正版 中西方音乐史考试纲要 第2版 艺术 音乐 音乐理论 音乐史 音乐考试 上海音乐学院 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

田可文著 著

图书标签:

• 音乐史
• 中西方音乐史
• 音乐理论
• 音乐考试
• 上海音乐学院
• 艺术
• 教材
• 考试纲要
• 第2版
• 正版

店铺： 弗洛拉图书专营店

出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787806928851

商品编码：29565475087

包装：平装

开本：16

出版时间：2013-07-01

商品参数

中西方音乐史考试纲要(第2版)
	定价	45.00
	出版社	上海音乐学院出版社
	版次	2
	出版时间	2013年07月
	开本	16开
	作者	田可文著
	装帧	平装
	页数
	字数
	ISBN编码	9787806928851
	重量	546

内容介绍
　　 “中国音乐史”与“西方音乐史”是当前全*高 等艺术院校硕士研究生考试的必考科目。田可文编著 的《中西方音乐史考试纲要》（第2版）是采用考试 学的方法来撰写的。其目的是为学生报考高等艺术院 校研究生考前使用，有较强的针对性与实用性，可以 使学生在zui短的时间内掌握必须的内容。《中西方音 乐史考试纲要》（第2版）也可作为音乐艺术院校在 校学生修毕《中国音乐史》和《西方音乐史》课程后 的结业考试时使用。

目录

第壹编 中国音乐史  
　第壹章 远古及夏商的音乐  
　第2章 周秦的音乐  
　第三章 两汉三国的音乐  
　第四章 两晋南北朝的音乐  
　第五章 隋唐五代的音乐  
　第六章 宋金元的音乐  
　第七章 明清的音乐  
　第八章 民国时期的音乐  
　第九章 新中国成立以来的音乐  
第2编 西方音乐史  
　第壹章 古希腊罗马的音乐  
　第2章 中世纪的音乐  
　第三章 文艺复兴时期的音乐  
　第四章 巴洛克时期的音乐  
　第五章 古典主义时期的音乐  
　第六章 浪漫主义时期的音乐  
　第七章 印象主义时期的音乐  
　第八章 二十世纪的音乐  
第三编 与音乐史相关的概念  
　第壹章 与中国音乐史有关的名词及人物  
　第2章 与西方音乐史有关的名词  
第四编 需要熟悉的音乐作品  
　第壹章 中国音乐作品  
　第2章 西方音乐作品  
附录：考试模拟题  
　一、中国音乐史试题  
　 中国音乐史试题（参考答案）  
　二、西方音乐史试题  
　 西方音乐史试题（参考答案）  
　主要参考书目  
　后记 显示全部信息

好的，这是一本关于西方音乐史和音乐理论的权威著作的简介，其内容与您提供的书名无关： 《古典与浪漫的辉光：西方音乐史与鉴赏导论》 作者： 费尔南多·马丁内斯 / 安娜·科瓦奇 联合撰著 出版社： 环球艺术文库 装帧： 精装，附赠高清音频资料链接 页数： 980页 导言：跨越时空的聆听之旅 《古典与浪漫的辉光：西方音乐史与鉴赏导论》并非一本枯燥的史料汇编，而是一部引导读者深入理解西方音乐发展脉络、美学思想演变及其社会文化背景的综合性指南。本书旨在搭建一座坚实的桥梁，连接古代的素朴之声与十九世纪的宏伟交响，让读者在聆听中体验历史的重量与艺术的魅力。从格里高利圣咏的神秘肃穆，到巴洛克的华丽繁复，再到浪漫主义的激情澎湃，本书以清晰的叙事结构和深入的专业分析，勾勒出西方音乐近千年的发展轨迹。 第一部分：中世纪与文艺复兴的奠基（约 450 – 1600 年） 本部分详述了西方音乐如何从单一的宗教仪式声响中逐步独立，并发展出复调音乐这一革命性的技术。 中世纪的曙光： 深入探讨了格里高利圣咏的结构、记谱法的起源（纽姆符号到五线谱的演变），以及早期世俗音乐——游吟诗人（Troubadour/Trouvère）歌曲的社会功能。重点分析了巴黎圣母院乐派（Léonin 和 Pérotin）如何突破了奥尔加农（Organum）的限制，为后世的对位法奠定了基础。 文艺复兴的觉醒： 详细阐述了“人文主义”思想对音乐创作的影响。重点分析了奥兰多·迪·拉索（Orlando di Lasso）和乔斯昆·德普雷（Josquin des Prez）在弥撒曲和经文歌（Motet）创作中的精湛技巧，特别是“模仿对位”的成熟运用。本章还专门辟出章节，聚焦于早期世俗音乐形式——法国香颂（Chanson）和意大利牧歌（Madrigal）如何通过对文本的细腻处理，展现了早期音乐表情的尝试。 第二部分：巴洛克时代的辉煌与张力（约 1600 – 1750 年） 巴洛克时期是音乐史上一次剧烈的变革，它诞生了歌剧、协奏曲和奏鸣曲等核心体裁。 歌剧的诞生与早期发展： 追溯佛罗伦萨卡梅拉塔（Florentine Camerata）对希腊悲剧的理想化重构，分析了“主导曲调”（Recitative）和“咏叹调”（Aria）的结构确立。重点对比了蒙特威尔第（Monteverdi）在《奥菲欧》中对情感冲突的表现与克劳迪奥·兰迪（Claudio Lanzi）在早期威尼斯歌剧中的商业化倾向。 器乐的独立与规范化： 详细剖析了巴赫（J.S. Bach）和亨德尔（G.F. Händel）的艺术成就。在巴赫的部分，本书深入解读了《平均律钢琴曲集》在调性体系上的革命意义，以及赋格曲（Fugue）的严谨结构。对于亨德尔，则聚焦于其清唱剧（Oratorio）中宏大合唱的戏剧张力。此外，本部分也详尽介绍了维瓦尔第（Vivaldi）协奏曲的“快-慢-快”结构，以及科雷利（Corelli）奏鸣曲的规范化贡献。 第三部分：古典主义的秩序与清晰（约 1730 – 1820 年） 古典主义时期追求理性、平衡与普适性，确立了至今仍是西方音乐骨架的结构范式。 体裁的标准化： 重点解析了奏鸣曲式（Sonata Form）的呈示部、发展部和再现部的内在逻辑与功能。同时，详细介绍了交响曲（Symphony）和弦乐四重奏（String Quartet）在海顿（Haydn）手中如何从宫廷娱乐发展成为严肃的艺术表达。 维也纳三杰的鼎立： 对莫扎特（Mozart）的旋律天才、歌剧创作中的人物刻画，以及贝多芬（Beethoven）如何通过对既有形式的拓展，特别是对发展部的强化和尾声（Coda）的史诗化处理，开启了浪漫主义的先声，进行了细致的比较分析。本书特别强调了贝多芬中后期作品中蕴含的个人英雄主义哲学。 第四部分：浪漫主义的抒情与探索（约 1800 – 1910 年） 浪漫主义音乐将主观情感、民族精神和超自然想象置于核心地位，音乐语言变得更加丰富、色彩更加浓烈。 钢琴音乐的革命： 考察了肖邦（Chopin）如何将民族舞曲（如马祖卡、波兰舞曲）提升到高度精致的艺术形式，以及李斯特（Liszt）在标题音乐和交响诗（Symphonic Poem）方面的开创性工作。 歌剧的民族化浪潮： 探讨了德意志歌剧从韦伯（Weber）到瓦格纳（Wagner）的演变。本书尤其侧重于瓦格纳的“主导动机”（Leitmotif）理论及其对音乐戏剧整体性的影响。同时，对比分析了威尔第（Verdi）在意大利歌剧中对人声和戏剧真实性的坚持。 晚期浪漫主义的极限： 分析了勃拉姆斯（Brahms）对古典传统的继承与发展，以及马勒（Mahler）在交响曲中对宇宙、死亡和人生的宏大追问，以及其配器上对管弦乐队的极致开发。 第五部分：二十世纪的多元与解构（约 1900 年至今） 二十世纪是音乐史上最为动荡和实验性最强的时期，传统调性体系被颠覆，新的声音和技术不断涌现。 印象主义与表现主义： 考察了德彪西（Debussy）如何利用音色和和声的模糊性来捕捉瞬间印象，以及勋伯格（Schoenberg）如何从德彪西的影响转向无调性（Atonality）的探索，并最终确立了十二音体系（Twelve-Tone Technique）的规则。 新古典主义与民族主义的再现： 探讨了斯特拉文斯基（Stravinsky）如何从《春之祭》的原始冲击力转向对巴洛克和古典结构的借鉴（新古典主义），以及巴托克（Bartók）如何将东欧民间音乐元素系统地融入现代作曲语言中。 电子、随机与极简主义： 简要介绍了战后先锋派（如皮埃尔·布列兹 Pierre Boulez）的序列音乐，以及约翰·凯奇（John Cage）的偶然性音乐对“音乐”定义的挑战。最后，以史蒂夫·赖希（Steve Reich）和菲利普·格拉斯（Philip Glass）的极简主义作为对二十世纪结构化倾向的回应，为全书画上句点。 本书特色： 1. 结构导向分析： 每当介绍新的体裁时，本书都提供详细的乐谱图解（简化版），直观展示曲式结构，而非仅停留在历史叙述层面。 2. 文化语境植入： 每一章节都探讨了音乐风格与当时的哲学思潮、政治事件和绘画艺术的相互影响，提供全面的“艺术史”视野。 3. 鉴赏建议（附带资源）： 附赠的音频资源列表（由专业音乐评论家精选）涵盖了从古至今的典范录音，帮助读者将理论知识立即转化为实际的聆听体验。 《古典与浪漫的辉光》是音乐专业学生、历史爱好者以及所有希望系统提升音乐鉴赏能力的读者的理想教材和参考书。它不仅仅记录了“谁在何时写了什么”，更深刻地探讨了“这些音乐为何如此重要，以及它们如何塑造了我们今日的听觉世界”。

评分☆☆☆☆☆

对于我个人而言，这本书最大的价值在于它提供的“考试策略指导”的巧妙融入。虽然它是一本专业的学术参考书，但字里行间流露出的，是对如何高效通过考试的深刻洞察。它在讲解完某个历史时期的核心知识点后，往往会附带一些“应试点睛”的提示，比如哪些概念是高频考点，哪些细节容易混淆，甚至会模拟性地给出一些经典题目的解题思路。我不是单纯地把它当作知识的仓库，而是把它当作一个精密的“应试地图”。通过这本书的指引，我能够更精准地分配我的复习时间和精力，避免在一些偏冷门的知识点上过度纠缠，从而把重心放在那些最能体现考生综合理解力的核心内容上。这种实用性与理论深度的完美结合，让它的性价比瞬间提升了一个档次，绝对是备考路上的神助攻。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计实在是太令人惊喜了！拿到手的时候，我立刻就被它那种沉稳又不失活泼的气质吸引住了。封面选用的纸张质感非常棒，摸上去有一种哑光的细腻感，颜色搭配上也很有心思，主色调是那种深沉的学院蓝，配上烫金的字体，显得既专业又大气。内页的纸张选用的是偏米白的护眼纸，长时间阅读下来眼睛也不会觉得特别疲劳，这一点对于我们这种需要啃厚书的学生来说简直是太友好了。而且，这本书的开本设计得恰到好处，既保证了版面内容排版的舒适度，又方便携带，我经常把它塞进我的书包里，去图书馆或者咖啡馆都能随时拿出来翻阅。装订方面也看得出是用心了，书脊结实耐用，即便是频繁翻阅，书页也不会轻易松动脱落，这种细节上的用心，真的体现了一家出版社的专业素养。总的来说，这本书的“颜值”完全对得起它深厚的内涵，让人从视觉和触觉上都得到了极大的满足，可以说是内外兼修的典范。

评分☆☆☆☆☆

我必须称赞一下这本书在内容更新和学术前沿捕捉上的速度。要知道，音乐史的研究是一个持续发展的领域，总有新的考古发现或者新的理论视角不断涌现。这本书的“第2版”名副其实，它明显融入了近些年学术界的一些新讨论和新成果，而不是简单地重复前一个版本。比如，我在学习近现代音乐部分时，发现其中对于20世纪下半叶电子音乐和先锋派音乐的介绍，相比我以前参考的资料要更加与时俱进，它没有回避那些充满争议性的领域，反而以一种审慎而开放的态度去探讨了它们在音乐史谱系中的位置。这对于我们准备高水平考试来说至关重要，因为评卷老师肯定希望看到学习者掌握的是当前最新的学术共识和研究热点。这种紧跟时代步伐的严谨态度，让我对它的权威性更加信服。

评分☆☆☆☆☆

我最近沉迷于一种非常独特的学习方法，就是通过梳理不同学科之间的内在联系来加深理解，而这本书在这一点上做得简直是教科书级别的示范。它不仅仅是简单地罗列中西方音乐史上的重要事件和人物，更巧妙地将不同文化背景下的音乐发展脉络进行了深层次的对比分析。比如，书中对于巴洛克时期在欧洲的合唱复调发展，和同期中国传统戏曲中板腔体的成熟，两者在结构逻辑和审美追求上的异同，分析得非常透彻。这种跨文化、跨时空维度的比较，极大地拓宽了我的视野，让我不再局限于单一的音乐体系内部进行线性学习。我发现，通过这种横向和纵向的交织梳理，很多原本觉得晦涩难懂的概念，一下子就变得豁然开朗了。这种打破壁垒的编排方式，对于培养系统性的历史思维是极其宝贵的财富，我强烈推荐给所有对音乐理论有更高追求的探索者。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格简直是酣畅淋漓，它没有陷入那种故作高深的学术术语堆砌，反而用一种非常清晰、甚至带着点人文关怀的笔触来叙述那些宏大的历史进程。读起来的感受就像是与一位经验丰富、充满热情的音乐史学家面对面交流，他不仅告诉你“发生了什么”，更重要的是，他能让你感受到“为什么会发生”以及“这对于当时的社会意味着什么”。尤其是一些关键的音乐流派转折点，作者的处理非常细腻，比如从古典主义到浪漫主义的过渡，书中不是用生硬的年代划分来界定，而是通过对贝多芬晚期作品风格的深入剖析，将“个人情感的解放”这一核心驱动力描绘得淋漓尽致。这种叙事的力量，远比干巴巴的知识点罗列要强大得多，它真正点燃了我对音乐史学习的热情，让我体会到历史的鲜活与张力。