动人心弦的古典吉他名曲集 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

产品特色

编辑推荐

适读人群 ：音乐爱好者、吉他爱好者。

1.68首独奏曲+14首重奏曲，古典吉他一曲一本全；
2.品质优良，封面设计简约而不失典雅；

3.五线谱+六弦谱对照，满足不同层次读者的需要；
4.考级使用频率+难度参数配合，迅速提供学习路径；
5.演奏程度涵盖了初-中-高级水平弹奏，足矣让乐迷们爱不释手！

内容简介

本书搜集了国外著名的经典名曲，将其编成为古典吉他曲。改编后的乐曲既不失原曲风味，而且又适合吉他演奏。有独奏乐曲也有重奏乐曲。本书演奏程度涵盖了初-中-高级水平弹奏，并迅速抓住学习的重点和难点，奠定良好的基础。曲目上有着不同的风格，诠释着不同的音乐感觉。 古典吉他演奏风格朴实无华，它的音质纯朴，音色丰富。从弹奏姿势到手指触弦都有严格的要求，技巧需要精深，是吉他家族中艺术性，具有代表意义，适应面广泛，有深度，受艺术界肯定的一类。

作者简介

刘军， 吉他教育家，演奏家。中国古典吉他名师联盟常务理事，山东临沂阳光吉他学校校长，山东临沂大学音乐学院吉他专业导师,曾任《吉他之友》编委，《流行吉他》主编，中国吉他学会《吉他》杂志特约编委。迄今为止，刘军老师已编著、发行吉他教材及吉他曲集25本，吉他教学演奏CD、VCD5张，创作、改编了大量深受吉他爱好者喜爱的吉他独奏曲、重奏曲、练习曲、民谣吉他弹唱及摇滚电吉他曲。
刘军老师在古典吉他、民谣吉他、摇滚电吉他、弗拉民戈吉他的演奏、教学及教材编写方面，均取得了有目共睹的成就。几十年的吉他教学生涯，不断学习研究、创新总结，使他成为深蕴吉他教学方法与规律、原理与过程的吉他教育家。除了有多位学生考入音乐学院吉他专业、培养出普遍成绩好的学生之外，还培养出近百名吉他学校校长及专业吉他教师。

内页插图

目录

独奏乐曲
01.天空之城（四级）（001）
02.回忆（五级）（004）
03.你的微笑（三级）（006）
04.爱情故事（三级）（008）
05.土耳其进行曲（六级）（010）
06.慕情（三级）（014）
07.皮革探戈（七级）（016）
08.十一月的某一天（五级）（019）
09.D大调卡农（三级）（022）
10.小罗曼斯（四级）（025）
11.爱的纪念（四级）（028）
12.泪（四级）（030）
13.阿狄利达（六级）（032）
14.送别（二级）（033）
15.幻想曲（六级）（034）
16.看牛歌主题变奏曲（四级）（038）
17.玛拉奎那舞曲（四级）（042）
18.月光奏鸣曲（二级）（046）
19.C大调前奏曲（圣母颂）（三级）（048）
20.卡那里欧斯舞曲（七级）（051）
21.卡伐蒂娜（五级）（058）
22.童年的梦（四级）（061）
23.小行板圆舞曲（四级）（064）
24.G弦上的咏叹调（四级）（066）
25.华丽练习曲（九级）（068）
26.大序曲（十级）（075）
27.前奏曲（五级）（090）
28.献给爱丽丝（五级）（093）
29.前奏曲一号（六级）（098）
30.拉利亚的祭典（五级）（104）
31.阿尔罕布拉宫的回忆（七级）（110）
32.序曲（六级）（116）
33.演奏会用练习曲第一号（九级）（124）
34.樱花主题变奏曲（六级）（130）
35.绿袖子（三级）（136）
36.蜜蜂（四级）（139）
37.阿美利亚的誓言（五级）（142）
38.月光（三级）（144）
39.月光奏鸣曲（三级）（146）
40.少女的祈祷（四级）（148）
41.爱的罗曼史主题与变奏（七级）（150）
42.小奏鸣曲（六级）（155）
43.新年好（三级）（158）
44.波尔卡（二级）（160）
45.帕凡舞曲（四级）（162）
46.雨滴（四级）（164）
47.卡那里欧斯舞曲（八级）（167）
48.玛祖卡舞曲（三级）（174）
49.阿拉伯风格随想曲（八级）（176）
50.加洛普舞曲（五级）（181）
51.马可波罗主题与变奏（八级）（182）
52.梦中的森林（十级）（190）
53.最后的颤音（十级）（202）
54.莫扎特“魔笛”主题与变奏（八级）（210）
55.大圣堂（十级）（217）
56.委内瑞拉华尔兹第一号（四级）（226）
57.委内瑞拉华尔兹第二号（五级）（228）
58.委内瑞拉华尔兹第四号（七级）（230）
59.委内瑞拉华尔兹第五号（女郎）（五级）（234）
60.委内瑞拉华尔兹第六号（男孩）（五级）（236）
61.委内瑞拉华尔兹第三号（五级）（239）
62.阿斯图利亚斯的传说（九级）（242）
63.野蜂（七级）（251）
64.野蜂飞舞（级）（256）
65.镜中的安娜（四级）（260）
66.荒城之月变奏曲（级）（264）
67.春江花月夜（级）（272）
68.彝族舞曲（九级）（284）
重奏乐曲
69.回忆（二重奏）（296）
70.萨拉班德舞曲（三重奏）（298）
71.船歌（二重奏）（300）
72.舒伯特小夜曲（三重奏）（302）
73.浪漫华尔兹（二重奏）（304）
74.G弦上的咏叹调（二重奏）（306）
75.白色恋人（三重奏）（309）
76.康康舞曲（三重奏）（312）
77.埃尔卡欣布（三重奏）（314）
78.就在今天（三重奏）（316）
79.吟唱诗人（二重奏）（318）
80.午后的旅程（二重奏）（321）
81.太空演奏家（二重奏）（324）
82.卡门序曲（四重奏）（326）
附录（333）
一.常用符号其及说明（333）
二.音乐术语中外文对照（334）

弦上的低语：一部聚焦于二十世纪前卫音乐与电子声响的探索 图书名称： 弦上的低语：二十世纪前卫音乐与电子声响的迷宫 图书简介 本书并非对传统古典音乐，尤其是浪漫主义或巴洛克时期作品的梳理，而是深入挖掘了二十世纪初至世纪末，音乐艺术在面对社会剧变、技术飞跃以及哲学思潮冲击时所展现出的激进、实验与颠覆性面貌。它致力于构建一座连接战后序列主义、偶然音乐、极简主义，直至早期电子音乐与声音艺术的复杂地图。 我们拒绝将目光停留在那些广为人知的大师的成熟之作上，而是将聚光灯投向那些敢于撕裂既有美学框架的先驱者，他们的作品往往是那个动荡时代最真实、也最尖锐的声响记录。 第一部分：理性之巅与结构的分崩离析（1945-1965） 本部分聚焦于第二次世界大战后欧洲知识分子群体对传统音乐语言的深刻反思与系统性重构。 1. 序列主义的理性狂热与异化： 我们首先剖析了第二维也纳学派的继承者们，特别是皮埃尔·布列兹（Pierre Boulez）和卡尔海因茨·施托克豪森（Karlheinz Stockhausen）在《序列主义的早期宣言》中所体现的绝对控制欲。重点阐述了他们如何将十二音体系扩展至音高、时值、力度、音色等所有音乐参数，试图建立一个“自足的”整体结构。分析将深入到布列兹的《两首即兴曲》中对速度和力度的微观控制，以及施托克豪森《复调I》中复杂交织的结构层级。这种对理性的极致追求，最终导致了听觉上对传统旋律和和声的彻底疏离。 2. 偶然性与开放性：结构对听众的“移交”： 作为对序列主义过度严谨性的反动，我们详细考察了约翰·凯奇（John Cage）及其引入的东方哲学思想。重点解读了《4分33秒》这部作品的文本意义——它不再是“无声”，而是对环境噪音的接纳与“被动聆听”的训练。同时，深入分析了凯奇使用《易经》或随机数表来决定音符、时值或乐器选择的方法，探讨了“意图”在音乐创作中的消解。此外，还涉及厄尔·布朗（Earl Brown）和莫顿·费尔德曼（Morton Feldman）在处理开放性乐谱和长时间、极弱音处理上的差异性探索，后者对时间和空间感知的微妙操控是理解战后极简倾向的关键。 3. 音色探索：声响的“物质化”： 这一时期，音乐家开始超越“音高”的概念，将声音的物理特性本身视为创作的核心材料。对亨利·杜蒂耶（Henri Dutilleux）和扬·勒夫·法尔（Iannis Xenakis）的工作进行对比分析。杜蒂耶对管弦乐“微观结构”的精妙编织，如在《仇恨之光》中营造出的巨大音响漩涡，体现了对声学现象的细腻感知。而法尔，这位受过工程师训练的作曲家，则将概率论、数理统计和勃氏气体定律直接应用于音乐创作，探讨了“随机集合体”（Stochastic Music）如何模拟自然界和宇宙的宏大结构，特别是其对“密度”和“颗粒感”的强调。 第二部分：电子革命与合成的乌托邦（1950s-1970s） 随着磁带录音技术和早期合成器的出现，音乐创作的媒介发生了根本性的革命。本部分是关于“非乐器之声”的史诗。 1. 磁带音乐的诞生：录音室即乐器： 详细回顾了科隆的电子音乐工作室（WDR）和巴黎的声学/电子研究所（GRM）的早期争论与成就。格雷戈里奥·卡塞拉（Giacinto Scelsi）虽然主要依赖传统乐器，但其对音高的超微小滑音和复调的极致挖掘，预示了对纯净音色的追求。重点分析了埃德加·瓦雷兹（Edgard Varèse）的《反响之歌》（Poème électronique），这部作品在1958年布鲁塞尔世博会上首次亮相，标志着声音的“可塑性”达到了前所未有的高度，它完全由纯粹的电子声响、滤波、剪切和重组构成，是真正的“声音雕塑”。 2. 合成器的介入与模拟的黄金时代： 分析了Moog、Buchla等早期模块化合成器对音乐创作的解放作用。探讨了温迪·卡洛斯（Wendy Carlos）如何通过《奇想曲》将合成器的潜力推向主流，以及那些专注于声音合成而非传统记谱的作曲家，如伯纳德·帕梅蒂（Bernard Parmegiani），他们如何将声音的“纹理”和“空间运动”提升至叙事核心。这一阶段的电子音乐，是对人类听觉感官的全新训练。 3. 噪音、反馈与反美学： 本节关注那些将“不和谐音”和“电子噪音”直接纳入创作范畴的艺术家。介绍了卢·哈里森（Lou Harrison）对非西方乐器的借鉴，以及早期极简主义对重复和节奏的重新定义。特别深入探讨了阿尔弗雷德·施尼特凯（Alfred Schnittke）的“多风格主义”（Polystylism）——将巴洛克、浪漫主义片段与刺耳的电子噪音、尖锐的滑音和机械的重复并置，以揭示文化记忆的断裂与冲突。 第三部分：极简主义的回归与感知的极限（1960s-1980s） 当音乐的结构被解构到极致后，焦点转向了最基本的时间单元和感官体验。 1. 极简主义的本体论：循环与持续： 本书区分了早期的“过程音乐”和成熟的“极简主义”。深入分析了特里·莱利（Terry Riley）的《In C》如何通过简单的重复单元和灵活的指示，将创作的主动权交给演奏者和场地本身，强调了“当下发生”的体验。随后，考察了史蒂夫·赖希（Steve Reich）的“相位音乐”（Phasing），如《鼓声》和《音乐为18个音乐家》，解析了看似简单的重复如何通过细微的速度差，生成出复杂、涌现式的听觉幻象。 2. 缓慢的转向：超越时间的沉思： 探讨了拉蒙特·扬（La Monte Young）对“持续音”（Sustained Tones）的极致追求。他将注意力集中在极细微的音高修正（Just Intonation）和纯粹的频率叠加所产生的泛音共振上，试图通过长时间的听觉专注，引导听众进入一种近乎冥想的、时间感被拉伸的状态。这种探索与他对东方哲学，尤其是印度古典音乐的吸收密不可分。 3. 媒介的融合与拓扑学的音乐： 最后，本章回顾了前卫运动如何影响了后来的音乐流派。涉及戴维·图尔（David Tudor）对反馈电路的利用，将电子设备本身视为表演的一部分；以及斯坦·沃肖（Stanisiav Wozniak）等人对声音景观（Soundscape）的研究，即如何将音乐创作从“音乐厅”解放出来，置入到现实的声学环境中。 结语：在废墟之上重建聆听 《弦上的低语》总结了二十世纪前卫音乐家们对“何为音乐”、“何为作曲”的根本性拷问。他们的努力，无论是通过数学的精确计算，还是通过随机性的引入，抑或是对纯粹电子波形的雕琢，其最终目的都是为了打破听众对“悦耳”和“可理解性”的固有期望，迫使我们重新学习如何去倾听那些曾经被视为噪音、失控或过度理性的声音。这本书是为那些渴望探寻音乐边界，并对声音背后的哲学和技术革新感兴趣的读者准备的深度导览。