古典音乐(海顿莫扎特与贝多芬的时代原版引进)(精)/诺顿音乐断代史丛书 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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孙国忠沈旋伍维曦... 编

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• 古典音乐
• 海顿
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• 音乐史
• 西方古典音乐
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• 音乐文化
• 艺术史
• 音乐理论

店铺： 土星图书专营店

出版社： 上海音乐

ISBN：9787552300932

商品编码：29674067095

开本：16

出版时间：2012-12-01

基本信息

• 商品名称：古典音乐(海顿莫扎特与贝多芬的时代原版引进)(精)/诺顿音乐断代史丛书
• 作者：***·唐斯|译者:孙国忠//沈旋//伍维曦//孙红杰
• 定价：148
• 出版社：上海音乐
• ISBN号：9787552300932

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2012-12-01
• 印刷时间：2017-11-01
• 版次：1
• 印次：6
• 开本：16开
• 包装：精装
• 页数：813

内容提要

诺顿音乐断代史丛书（The Norton Introduction to Music History）是美国诺顿出版 公司于二十世纪后期策划的一套音乐史系列丛书，共 有六部专著组成。分别由各个断代史领域的**学者 执笔，反映了当今音乐研究的新成果，堪称西方音乐 断代史论的**文本。这六部音乐断代史以周密详实 的史实论述、深人地道的音乐剖析、视野广阔的文化 诠释和条分缕析的清晰体例赢得了学界的普遍赞誉， 在英语世界被广泛采用为音乐专业研究生（及本科生 ）层面的重要教学和研究参考书目，同时也是广大音 乐爱好者深入了解音乐的**读物。诺顿音乐断代史 丛书延续了诺顿出版公司传播音乐学术的**传统。
    为西方音乐历史演进及其人文蕴涵的深人研究提供了 引发思考的论域和视角。
     ***·唐斯著的《古典音乐：海顿莫扎特与贝 多芬的时代（原版引进）（精）》为其中一册。
    

目录

插图列表
序言
**部分 源自巴洛克的过渡：1760年以前的音乐
第一章 十八世纪思想的背景艺术与哲人·作为哲学家的音乐家·“趣味”在十八世纪的重要性
第二章 社会中的音乐家
赞助体系·印刷与出版·公众音乐会的兴起·教学文献
第三章 私人音乐
华丽风格·通奏低音伴奏的独奏奏鸣曲·三重奏鸣曲·键盘独奏奏
鸣曲·情感风格·其他键盘乐形式·歌曲
第四章 公众音乐
交响曲·协奏曲
第五章 舞台上的词与乐
作为社交中心的剧院·歌唱家·戏剧传统·意大利正歌剧·宣叙
调与咏叹调·风格模拟曲·意大利喜歌剧·法国歌剧·意大利歌
剧·德语**的歌剧·伦敦的歌剧·巴黎的歌剧
第二部分 新风格的接受：1760—1780年的音乐
第六章 社会环境与哲学背景
美与崇高·文学的崇古之风·狂飙突进运动·“古典”的观念及其
对立面
第七章 音乐家的生存状态
音乐会组织·音乐出版业·音乐著作
第八章 家庭音乐
通奏低音奏鸣曲的进一步演变·键盘奏鸣曲·带有替换声部的键盘
奏鸣曲·弦乐三重奏·弦乐四重奏·弦乐五重奏·声乐
第九章 音乐会与教堂音乐
“古典主义的”交响曲的出现·交响协奏曲·独奏协奏曲·宗教仪
式音乐‘欧洲的罗马天主教音乐·欧洲非天主教的教堂音乐
第十章 歌剧
意大利正歌剧-变化中的意大利喜歌剧·意大利之外的正歌剧·法
国的喜歌剧·伦敦的喜歌剧·德国的喜歌剧
第三部分 海顿：成长中的大师
第十一章 早年岁月：1732—1760
早期生活·作品
第十二章 在艾斯特哈齐宫廷的初期岁月：1760—1770
始获承认·作品
第十三章 伟大的风格突破：1770--1779
海顿在艾斯特哈兹的职责·作品
第四部分 莫扎特：天才初露
第十四章 神童时代：1756—1773
**次巡回演出·返回故乡：萨尔茨堡与维也纳·意大利之行
第十五章 早期风格
**批键盘奏鸣曲·弦乐四重奏·交响曲·协奏曲·歌剧作品·教堂音乐
第十六章 “科罗莱多”岁月：1773—1781
赞助人。赞助体制下的作品·日趋拓展的表现空间·第二次巴黎之
行·萨尔茨堡的二度“雇员”生涯
第十七章 萨尔茨堡的高峰
键盘作品·带伴奏的奏鸣曲·不带键盘乐器的室内乐·交响曲·
小夜曲和嬉游曲·协奏曲-歌剧作品·宗教音乐
第五部分 古典风格的极盛期：1780—1800
第十八章 革命与变化的年代

好的，这是一份关于其他音乐史著作的详细介绍，完全不涉及您提到的那本《古典音乐（海顿、莫扎特与贝多芬的时代原版引进）（精）/诺顿音乐断代史丛书》的内容。 --- 西方音乐史的宏伟画卷：深度探索不同时期的音乐演进与文化背景 本系列丛书旨在为音乐爱好者、学生以及专业研究人员提供一套全面、深入且具有批判性视角的西方音乐史解读。它超越了简单的作曲家生平和作品罗列，而是将音乐置于其所处的时代、社会、哲学与技术背景之下进行考察，揭示音乐如何作为文化载体和艺术表达方式，在不同历史阶段中承担的角色与演变。 第一卷：中世纪的圣咏与世俗之声（约500年 – 1400年） 本卷聚焦于西方音乐的黎明时期，从古罗马帝国衰落到文艺复兴的前夜。我们将详细探讨以下核心主题： 一、格里高利圣咏的体系化与神学基础： 分析教会在音乐发展中的主导地位。深入研究九声部调式系统的建立、记谱法（纽姆谱）的起源及其对后世音乐理论的深远影响。重点解析圣咏文本的拉丁语特性与音乐如何服务于宗教仪式（如弥撒与日课）的需求。我们将考察不同地区圣咏传统的差异性，例如与法兰克王国及拜占庭文化的影响。 二、早期复调的萌芽与发展： 追溯平行定旋律（Organum）的早期形式，特别是奥尔加农的复调技巧如何从简单的平行四度、五度发展出自由定旋律和节奏的复杂性。我们将详尽分析巴黎圣母院乐派（Léonin, Pérotin）的成就，探讨他们的“有韵律的乐谱”（Modus）如何为后来的节奏理论奠定基础。 三、世俗音乐的兴起与吟游诗人： 研究宫廷文化中吟游诗人（Troubadours, Trouvères）和游吟乐师（Minnesänger）的作用。讨论世俗歌曲的主题（如骑士精神、爱情诗歌）以及他们使用的单音音乐结构。分析这些作品在民间流传的特点，以及它们如何与教会音乐的庄严形成鲜明对比。 四、14世纪的“新艺术”（Ars Nova）与节奏的解放： 探讨纪尧姆·德·马肖（Guillaume de Machaut）等作曲家如何通过 Isorhythm（等律）等复杂节奏技巧，将音乐推向新的高度。考察法国和意大利在“新艺术”发展中的不同侧重，以及这一时期音乐理论家对节拍和时间划分的精微思考。 --- 第二卷：文艺复兴的和谐与人文主义之光（约1400年 – 1600年） 本卷将焦点转向对人、理性与古典美的重新发现，以及音乐语言如何反映这一文化转向。 一、荷兰乐派与技巧的整合： 重点研究约翰内斯·丢普雷（Josquin des Prez）等“北方大师”的贡献。解析他们如何完善了模仿对位法，使多声部织体达到前所未有的平衡与清晰度。探讨“循环弥撒”的结构，以及音乐家在追求声部独立性与整体和谐感之间的巧妙平衡。 二、宗教改革与反宗教改革的影响： 分析马丁·路德对音乐的改革态度，特别是德语圣歌（Chorale）的诞生及其对后世德语音乐的决定性作用。同时，考察特伦特会议后天主教会对复调音乐的要求，以及帕莱斯特里纳（Palestrina）作品中如何体现“清晰可辨的文本”原则，确保音乐为宗教服务。 三、世俗音乐的蓬勃发展： 深入剖析法国香颂（Chanson）、意大利假面歌（Madrigal）的创作特点。重点分析牧歌在文本与音乐表现力上的革新，探讨如贾科莫·达·维罗纳（Giacomo da Venezia）等如何运用更具戏剧性的和声色彩和“文字描绘”（Word Painting）手法，表达强烈的个人情感。 四、乐器的专业化与早期键盘音乐： 探讨鲁特琴、维奥尔琴在贵族娱乐中的地位。研究威尼斯乐派（如加布里埃利）如何利用圣马可大教堂的建筑空间，发展出宏伟的双合唱团（Coro spezzato）和对位布局，预示着巴洛克“宏大风格”的到来。 --- 第三卷：巴洛克时期的激情与对立统一（约1600年 – 1750年） 本卷细致考察了音乐史上充满活力与戏剧性的巴洛克时代，重点关注“情绪理论”与“数字低音”的革命。 一、歌剧的诞生与早期发展： 追溯佛罗伦萨卡梅拉塔（Camerata Fiorentina）试图复兴古希腊悲剧的努力。分析蒙特威尔第（Claudio Monteverdi）如何通过“第二道习作”（Seconda Pratica）确立歌剧的初步范式，以及“通奏低音”（Basso Continuo）在和声支撑中的核心作用。考察早期歌剧对英雄叙事和人物情感的刻画。 二、协奏曲与奏鸣曲的成熟： 深入研究阿尔科安杰洛·科雷利（Arcangelo Corelli）对小提琴技巧的提升，以及维瓦尔第（Antonio Vivaldi）如何系统化“快-慢-快”的协奏曲结构。分析奏鸣曲（Sonata da Chiesa, Sonata da Camera）在室内乐中的地位，以及它们在确立调性功能和乐章划分中的重要性。 三、中欧的德奥音乐传统： 详述巴赫（J.S. Bach）的对位艺术巅峰，解析《赋格的艺术》和《平均律钢琴曲集》中对复调写作的系统性探索。同时，分析亨德尔（G.F. Handel）在清唱剧（Oratorio）领域的成就，特别是在塑造宏大合唱场面和戏剧张力方面的天赋。 四、巴洛克晚期的风格特征： 探讨“和声语言”的深化，包括对不协和音更自由的使用以及调性中心的确立。分析维也纳宫廷对音乐赞助的作用，以及巴洛克风格如何最终在1750年左右，随着巴赫的逝世而逐渐向更清晰、更注重旋律线条的“前古典风格”过渡。 --- 第四卷：古典时期的清晰、平衡与结构（约1730年 – 1820年） 本卷探讨音乐如何从贵族的装饰性艺术，转变为强调清晰结构、平衡比例和普世情感表达的典范时期。 一、洛可可与“敏感风格”（Empfindsamer Stil）： 分析早期的改革运动，如C.P.E. 巴赫的作品，如何开始偏离巴洛克的复杂对位，转向更细腻、更具个人色彩的情感表达，为奏鸣曲的清晰结构铺平道路。 二、奏鸣曲式的发展与成熟： 深入剖析海顿（Joseph Haydn）如何作为“交响曲之父”，系统化了四乐章结构（呈示部、展开部、再现部）的原则。探讨奏鸣曲式如何成为古典时期所有重要器乐体裁（奏鸣曲、室内乐、交响曲）的基石。 三、协奏曲、室内乐与歌剧的革新： 考察莫扎特（W.A. Mozart）在协奏曲中对独奏乐器与乐队之间“对话”的处理，特别是其歌剧在心理刻画上的突破，如《费加罗的婚礼》对社会阶层的讽刺。分析弦乐四重奏如何成为古典室内乐的最高典范。 四、贝多芬的过渡与浪漫主义的先声： 侧重分析路德维希·范·贝多芬（Ludwig van Beethoven）的创作历程，如何在他手中，奏鸣曲式的结构被极大地扩展和戏剧化。探讨他作品中英雄主义、个人意志与悲剧性主题的融合，以及这种内在的、以自我为中心的表达如何宣告了浪漫主义时代的来临。 --- 结语： 这套丛书的核心价值在于提供多维度的视角，帮助读者理解音乐是如何在历史的特定时刻，对人类经验作出回应的。我们强调音乐作品的语境化，而非孤立的分析，确保读者能够清晰地把握每个时代独特的审美标准、技术工具和文化驱动力。

评分☆☆☆☆☆

这本书的翻译质量，说实话，远超我的预期。很多音乐史著作的译本常常会因为术语的精准性或者风格的拿捏不当而大打折扣，但这一本显然投入了专业的团队进行校对和润色。那些德语或意大利语的专有名词被处理得既专业又流畅，没有那种生硬的翻译腔，读起来就像是原作者用中文在娓娓道来，节奏感把握得非常好。更让我印象深刻的是，译者在处理一些富有时代特色的文化背景描述时，似乎也注入了自己对那个时代的理解，使得文字的张力得以保留。这不仅仅是语言的转换，更是文化的桥接，让读者能够毫无障碍地沉浸到十八世纪欧洲的沙龙氛围和音乐厅的盛况之中。对于我这种希望获得最原汁原味学术体验的读者来说，一个优秀的译本简直是无价之宝。

评分☆☆☆☆☆

这套书的装帧设计真是让人眼前一亮，纸张的质感非常棒，拿在手里沉甸甸的，透露着一种古典的韵味。封面设计简洁又不失大气，那种排版和字体选择，一下子就把人带回了那个辉煌的音乐时代。我特别喜欢它内页的印刷质量，文字清晰，乐谱部分的插图也处理得十分到位，即使是对比那些年代久远的文献资料，也能看得出出版方在细节上的用心。翻阅起来，那种纸张摩擦的声音都带着一种仪式感，让人忍不住想泡上一杯茶，静下心来好好品读。它不仅仅是一本工具书或参考书，更像是一件可以收藏的艺术品，放在书架上，光是看着就觉得心情舒畅，是对我们这些热爱古典艺术的爱好者的一种精神上的慰藉。这种对实体书品质的坚持，在如今这个数字阅读盛行的时代，显得尤为珍贵，让我对接下来即将阅读的内容充满了期待，希望内容能和这精美的外壳一样厚重扎实。

评分☆☆☆☆☆

我花了些时间研究了一下这本书的整体结构和编排逻辑，感觉作者在处理跨越几个世纪的宏大叙事时，展现了惊人的条理性和洞察力。他们并没有采取简单的时间线罗列，而是巧妙地将音乐的演变与当时的社会背景、哲学思潮甚至是政治气候紧密地结合起来，让人明白了伟大作品诞生的土壤是多么复杂而肥沃。尤其是在描述不同作曲家学派之间的继承与反叛时，那种深入骨髓的分析令人拍案叫绝，完全不是那种蜻蜓点水的概述，而是真正挖掘到了核心的音乐语言变革。我发现它在讲解一些晦涩的对位法或者和声进行的具体案例时，采用了非常直观的比喻，即便是对音乐理论不太精通的读者，也能大致把握住那个时代音乐家们面临的挑战和取得的突破。这种深入浅出的叙事能力，是很多同类著作难以企及的。

评分☆☆☆☆☆

这本书带给我最大的震撼在于其对“断代”这一概念的重新定义。它不是简单地把历史划分为几个固定的区块，而是着重强调了不同风格之间那种微妙的过渡与张力，那种“旧的尚未完全死去，新的已然在萌芽”的状态被描绘得淋漓尽致。我以前总觉得海顿和贝多芬的风格界限分明，但读完后才意识到，其实他们的创作轨迹中充满了相互的渗透和影响，很多后世被认为是贝多芬式的激昂，其实在海顿晚期的作品中已经埋下了伏笔。作者通过细致入微的曲目分析，成功地打破了我们对经典作曲家刻板的标签化认知，展示了他们作为活生生的人，如何在时代洪流中摸索、挣扎与创新。这种动态的、充满生命力的历史观，极大地丰富了我对音乐史的理解深度。

评分☆☆☆☆☆

从一个音乐爱好者的角度来看，这本书的参考价值和启发性是无与伦比的。它提供了一个坚实的骨架，让我在聆听这些经典作品时，不再是孤立地欣赏旋律的美感，而是能将其放置在一个宏大且细致的历史脉络中去品味。比如，当我在听某首奏鸣曲时，会下意识地去思考它在当时的首演背景、听众的反应，以及它如何呼应或挑战了当时的主流审美，这种多维度的理解让每一次重听都像是一次全新的发现之旅。它激发了我更深入探索原始文献和相关时期艺术史的欲望，无疑成为了我音乐资料库中一颗闪耀的知识核心。这本书的价值不在于它告诉你“什么”是伟大的，而在于它耐心地解释了“为什么”这些作品会成为伟大，这对于任何一个想要超越“粉丝”层面，真正理解古典音乐精髓的人来说，都是一份不可多得的厚礼。