基本信息
书名：小汤山山水盆景艺术
定价：126.00元
作者：傅增杰
出版社：中国林业出版社
出版日期：2005-10-01
ISBN：9787503841200
字数：
页码：119
版次：1
装帧：平装
开本：16开
商品重量：0.4kg
编辑推荐
内容提要
《小汤山山水盆景艺术》是一本山水盆景集锦。每付盆景都配有相应的文字介绍，且中英文对照。此外，该书除了前文的专家述评，其余正文的内容均以黑色底纹相搭配，具有很强的艺术气息。
目录
在创造中享受艺术与生活乐趣
专家述评
师承画理 宛若天成
奇石盆景寓乾坤
方知殊观在匠心
匠心 出手惊世
气质 品质 个性
金奖杰作
作品1 仙隐四丑
作品2 黄山云雾
作品3 迎客松
作品4 双狮拜寿
作品5 塞外天地
作品6 鱼鳍山色
藏品佳作
作品7 琵琶行
作品8 天目山
作品9 千古不朽·孔子
作品10 祖国万岁
作品11 将相和
作品12 忠义风水流千秋
作品13 黄山云雾
作品14 海豚戏水
作品15 万壑千崖
作品16 二泉映月
作品17 双龙卧汤山
作品18 仰天长啸
作品19 万仞山
作品20 山舞银蛇
作品21 金牛望月
作品22 黑旋风
作品23 松石情
作品24 侠女拜山
……
作者介绍
文摘
序言
《山水画意境的诗意解读》 引言 中国山水画，以其独特的笔墨韵味和深邃的哲学意境，在世界艺术史上占据着举足轻重的地位。它并非对自然景物的简单描摹，而是艺术家心灵感悟与自然万象的契合，是“外师造化，中得心源”的极致体现。从魏晋时期的“以形写神”，到宋代的“气韵生动”，再到明清的“文人画”理论，山水画在不同历史时期，以其多元的面貌展现了中国古人对宇宙、人生、道德的思考。 本书旨在深入探讨中国山水画的诗意内涵，剖析其艺术语言背后的文化基因与哲学思想。我们将从山水画的起源与发展脉络入手，梳理历代名家大师的创作理念与风格演变，并结合具体的画作，解读其中蕴含的东方美学原则和人文精神。我们希望通过对山水画诗意的细致解读，能够唤醒读者心中那份对自然的热爱与敬畏，理解中国传统文化中“天人合一”的宇宙观，以及艺术家们如何通过笔墨将虚无缥缈的精神意象转化为触手可及的艺术呈现。 第一章：山水画的滥觞与雏形——从“意”的萌芽到“形”的初步构建 中国山水画的艺术萌芽，可以追溯到史前时期的岩画和早期陶器上的装饰性纹样。这些朴素的图像虽然尚未形成独立的绘画体系，却已经蕴含着对自然景物的初步观察和表达的意愿。进入先秦时期，随着哲学思想的兴起，“天人观”开始影响艺术创作。人们开始思考人与自然的关系，并尝试将这种思考融入到艺术表现之中。 春秋战国时期，漆画和帛画的出现，为山水画的形成奠定了基础。这些画作开始出现一些简单的山峦、树木、河流的描绘，虽然仍带有明显的装饰性和象征性，但已初步显露出对自然景象的关注。例如，战国时期楚墓出土的帛画《人物御龙图》，虽然以人物为主体，但背景中已勾勒出山峦的轮廓和流水的形态，预示着山水景物的独立表现的可能性。 魏晋南北朝时期，是中国艺术史上一个重要的转折点。随着佛教的传入和玄学的发展，人们的审美趣味发生了深刻的变化。士族阶层追求高雅脱俗的艺术风格，对山水景物的兴趣日益浓厚。山水画开始从依附于人物画的背景，逐渐独立出来，成为独立的画科。 东晋顾恺之在《洛神赋图》中，已经展现出将人物与山水景物融为一体的巧妙构思。虽然其山水描绘相对简略，但其“以形写神”的艺术主张，为后世山水画的发展指明了方向。他强调艺术家要捕捉对象的内在精神，而非仅仅模仿其外形。 同时期，宗炳提出了“山水画之理，不在水不远，而在得其神采。若夫增一分则太长，减一分则太短，非以得其神而何？”的论断，这无疑是中国山水画美学思想的经典阐述。他认为，山水画的最高境界在于“神似”，而非“形似”。艺术家应当通过笔墨的提炼和意境的营造，来传达自然的灵魂与精神。 更重要的是，东晋画家谢赫提出的“六法论”，其中“应物象形”和“随类赋彩”是描摹物象的基本法则，“传移模写”则是学习和传承技法的重要途径，而“经营位置”和“古今（虚实）”则指向了山水画的构图与虚实处理。“骨法用笔”则强调了线条在山水画中的重要性，为后世笔墨技法的探索奠定了基础。尤其是“气韵生动”作为“六法”之首，更是成为中国绘画的最高艺术标准，强调了作品所要传达的生命活力和精神气象。 这一时期，山水画的雏形已经显现，艺术家们开始尝试用笔墨来表现自然的壮丽与神秘，并初步构建了山水画的审美原则，为后世的繁荣发展打下了坚实的基础。 第二章：宋代山水画的巅峰——“可行”、“可望”、“可游”、“可居”的诗意空间 宋代是中国封建社会的鼎盛时期，经济繁荣，文化昌盛，哲学思想高度发达，为山水画的巅峰发展提供了丰沃的土壤。宋代山水画在继承魏晋南北朝和唐代的基础上，取得了突破性的成就，形成了独具时代特色的艺术风格，深刻地影响了后世。 宋代山水画的突出特点在于其“可行、可望、可游、可居”的诗意空间。这四字概括了宋代山水画的创作理念和观赏体验。 “可行”意味着画面具有深度和空间感，观者仿佛可以沿着画中的路径行进，一步步深入山林，体验自然的层次感和广阔感。这得益于宋代画家对“皴法”的精妙运用。皴法，是中国山水画特有的表现手法，通过不同方向、不同形态的线条和墨点，来表现山石的纹理、质感和体积感。如范宽的“雨点皴”，李唐的“斧劈皴”，关仝的“勾云皴”，郭熙的“卷云皴”等等，各有其独特之处，使得山石既有坚实的实体感，又显露出蓬勃的生命力。 “可望”则强调了画面的远景和全景式构图。宋代画家善于描绘高远、深远、平远等不同视角的山景，将辽阔的自然风光尽收眼底，让观者产生一种居高临下、纵览全局的壮丽感受。郭熙在《林泉高致》中提出的“山有四时，春为朝暮，夏为风雨，秋为晴晚，冬为雪晦”，以及对“山形”、“水流”、“树木”的细致观察和描绘，都体现了其对自然景物的深刻理解和高度概括。 “可游”则是一种沉浸式的观赏体验。宋代山水画常常通过描绘曲折的路径、飞流的瀑布、依稀的茅屋，引导观者进入画面的内部，仿佛可以随同画中人一同漫步于山水之间，感受那份宁静与超然。这种“游”的体验，不仅是空间的延伸，更是心灵的漫游。 “可居”则体现了中国古人对自然生活的热爱和向往。许多宋代山水画中，常常点缀着隐士的茅屋、寺庙的飞檐、悠然的渔舟，营造出一种人与自然和谐共生的理想境界。这反映了中国传统文化中“隐逸”情怀和“归隐田园”的价值取向，将自然视为心灵的栖息地。 宋代山水画大师辈出，各具特色。北宋的范宽以其雄浑壮阔的山水著称，其《溪山行旅图》展现了巍峨的山峦和磅礴的气势；李唐以其硬朗苍劲的笔力，描绘出险峻的山势，如《万壑松风图》；关仝则以其沉厚雄伟的山水，表现出山岳的肃穆；郭熙则以其“神气”论，强调山水的“意”与“韵”，其《早春图》更是表现出初春时节万物复苏的生机。 南宋的山水画则在继承北宋的基础上，发展出更加注重写意和笔墨情趣的风格。如马远、夏珪，他们常采用“一角”或“半边”的构图，留下大量的空白，营造出朦胧、空灵的意境，被后人称为“马夏风格”。这种留白的处理，不仅增加了画面的想象空间，也传递出中国哲学中“虚实相生”的观念。 宋代山水画不仅在技法上取得了极高的成就，更在思想上达到了新的高度。它将自然景物上升到哲学高度，赋予其深邃的文化内涵，使山水画成为表现中国文人心灵世界和宇宙观念的重要载体。 第三章：元明清山水画的革新与传承——文人意趣的浸染与地域风格的演变 元、明、清三个朝代，是中国山水画发展的重要延续和发展时期。这一时期，山水画在继承宋代高峰的基础上，不断进行着新的探索和革新，文人意趣日益浓厚，地域风格也愈发鲜明。 元代，由于蒙古族入主中原，许多汉族文人选择隐居，寄情山水。这一背景催生了元代山水画浓郁的文人气质。元代山水画强调“逸笔草草”，追求笔墨的自然和趣味，而非对景物的精工细致。代表人物如赵孟頫，他以“学古”为宗旨，继承宋人笔法，并融入自己的书写性笔墨，开创了“元四家”的先河。他的山水画温润秀丽，兼具文人的雅致和书卷气。 “元四家”——黄公望、王蒙、倪瓒、吴镇，是元代山水画的代表。黄公望的《富春山居图》以其流畅的笔墨和优美的意境，成为千古名作，展现了文人对理想隐居生活的向往。王蒙以其“卷云皴”的精妙运用，描绘出浓密繁复的山林，其《青卞隐居图》展现了山林的幽深与静谧。倪瓒则以其“折带皴”和简洁疏朗的构图，创造出清新脱俗的“逸笔”，其山水画常留有大片空白，意境空灵，如《水竹居图》。吴镇则以其雄浑厚重、苍劲古朴的山水见长，其《渔父图》展现了隐逸生活的闲适。 明代，山水画继承元代文人画的传统，并在技法和风格上进一步发展。明代初期，沈周、文徵明等“吴门画派”的兴起，为山水画注入了新的活力。沈周的山水画气势雄浑，笔墨苍劲，充满了生活气息。文徵明则以其秀丽雅致的笔墨，描绘出江南水乡的温婉之美。 明代中后期，董其昌的出现，对中国山水画的发展产生了深远影响。他提出的“南北宗论”，将山水画分为“南宗”（强调“笔墨”、“意趣”）和“北宗”（强调“工巧”、“设色”），并推崇“文人画”为正宗，对后世山水画的审美取向产生了重要影响。他本人擅长以“湿笔”表现云山烟树，意境空灵，如《层岩叠嶂图》。 同时期，浙派的仇英，作为少数职业画家，其山水画设色艳丽，工致精美，与文人画形成鲜明对比，代表了另一条山水画的发展路径。 清代，山水画在继承明代的基础上，出现了新的发展和演变。受西方绘画技法的影响，一些画家开始尝试新的表现手法。王翬、王鉴、王原祁、王石谷组成的“清初四王”，以“摹古”为宗旨，继承和发扬了元明山代画的传统，形成了“摹古派”，其山水画风格严谨，笔墨精妙。 另一位重要的画家是石涛，他打破传统，强调“我为山水，山水为我”，主张“笔墨当随时代”，其山水画充满了激情和创造力，笔墨纵横恣肆，意境雄浑，如《枉凝眉图》。 扬州画派的画家，如郑燮（郑板桥）、金农等，则以其独特的风格，为山水画注入了新的生命力。郑板桥的墨竹和山水，简练而富有诗意，充满人文关怀。 此外，地域风格在清代也日益明显。如“金陵八家”的笔墨苍劲，“扬州八怪”的奇崛多姿，都展现了不同地域文化对山水画创作的独特影响。 总而言之，元明清时期，山水画在文人意趣的浸染下，更加注重笔墨的情感表达和精神意象的传达。地域风格的演变，则为山水画增添了丰富的色彩和多元的面貌。这一时期，山水画在传承中发展，在革新中丰富，为中国山水画的辉煌历史写下了重要的篇章。 结语 中国山水画，是一部流动的历史，一部哲学的写照，一部心灵的诗篇。它不仅仅是描绘自然，更是艺术家们对宇宙人生的深刻体悟，是对东方美学精神的极致追求。从远古的萌芽，到宋代的巅峰，再到元明清的革新与传承，山水画始终是中国文化的重要组成部分，承载着中华民族的审美理想、哲学智慧和人文情怀。 通过对山水画诗意的深入解读，我们得以窥见古人“天人合一”的宇宙观，感受他们对自然的热爱与敬畏，理解他们如何通过笔墨将自然的壮丽与生命的律动融为一体。这种对山水精神的体悟，不仅是对艺术的欣赏，更是对生活态度的启发，对心灵的洗涤。 愿读者通过本书的探索，能够更加深入地理解中国山水画的博大精深，从中汲取艺术的滋养，获得心灵的慰藉，并在自己的生活中，发现和感悟那份属于山水的情怀。
评价五 “我对盆景艺术一直有着莫名的情愫，总觉得那是一种可以将自然浓缩、可以将意境凝固的神奇艺术。《小汤山山水盆景艺术》这本书，恰好满足了我对这种艺术的想象。我惊喜地发现，这本书不仅仅是一本关于盆景制作的书，更是一部关于如何理解和表达中国山水美学的著作。书中对“小汤山”这一特定地域山水特点的挖掘和再现，给我留下了深刻的印象。我了解到，原来地域的山水特色，可以如此鲜明地体现在微缩的盆景之中。书中对山体造型、水景处理、植被选择的详尽描述，让我对盆景创作的每一个环节都有了更深的认识。我尤其欣赏书中关于如何营造“宁静致远”的意境的论述，这种意境的营造，需要创作者具备深厚的文化底蕴和艺术修养。读这本书，我仿佛与一位经验丰富的盆景大师面对面交流，感受着他传授的不仅仅是技艺，更是一种对生命的理解和对艺术的热爱。它让我对盆景艺术有了更深刻的理解，也对如何将自然之美融入生活，有了新的感悟。这本书，无疑是一部值得反复品读的艺术瑰宝。”