正版 莫扎特钢琴作品全集 音乐教材 上海教育出版社 为专业学习钢琴演奏的常乐谱 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 上海教育出版社

ISBN：9787544448260

商品编码：29564708512

丛书名： 维也纳原始版系列乐谱 莫扎特钢琴作品全集

出版时间：2010-06-01

商品基本信息,请以下列介绍为准
商品名称：	莫扎特钢琴作品全集
作者：	无 著作 著 [其他著作者](奥) 莫扎特 作曲 著
市场价：	285元
ISBN号：	9787544448260
出版社：	上海教育出版社
商品类型：	图书

其他参考信息（以实物为准）
装帧：盒函装	开本：8开	语种：中文
出版时间：2010-06-01	版次：1	页数：
印刷时间：2013-06-01	印次：3	字数：

目录

前言  演奏评注  Vorwort  Hinweise zur Interpretation  Preface  Notes on interpretation  Preface  Notes sur l'interpretation  资料首字母缩写  1  奏鸣曲/KV279  2  奏鸣曲/KV280  3  奏鸣曲/KV281  4  奏鸣曲/KV283  5  奏鸣曲/KV284  6  奏鸣曲/KV309  7  奏鸣曲/KV310  8  奏鸣曲/KV311  9  奏鸣曲/KV309，第三乐章  第116-132小节，《作品全集》中的版本  版本评注

内容简介

《莫扎特钢琴作品全集》为莫扎特创作的钢琴乐谱维也纳原始版全集。为专业学习钢琴演奏的常选乐谱。此次翻译引进的是维也纳原始出版社出版的净版本乐谱。该类乐谱由专业的音乐学者与音乐编辑经过多方考证*后确定， 因此具有很高的引进和翻译价值。译者为的音乐学者，通晓多种外语，包括英语、法语、德语等，是翻译该版本的合适人选。

乐海扬帆：一部探寻古典钢琴艺术精髓的深度指南 书名： 钢琴演奏的奥秘：从巴赫到德彪西的风格演变与技术精进 作者： 维克多·施特劳斯 (Victor Strauss) 出版社： 环球艺术文库 页数： 880页 装帧： 精装，附赠高分辨率乐谱插图集 --- 内容简介： 本书并非仅仅是一本钢琴技巧的汇编，而是一部深刻剖析古典钢琴艺术发展脉络，旨在指导严肃学习者实现演奏技巧与音乐理解双重飞跃的权威著作。作者维克多·施特劳斯，一位享誉国际的钢琴教育家和演奏家，以其跨越半个世纪的教学与舞台经验为基础，构建了一个从巴洛克晚期到印象主义初期的完整艺术图景。全书结构严谨，论述深入，旨在为有志于专业演奏的学子提供一套系统、前瞻性的学习框架。 全书共分为七个主要部分，辅以大量的历史背景分析、演奏法对比及对特定难点段落的详尽技术剖析。 第一部分：键盘的黎明——巴洛克时期的审美与触键哲学 (约150页) 本部分着重探讨了巴赫、亨德尔等大师作品背后的“功能和声”逻辑和“织体对位”的演奏要求。它深入剖析了巴洛克音乐中“速度之美”与“线条清晰度”的平衡。 触键的“颗粒感”与“分离度”： 详细论述了如何通过指尖的精确控制，实现复调声部间的清晰划分，避免现代钢琴带来的粘滞感。书中特别辟出章节，用图解方式对比了羽管键琴、大键琴的机械结构对演奏风格的影响，并将其转化为现代钢琴上的指法模拟策略。 装饰音的“历史准确性”： 提供了详尽的装饰音执行手册，不仅限于音符的增减，更强调了其节奏上的内在逻辑和情感功能，指导演奏者如何在即兴与规范之间找到平衡点。 赋格的“对话艺术”： 侧重于将复杂的对位结构转化为清晰的声部轮廓，要求学习者不仅要“弹奏和弦”，更要“引导旋律线”，确保每一声部都具有独立的生命力。 第二部分：古典主义的典范——清晰、平衡与结构美学 (约120页) 聚焦于海顿、克莱门蒂以及莫扎特早期作品，本部分将古典主义的“清晰性”和“比例感”置于核心地位。 奏鸣曲式结构的内化： 强调演奏者必须深刻理解呈示部、发展部、再现部的结构功能，并通过力度、音色和节奏的细微变化，引导听众感知主题的逻辑推进与冲突解决。 “歌唱性”的平衡： 探讨如何在保持古典的优雅与克制的前提下，赋予旋律以歌剧般的呼吸感。书中详细分析了如何利用踏板的“轻柔悬浮”而非“沉重覆盖”，来支撑长线条的乐句。 技术上的“均匀性”挑战： 针对古典作品中频繁出现的快速音阶和分解和弦，提出了针对性的指法训练方案，旨在消除音与音之间的微小速度差异。 第三部分：贝多芬的革命——力量、冲突与英雄叙事 (约180页) 本部分是全书的高潮之一，探讨了贝多芬如何将钢琴从室内乐乐器推向了富有戏剧张力的舞台焦点。 “力度记号的再诠释”： 深入研究贝多芬使用 sforzando 和 subito piano 的戏剧性目的。作者提供了一系列针对现代钢琴共鸣特性的技术调整，以确保力度对比既能达到作曲家要求的震撼力，又不损害乐器本身的声学完整性。 节奏的“内在驱动力”： 重点分析了贝多芬晚期作品中复杂的节奏切分和不对称性，指导演奏者如何保持整体的能量流，避免节奏上的松散或僵硬。 踏板的“色彩运用”： 详细考察了贝多芬时代踏板使用的局限性与可能性，并探讨了在现代钢琴上如何借鉴其踏板意图，实现更深层次的音色融合与分离。 第四部分：浪漫主义的色彩——情感的抒发与音色的魔术 (约160页) 跨越舒曼、肖邦、李斯特，本部分聚焦于钢琴音色表达的极大拓展。 肖邦的“指尖诗学”： 专门研究肖邦对指甲、指肉与琴键接触角度的细微要求。书中详细分解了如《夜曲》和《叙事曲》中的波兰民间节奏元素，以及如何通过细腻的指法变化来模仿人声的颤音和呼吸。 李斯特的“超技”哲学： 不仅关注手指力量的极限训练，更强调了“宏大结构下的内敛情感”。书中包含了大量关于双手交叉、大跨度跳跃的预备性练习，重点在于如何在高难度技术下保持音乐的连贯性。 音色的“绘画感”： 探讨如何利用延音踏板和不同触键深度，在钢琴上描绘出“雾气弥漫”、“阳光穿透”等视觉化的音响效果。 第五部分：德彪西与印象主义的声响探索 (约100页) 本部分引导读者从功能和声体系中解放出来，进入对纯粹音色与氛围的追求。 “非功能性”的和声处理： 讲解如何理解全音阶、五声音阶以及平行和弦在德彪西音乐中的作用，以及如何避免将这些和声视为传统意义上的“错误进行”。 节奏的“流动性”： 侧重于取消明显的节拍重音，追求一种水波般自然起伏的节奏感。 “透明度”的追求： 如何在厚重的和声织体中，通过极轻的力度和精确的踏板控制，实现声音的半透明效果。 第六部分：演奏家的技术精修：效率与预防 (约80页) 本部分专注于纯粹的演奏技术训练，旨在提升效率、减少疲劳和预防伤害。 手腕与前臂的“能量传导”： 提供了基于生物力学的训练方法，强调如何利用身体的重量而非单纯的手指肌肉来驱动琴键，确保长时间演奏的持久性。 “慢速精炼”的艺术： 提出了一套系统化的慢速练习流程，强调在极慢速下对每一个音符的触键、离键、以及乐句呼吸点的雕琢。 琶音与和弦的“统一化”训练： 针对跨越八度的大型琶音，提出了一种结合手掌稳定性和手指柔韧性的综合训练体系。 第七部分：舞台呈现与排练策略 (约70页) 超越技术本身，本书最后一部分关注专业演奏的临场发挥与长期规划。 记忆的可靠性构建： 探讨了“分析记忆”、“肌肉记忆”与“听觉记忆”的协同作用，并提供了一套在极端压力下激活记忆的应急策略。 音乐的“个性化解读”： 如何在尊重作曲家意图的基础上，融入个人成熟的审美判断，形成独特的演奏风格。 --- 本书特色： 1. 跨越时代的视野： 本书的结构并非按时间顺序简单罗列作品，而是以风格演变为核心，将不同时期的技术挑战和审美追求进行对比分析，帮助学习者建立一个宏观的音乐历史观。 2. 技术与哲学的结合： 作者拒绝纯粹的技术堆砌，坚持每一个技术动作背后都应有明确的音乐目的，将枯燥的指法练习提升到对古典美学和浪漫主义情感的理解层面。 3. 详尽的图解与分析： 书中包含了大量由专业制图师绘制的指位剖析图、乐谱结构示意图以及踏板使用对比表，极大地增强了理论的直观性和可操作性。 目标读者： 本书适合所有具备一定基础、寻求突破瓶颈的钢琴专业学生、音乐学院高年级本科生、研究生，以及资深钢琴教师。它将是他们从“熟练弹奏”迈向“深刻诠释”的必备工具书。

评分☆☆☆☆☆

这本书带给我的最大震撼，或许在于它激发了我对莫扎特音乐“呼吸感”的重新认识。很多时候，我们总被华丽的技巧和流畅的旋律所吸引，却忽略了古典主义时期对“清晰度”和“平衡感”的极致追求。在这套乐谱中，即使是复杂的复调处理，每一个声部的线条也因为其精准的记谱而显得格外分明。我花费了大量时间去研究那些看似简单的和弦进行，发现其中隐藏着极其微妙的力度差异指令。它迫使我放慢速度，去聆听每一个音符的重量和它们在整体织体中的作用，真正体会到“平衡”在莫扎特音乐中的核心地位，这对于提升演奏的成熟度和深度，是无可替代的课堂。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真的没得挑剔，纸张的质感和印刷的清晰度都达到了专业教材的水准。尤其是封面那种沉稳又不失典雅的风格，让人一看就知道这不是一般的简化版乐谱。翻开内页，排版布局非常合理，五线谱的行距和字号拿捏得恰到好处，即使是初学者长时间对着谱子练习，眼睛也不会感到疲劳。我特别欣赏上海教育出版社在细节上的用心，比如一些技术难点标记的处理，用不同颜色或字体区分，清晰明了，这对指导练习大有裨益。而且，这本书的装订非常结实，可以完全平摊在琴凳上，演奏时不用担心书页会自己合上，这是非常重要的实用考量。整体感觉就是，这是一套值得收藏和长期使用的乐谱集，它的物理呈现已经为你进入莫扎特的世界打下了坚实的基础，光是抚摸着这本书，就仿佛能感受到那个时代的艺术气息。

评分☆☆☆☆☆

我一直认为，学习任何一位大师的作品，都离不开对演奏“指法”和“触键”的精细打磨。这本书在某些技术性极强的乐章中，虽然没有直接标注复杂的指法提示（这或许是专业教材的风格，更侧重于让学习者自己去探索和理解），但它所呈现的清晰乐谱结构，为我们理解莫扎特对键盘的独特要求提供了基础。我尝试弹奏了几个奏鸣曲中的快板部分，感觉那个清晰度极大地帮助了我去划分乐句的呼吸和力量的层次。相比于某些侧重于“指导”的教材，这种“原汁原味”的呈现，反而更适合有一定基础的钢琴学习者去深入挖掘作品本身蕴含的结构美学和力度变化，激发自身的演奏思考，而不是被动接受标准答案。

评分☆☆☆☆☆

对于专业学习者而言，教材的“语境”构建同样重要。我注意到这本书的整体编排逻辑，它似乎不仅仅是简单地按照创作时间或者作品编号来罗列，而是隐含着一种由浅入深、由练习性到表演性的内在递进关系。这种编排方式，使得我们不必在庞杂的作品群中迷失方向，而是可以跟随一条清晰的学习路径来系统地掌握莫扎特钢琴音乐的演变脉络。每一次练习新的作品，都能感觉到自己对前一阶段所学技巧的巩固和提升。这种潜移默化的引导，远比死板的章节划分更有助于建立起一个完整的知识体系框架，让学习过程变得更加有条理和目标明确。

评分☆☆☆☆☆

作为一名多年学习古典音乐的爱好者，我深知“全集”二字的份量，它代表着对作曲家作品的尊重和完整收录的承诺。拿到这本书后，我首先关注的是其目录的详尽程度和版本考证的严谨性。莫扎特的钢琴作品繁多，且存在不同版本的差异和后世的整理修订，一个真正专业的全集必须在这些地方体现出学术的严谨性。我对其中一些鲜为人知的小品和变奏曲的收录感到惊喜，这说明编者确实做了大量的资料搜集和甄别工作，而不是简单地挑选了一些“热门曲目”了事。对于演奏者来说，能够在一个统一的、经过精心校对的版本中接触到莫扎特的全部钢琴语汇，是极其宝贵的学习资源，能避免因版本不一而产生的理解偏差，确保演奏的纯粹性。