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别具一格的艺术史，独具匠心的文字肖像。李炜的《孤独之间》不仅谈论艺术，它本身即是艺术。
本书中充斥着的，是诗性的流转与美感的爆发
内容简介
《孤独之间》是一部别具一格的西方艺术史。十位大师的命运、百幅名画的阐释、三千年西方艺术的简史，在这本书中得到了充满艺术性的展现。作者李炜以其富于诗性与才情的文字，别出心裁的文本架构，配以艺术史上*为经典的画作，将繁复的艺术史转化为通俗易懂的人物逸闻，涉及拉斐尔、乌切洛、波希、委拉斯凯兹、修拉、席勒、德拉克罗瓦、波丘尼、马列维奇等艺术大师，从古希腊罗马时期、文艺复兴时期，直到现代与后现代主义时期，将三千年间的流派与演进包容进举重若轻的优美文字中。不同于以往艺术史著作的惯用体例，李炜随主题而变换叙述方式，完成了一部充满个性色彩的艺术著作。作者简介
李炜，著名美籍华裔作家。作家曹又方之子，清末南粤状元梁耀枢之后。撰写了大量横跨文学、哲学、音乐、艺术领域的文章，被公认为“创作才子”以及“华语创作界独特的孤岛”。曾被余光中先生誉为“一位才学出众的书痴”，夏志清先生也曾被其“读书之广博通达所惊奇”。由于其渊博涉猎和独到识见，加之以荡漾着音乐感的文字，近年来愈发受到评论界和广大读者的喜爱。内页插图
精彩书评
李炜对西方文化与艺术知之甚广，不是浮泛的通识，而是透彻的认知，题材信手拈来不露声色，资料如数家珍却非炫学逞才，行文融汇哲学、文学、绘画、音乐，行到水穷时自有一番交织如贻。——《晶报》
李炜的这些汪洋辟阖、仪态万方的文字，几乎触及了世间所有重要、有趣且真实的主题：爱、自由、死亡、命运，真相与谎言，遮蔽与敞开，可言说的与不可言说的。
——《北京晨报》
翻开任何一本李炜作品，在惊讶于其所涉内容之广、人物之多、资料之繁的同时，更让人赞叹的是西方文学、哲学、音乐、美术等各类名人逸事，在李炜笔下都如数家珍般的信手拈来。知识渊博之人很多，但能将如此繁杂的知识化作如此平易近人的语言之人却极少，李炜便是一个。
——《书香两岸》
目录
1.永恒与名望之间：拉斐尔以及文艺复兴2.传说与误解之间：乌切洛以及近代西方艺术的起源
3.幻象与现实之间：波希以及宗教艺术
4.荣耀与屈辱之间：委拉斯凯兹以及现实主义
5.革命与传统之间：德拉克洛瓦以及浪漫主义、古典主义
6.傲慢与偏见之间：惠斯勒以及唯美主义
7.盲目与洞见之间：修拉以及点彩主义、印象主义、古代艺术
8.纯贞与污秽之间：席勒以及表现主义
9.暴力与激情之间：波丘尼以及未来主义、立体主义
10.理论与虚无之间：马列维奇以及抽象画的起源
后记：排拒与希望之间
进一步的参考读物
精彩书摘
彰显威仪，这无疑是耗尽心力的职责。行使君权，更是催人苍老。难怪腓力会对肖像失去兴趣。那时他还没迈入不惑之年。后来他向一名红颜知己吐露心声，说他不太愿意再把自己“交托给个性冷漠的委拉斯凯兹”，也不想在画中“看到自己变老”。他会这样想，其实也是因为接二连三的打击：爱妻伊莎贝拉女王亡故，独子又在两年后夭折。再见到自己的画像，他很难不顾影自怜。
这正是委拉斯凯兹的难处。宫廷里唯他有资格画君主。事实上，他最重要的责任就是替腓力画肖像。问题是，国王不想再见到自己的形象了。
·
《宫娥》用绝妙的招数走出了窘境。画面描绘了国王的容颜，但只是间接的，透过画中的镜子。
换言之，委拉斯凯兹画出了不符合现实的画面，恰是因为他的肖像本来就不该存在；腓力已经明令禁止他绘这种画了。
巧妙规避禁令的同时，胆大包天的画家还打破了自己的惯例。就这么一回，他不仅画了君主，还画了他的第二任妻子玛丽安娜王后。但结果并不是一张双人肖像，而是一种“负片”：仿佛一张尚未洗出、记录了一个不该存在的影像的底片。就连素以妙用镜像著称的艾克也没想到这一招。
看到禁令如此机智地被绕开，腓力或许哑然失笑。但这不恰是委拉斯凯兹的任务：逗乐君主？
《宫娥》完成于一六五六年时，他为皇家效劳已达三十三年之久。鉴于他忠心耿耿又画艺高超，腓力提名他加入西班牙最显赫的圣地亚哥骑士团。
虽有国王推荐，骑士团还是两度拒绝了委拉斯凯兹，理由是他自诩的贵族血统缺乏证据。为了避开这问题，画家只好转向教皇求助；像圣地亚哥这样的组织名义上还是宗教团体，需要听从教皇的指示。
一来二去拖了一年多。直到一六五九年底，委拉斯凯兹才加入骑士团。那时他只剩几个月的阳寿了。所以，他很可能是用虚弱无力的手把圣地亚哥骑士的标志——血红色的鸢尾十字架——添加在《宫娥》中自己形象的胸前，虽然也有传言说是国王在画师去世后亲笔加上去的。
传说确实感人，但毫无疑问是虚构的。不管腓力有多少缺点，庸俗都不在其中；不管他有多少长处，也没有果敢这一条。换言之，虽有至高无上的地位，他还是不敢胡乱修改《宫娥》这样的杰作。更何况，传说的前提是他必须懂得作画。考虑到当时的社会看低一切会沾污双手的活儿，腓力会画画的可能性不比他会亲自下厨替老婆烧饭的可能性要高。
有一件事倒是事实。委拉斯凯兹去世的那天，腓力在宫廷的记录簿上坦言：“我很失落。”出自一个如此沉着镇静的人之口，效果无异于涕泪纵横。
……
用户评价
这本《孤独之间：一部另类艺术史》读下来，感觉就像是经历了一场精心策划的、略带颠簸却又引人入胜的地下漫游。作者并没有像传统艺术史家那样，遵循着清晰的时代脉络或流派更迭来铺陈叙事。相反，他似乎是根据某种潜意识的、近乎诗意的联想，将那些在主流叙事中被边缘化、被忽略，甚至是被误读的艺术事件和创作者们，像拼贴画一样重新组合起来。我特别欣赏的是他处理“非主流”美学的那种近乎偏执的专注。比如，书中对那些在工业废墟中诞生的“即兴装置”的描绘，细腻到让人能闻到空气中弥漫的铁锈味和潮湿的霉味。他不仅仅是在描述作品本身，更是在挖掘这些作品诞生的社会土壤和心理暗流。那种对“局外人”艺术精神的深刻共鸣，使得整本书读起来有一种强烈的、反抗既定秩序的快感。它不是一本可以用来应付考试的教科书，而是一本适合在深夜里，手捧一杯浓茶，任由思绪随着文字的跳跃而漂浮的私密读物。全书结构松散却又暗藏精妙的逻辑，每一次翻页都像是在揭开一个被时间尘封的秘密，那种探索的乐趣，远胜过对既定真理的确认。
这本书对我最大的启发在于它对“孤独”这一主题的哲学性探讨，它远超出了对艺术家个人境遇的描述。作者似乎在论证，真正的、具有开创性的艺术冲动，本质上是一种与时代、与群体精神的“深刻隔离”。他探讨了那些坚持自我声音的个体，在面对商业化浪潮、学院派同质化以及大众审美疲劳时所必然产生的疏离感。这种孤独并非软弱的自怜，而是一种必要的“精神真空”，是容纳激进创新的唯一土壤。书中引用的那些关于“被误解的先知”的案例，虽然触目惊心，却又充满了辩证的力量。读完后，我不再仅仅关注艺术作品的视觉效果或市场价值，而是开始关注创作者在那个特定的历史缝隙中，是如何维持其认知上的纯净度和精神上的不妥协。这本书仿佛提供了一把钥匙，让我得以窥见那些在阴影中孕育出的、真正具有变革潜力的思想的诞生过程，那种力量是缓慢的、内敛的，但一旦爆发，便足以撼动既有的景观。
我个人认为，《孤独之间》最成功的一点，在于它成功地颠覆了我们对“经典”和“伟大”的评判体系。作者似乎在不断地质问：“是谁决定了什么是值得被记住的？”他没有提供新的标准答案，而是通过呈现大量的“失败者”、“异端”和“昙花一现”的艺术案例，展示了一个更广阔、更野蛮生长的创作生态。书中对那些创作周期极短、媒介极不稳定的行为艺术和概念作品的深入挖掘，尤其令人耳目一新。这些作品往往难以被博物馆收藏，也鲜有影像资料留存，它们的存在感极其脆弱，却往往蕴含着最激进的观念。作者像是考古学家一样，通过残存的笔记、模糊的口述，甚至仅仅是场所的记忆，重建了这些“幽灵作品”的现场感。这使得全书充斥着一种对“瞬间性”和“不可复制性”的赞颂，它提醒我们，艺术的生命力往往存在于那些最难以被固化的时刻之中，那些被时间快速冲刷掉的、却最具有穿透力的瞬间。
初读这本书时，我最大的感受是其叙事节奏的错位与张力。它像一部非线性叙事的电影，场景切换得极为突兀，上一页还在探讨维多利亚时代末期伦敦街头艺人的行为艺术，下一页可能就跳跃到了20世纪70年代日本地下先锋戏剧的某个角落。这种跳跃感，初看或许会让人感到迷惘，但坚持下去后，会发现作者其实是在构建一个“情感共振图谱”，而非时间轴。他似乎相信，真正的艺术灵感和反叛精神，在不同的时空背景下，总会以惊人的相似性回响。尤其令人印象深刻的是，书中对那些因为政治压迫或文化隔阂而“失声”的艺术家群体的关注。作者并没有用廉价的同情来描绘他们，而是用一种近乎冷峻的分析，解剖了他们在极端环境下如何将自身的痛苦转化为最纯粹、最原始的创作燃料。这种对“边缘生存学”的艺术化呈现，让我对“艺术的本质到底是什么”这个问题有了更复杂、更去神圣化的理解。它不再是殿堂里的雕塑，而更像是墙角里那些不经意间留下的涂鸦，带着泥土和汗水的温度。
全方位介绍，详细
书非常好看，彩图很丰富，语言很幽默，我非常喜欢，决定收藏了。运送速度也很快，快递小哥的态度也很好。
618当天又定了一些书，今年618京东活动已经买了800多的书了，优惠买的，够看一年半载的了。如果不优惠，价格够高的。
非常不错的书，物流很快。
大多数看过小顾聊绘画的人，都可能遇到一个困惑，他似乎讲得有些太轻松了。当然这也是这本聊神话的问题。在碎片化和浅显阅读的年代，少有人能在轻松阅读之余，或多或少给读者以养分。我想这才是小顾厉害的地方。不要将它作为艺术的选修，而是作为基本通识的必修，因为这些神话，不仅仅在画中会遇到，在小说、电影、生活里，也是西方生活的必修课
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好书，通俗易懂，图文并茂，非常喜欢。
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这本书我是期待了很久，只是简单看了下作者的生平，就已经能知道这本书存在于世的意义有多大了。虽微小但不寂灭，虽短暂却永恒！
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这本书的语言风格，与其说是学术论述，不如说更接近于一种高度提纯的文学散文，充满了隐喻和独特的词汇构建。作者似乎对标准的、中规中矩的表达方式抱有某种程度的抵触，他偏爱使用那些带着重量感和年代感的词汇，将抽象的艺术概念具象化、物质化。比如，他形容某些早期表现主义作品的色彩时，用的不是“鲜艳”或“浓烈”，而是“凝固的哀嚎”或“被午夜舔舐过的焦油”。这种选择性的词汇策略，极大地增强了阅读体验的沉浸感和迷幻色彩。然而，也正因为如此，某些章节的阅读门槛被设置得相当高，需要读者具备一定的背景知识储备，或者至少，愿意沉浸在作者所营造的特定语境中去解码他的意图。它强迫你停下来，反思每一个形容词背后的意图。这绝不是一本可以轻松翻阅的书，它需要你投入精力去“共情式地阅读”，去感受文字的肌理和重量，而不是仅仅接收信息。