的知识。我曾经创作过一些简单的旋律，但总是觉得缺少了一些“味道”，读完这本书后，我尝试着按照书中的方法进行配器，结果完全出乎意料，原本单薄的旋律立刻变得生动起来，仿佛拥有了生命。这本书让我明白，配器并非高不可攀，而是可以通过学习和实践来掌握的一项技能，它能让我的音乐创作如虎添翼，更加富有表现力。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，在拿到这本《音乐自学丛书：配器法基础教程（作曲卷）》之前，我对配器这件事的认知非常有限，甚至可以说有些畏惧。总觉得这是一个需要天赋和大量实践才能掌握的领域，对于像我这样的普通音乐爱好者来说，可能永远也触及不到核心。然而，这本书彻底颠覆了我的看法。它并非简单地罗列乐器，而是从“为什么”开始，深入浅出地讲解了配器的逻辑和原则。我特别欣赏书中对动机和主题在配器中的处理方式的讲解。作者并没有仅仅告诉你“这里应该加什么乐器”，而是引导你去思考，如何通过不同的乐器组合来突出音乐的主题，如何通过音色和力度的变化来增强音乐的情感表达。例如，书中对比了同一段旋律在木管和铜管上的不同表现力，以及如何在弦乐的烘托下，让旋律更加突出，这给了我非常大的启发。我还发现，这本书对于初学者非常友好，它避免了使用过于晦涩的术语，而是通过大量的乐谱示例来辅助说明，甚至是一些非常基础的配器手法，书中都给出了详尽的解释和示范。这让我感到学习配器不再是遥不可及的梦想，而是可以通过努力和正确的方法来实现的目标。我已经开始尝试着对一些自己曾经创作的片段进行配器练习，效果令人惊喜，音乐立刻变得丰满和有层次感起来。

评分☆☆☆☆☆

作为一名音乐学院的学生，我接触过不少配器教材，但这本书《音乐自学丛书：配器法基础教程（作曲卷）》在我的印象中留下了深刻的印记。它最大的特点在于其“作曲导向”的配器视角。不同于很多侧重于乐器本身特性的教材，这本书更关注配器在音乐整体结构和情感表达中的作用。我非常欣赏作者对于“动机转化”和“主题发展”在配器层面的处理方法。书中通过大量案例，清晰地展示了如何运用不同的乐器组合和织体变化，来推动音乐的向前发展，如何通过音色和动态的对比，来塑造音乐的戏剧性。这一点对于提升我的作曲能力非常有帮助。我一直觉得自己的作曲作品在编配上总有些“用力过猛”或者“力度不足”，这本书恰恰给了我解决这些问题的思路。它教我如何根据音乐的情感需求，精准地选择乐器，如何做到“少即是多”，如何在恰当的时机引入强大的音乐能量。此外，书中对一些现代配器技法的探讨，也让我受益匪浅，它拓宽了我对配器可能性的认知。总之，这本书不仅仅是一本配器教程，更是一本关于如何用声音来“讲故事”的艺术指南，对于想要在作曲道路上更进一步的学子来说，绝对是一本不可多得的宝藏。

评分☆☆☆☆☆

这本《音乐自学丛书：配器法基础教程（作曲卷）》简直是打开了新世界的大门！作为一个一直以来都对作曲充满向往，但又苦于无从下手的业余爱好者，我尝试过很多方法，但总觉得隔靴搔痒，理论知识堆积如山，却无法转化为实际的音乐创作。这本书则完全不同，它不是那种枯燥的理论说教，而是循序渐进地引导读者理解配器的艺术。我尤其喜欢其中关于不同乐器音色特性和演奏技巧的详细阐述，以前我只是模糊地知道某些乐器听起来是什么感觉，但这本书让我明白为什么它们会产生这样的声音，以及如何在写作时充分发挥它们的优势。例如，书中对弦乐组的处理就非常到位，从独奏到齐奏，从长音到断奏，再到各种泛音和拨弦技巧，都一一列举并提供了直观的乐谱示例，这让我感觉仿佛置身于一个小型管弦乐队之中，能够亲手去“拨弄”那些美妙的音符。而且，它并没有止步于乐器本身的介绍，更重要的是如何将这些乐器有机地结合起来，形成丰富的织体和层次。这一点对我来说尤为重要，因为我常常苦恼于自己的音乐听起来总是“扁平”和“单调”。通过书中对不同声部配置的分析，我开始理解如何运用对比、呼应、叠加等手法来创造出立体感和空间感，让音乐的能量在听众耳边不断涌动。这本书的讲解方式非常清晰，即便是对于完全没有配器经验的新手来说，也能轻松理解。我迫不及待地想将学到的知识运用到自己的创作中，相信这本教材会是我音乐道路上不可或缺的伙伴。

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不错

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好

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比较专业的书，主要针对交响乐的配器

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好。。。。。。。。。。。。。。。。。。

评分☆☆☆☆☆

不错，包装很好，送货速度快

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好。。。。。。。。。。。。。。。。。。

评分☆☆☆☆☆

不错

评分☆☆☆☆☆

这本书很好的

评分☆☆☆☆☆

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