英皇考级辅导用书：钢琴视奏进阶教程（1-3级 原版引进） [Improve Your Sight-reading!] pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

内容简介

　　流利的视奏能力是一项关键能力，能让你非常快地学习新曲谱并能与其他音乐家一起演奏。著名英国音乐教育家保罗·哈里斯的畅销书“提高你的视奏能力”系列丛书作为世界公认的英皇考级三位一体考试中视奏类好辅导教材，旨在帮助解决您所有的视奏困难，尤其是在考级中遇到的困难。

作者简介

　　保罗·哈里斯，就读于英国皇家音乐学院及伦敦大学，是一位享有国际盛誉的英国知名音乐教育家。
　　在皇家音乐学院期间，保罗·哈里斯师从约翰·戴维斯教授学习单簧管，曾获奥古斯特·曼斯奖杰出演奏奖。之后，他在伦敦大学继续深造音乐教育学，师从基斯·斯万维克教授。
　　迄今为止，保罗·哈里斯已经出版逾600种主要有关音乐教育的出版物。其中他与理查德·克洛泽合著的《音乐教师指南》（Music Teacher's Companion）获英国MIA新书奖，“提高你的理论”（Improve Your Theory！）系列获音乐教师图书资源奖，“提高你的视奏”（Improve Your Sight-reading！）系列是世界公认的钢琴视奏类辅导教材。保罗·哈里斯写作范围广泛，他撰写了大量有关音乐教育的文章，7篇协奏曲，1个芭蕾舞剧以及1个儿童剧。他还与安东尼·梅雷迪斯合著了马尔科姆·阿诺德爵士（马尔科姆·阿诺德：流氓的天才者）、马尔科姆·威廉斯（淘气的缪斯）与理查德·罗德尼·班尼特的传记。
　　保罗·哈里斯定期为国际知名的高质量音乐杂志提供文章，如《音乐教师》《BBC音乐杂志》《ABRSM剧本》《美国ICA期刊》等，同时也是英国乃至全球的音乐教育科研领军人物及评判专家。保罗·哈里斯还从事有关音乐天才的教育与研究（音乐奇才朱利安·布利斯即为其弟子），并因此足迹遍及全球许多音乐学院。
　　
　　龚益，四川音乐学院讲师，四川省钢琴学会会员，四川音乐家协会会员，四川音乐学院钢琴表演专业学士，苏格兰皇家音乐学院钢琴表演专业硕士。
　　毕业于四川音乐学院钢琴系并留校任教。曾多次举办个人及师生钢琴音乐会。
　　学生多次在国际国内钢琴比赛中获得钢琴独奏、伴奏奖项，等。
　　多年的教学经验让她发现钢琴视奏教学的重要性，并将《钢琴视奏进阶教程1-8级》（Improve Your Sight-reading！）带入课堂，所教学生受益匪浅。
　　其撰写的有关钢琴视奏教学理论的论文发表在《音乐探索》《音乐时空》等杂志上。已完成的科研课题有四川音乐学院院级重点课题《钢琴视奏教学法及教材研究》等。

内页插图

目录

前言/序言

　　成为一名好的视奏者至关重要且并不困难！如果你能认真学习这套教程——确保在演奏前充分了解每一首练习曲，今后学习新作品将变得简单，在视奏考试中也会表现不俗！
　　教材使用说明：
　　1.节奏练习
　　在进入旋律练习前，确保你已全面掌握节奏练习里的所有节奏，清楚节奏如何进行是练习的关键点。练习节奏的方法有很多。在第一课里，陈述了其中几种练习节奏的方法。试完这些方法后，你能想出更多练习节奏的方法吗？
　　2.旋律练习
　　现阶段的练习主要训练音与节奏，同时也给出了一些指法的提示。如果想要达到视奏流畅并准确，就需要在演奏每段音乐前，养成以下习惯：
　　·确保理解节奏与节拍，并击掌拍打整段音乐的节奏。
　　·看看曲调的句型，特别注意最高音与最低音。用什么指法开始弹奏？谱例中标注的指法将为你的弹奏提供帮助。
　　·试着在脑海里想象整段音乐。始终弹奏出第一个音来帮助想象中的听觉。
　　3.准备练习
　　先回答练习中的所有提问，这将有助于理解音乐并为视奏做好准备。在确保自己准确理解了全曲内容后，再开始演奏！
　　4.开始视奏！
　　现在由你自己来找出练习曲中的关键信息。请在弹奏前，用大概一分钟时间，尽力理解乐曲。检查节奏及弹奏键位，然后试着在脑海里想象整段音乐。
　　当你开始弹奏.请始终记得感受音乐的律动，并保持平稳地弹奏。
　　祝好运，现在开始快乐的视奏之旅！

乐境漫游：钢琴演奏技巧与音乐理解深度探索 本书致力于为钢琴学习者提供一个全面、深入的音乐学习体验，聚焦于演奏技巧的精进、音乐理解的深化以及艺术表现力的拓展。我们相信，钢琴学习不仅仅是机械地弹奏音符，更是一场与作曲家思想的对话，一次对音乐情感的细腻捕捉。 第一部分：精湛演奏技巧的构建与磨砺 一、触键的艺术与音色塑造： 本部分详尽探讨了钢琴演奏中“触键”的核心地位。我们从生理学和物理学的角度解析了手指与琴键接触的瞬间，如何决定了最终发出的音色。 1. 指法结构与控制： 深入讲解了传统古典指法与现代指法体系的异同。内容涵盖了五指支撑的稳定性、手指关节的弯曲与回弹、以及如何运用腕部、肘部和肩部的协调运动来解放手指的压力，实现更具穿透力或更柔和的音质。特别辟出章节讨论了“重量转移”的技巧，即如何通过身体的重心移动来控制音量的动态变化，而非单纯依靠手指力量。 2. 音色的光谱分析： 我们将音色视为一个多维度的光谱，从极弱的 ppp 到极强的 fff，每一步变化都需要特定的触键策略。书中通过大量的图示和练习，指导学习者区分并模仿不同钢琴品牌（如施坦威、贝森朵夫）所产生的典型音响特性，力求达到“一键一色”的境界。 3. 力度控制的细微差别（Dynamics）： 不仅仅是强弱标记的执行，更强调力度变化的速度和渐进性。例如，如何实现平滑、无痕迹的渐强（Crescendo）和渐弱（Diminuendo），以及如何通过力度对比来突出乐句的重点和层次感。 二、节奏的精准与灵动： 节奏是音乐的骨架。本部分着重于如何将严格的节拍概念转化为富有生命力的音乐脉动。 1. 节拍的内化与外显： 探讨了节拍器使用的科学方法，强调初级阶段需依赖节拍器建立稳定的内部时值感，而非被动跟随外部滴答声。进阶内容则侧重于如何“摆脱”节拍器，使节奏产生自然的呼吸感和弹性（Rubato），同时确保整体结构的稳定不散。 2. 复节奏与交叉节奏的解析： 针对复杂的复节奏（如 3 对 2，5 对 4）提供了系统性的分解练习，从最基础的双手协调开始，逐步过渡到如何在复杂的对位中保持清晰的层次划分，确保每个声部的时间值精确无误。 3. 时值处理中的“呼吸”： 讨论了在乐句的起承转合处，演奏者如何通过微小的时值延长或缩短来处理“气息”，使音乐听起来更具人性化和歌唱性。 三、触键与速度的平衡： 速度的提升是许多学习者的瓶颈。本部分提供了一套科学的、渐进式的速度训练体系。 1. 分段与组合练习法： 教授如何将快速的乐段分解为极小的、可控的单元进行练习，确保每个单元在特定速度下都能完美无瑕。随后，逐步将这些单元重新组合，并在不同的速度区间进行循环练习，以固化肌肉记忆。 2. “慢练”的深度挖掘： 强调极慢速练习的重要性，指出慢练不仅是检查音准和指法，更是用来“思考”音乐结构、分析和弦进行和观察手型细节的黄金时段。 3. 耐力与放松： 针对长时间演奏或快速跑动时容易出现的肌肉僵硬和疲劳问题，提供了肩颈、手腕的放松练习和演奏中的“瞬间休息”技巧，以维持持续的高效演奏状态。 第二部分：音乐理解与风格诠释 一、和声学的实践应用： 脱离和声学的支撑，钢琴演奏将流于表面。本部分旨在将枯燥的和声理论转化为演奏时的直观感受。 1. 功能和声的听觉识别： 引导学习者在演奏时不仅要看到音符，更要“听到”和声的功能（主、属、下属关系），理解乐句的张力与释放。这对于准确把握乐句的推进方向至关重要。 2. 和弦的触键处理： 针对不同的和弦类型（如七和弦、九和弦、转位和弦），提出了不同的触键策略。例如，如何在宽广的音域中同时且均匀地触碰到一个包含八度或十度的大和弦，以避免声音的破碎感。 3. 低音线的独立性： 强调低音部不仅是和声的基础，更是音乐的驱动力。讨论了如何在保持低音稳定的同时，使其具有歌唱性和色彩变化，使其能够有效支撑上声部的旋律。 二、风格的辨识与历史语境： 不同历史时期的音乐对演奏者的要求截然不同。本书提供了不同风格的演奏准则。 1. 巴洛克时期（Bach, Scarlatti）： 侧重于声部线条的清晰度、装饰音的精确执行以及“不加揉饰”的结构美。探讨了对位法的演奏处理，确保每一条旋律线都能独立呼吸。 2. 古典主义时期（Mozart, Haydn）： 强调清晰的结构、对称的美感和轻盈的触键。深入分析了奏鸣曲式中主题的发展和对比，以及如何恰当地运用 appoggiatura（倚音）等古典装饰音。 3. 浪漫主义时期（Chopin, Liszt）： 关注情感的深度表达、宽广的音域运用以及对踏板的诗意处理。讨论了肖邦夜曲中那种“歌剧咏叹调”式的旋律处理技巧。 4. 印象派与二十世纪音乐： 引导学习者适应新的和声语言（如全音阶、增三和弦）和更模糊、更注重色彩的演奏方法。重点解析了德彪西和拉威尔作品中“水流般”的音响效果是如何通过特殊的琶音和踏板技术实现的。 第三部分：音乐的深度呈现——踏板与乐感的统一 一、踏板的“呼吸”与色彩学： 延音踏板是钢琴的灵魂，也是最容易被滥用的工具。 1. 清晰的分割与融合： 教授如何精确控制踏板的起落时间，以实现声音的平滑连接而不产生“混浊”。引入了“半踏板”技术的精细控制，用以在保持连贯性的同时，增加声音的颗粒感或柔和度。 2. 踏板在不同风格中的应用： 对比了巴赫作品中对踏板的限制与浪漫主义作品中对踏板的依赖，明确指出在不同作品中，踏板是用来“连接”还是用来“制造雾霭”。 3. 和声的“清洗”： 讲解了在快速换和声时，如何通过快速而精确的踏板抬起，瞬间“清洗”掉旧的和声残留，以确保下一个和弦的纯净度。 二、乐句的构建与叙事性： 优秀的演奏者是天生的故事讲述者。 1. 乐句的轮廓与高潮： 教授如何识别乐句的起点、中间的紧张点以及最终的释放点，如同雕塑家塑造作品的外部轮廓一样，确定每一个乐句的“形状”。 2. 结构与情感的平衡： 讨论了在宏大结构（如奏鸣曲或赋格）的演奏中，如何在保持整体宏伟蓝图的同时，不牺牲局部细节的情感描绘。 3. 自我审视与录音分析： 提供了一套系统的自我评估方法，鼓励学习者定期录制自己的演奏，并以听众的视角去发现自己演奏中未曾察觉的节奏漏洞、力度不均和风格偏差，从而进行针对性的修正与提升。 本书力求成为学习者案头常备的“演奏哲学”指南，陪伴学习者从技巧的初步掌握，走向音乐的深刻理解与自由表达。