音乐分析指南 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

[英] 尼古拉斯·库克 著，陈鸿铎 译

图书标签:

• 音乐分析
• 音乐理论
• 和声学
• 曲式分析
• 音乐史
• 音乐教育
• 音乐欣赏
• 作曲
• 编曲
• 音乐研究

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787552312522

版次：1

商品编码：12020529

包装：平装

开本：16开

出版时间：2016-11-01

用纸：胶版纸

内容简介

　　由诺顿出版社提供版权的《音乐分析指南》已隆重出版。本书在欧美音乐分析学术界一直备受关注和肯定，在国内也颇受广大师生的欢迎与喜爱。本书由英国剑桥大学教授、著名音乐分析理论家尼库拉斯?库克（NicholasCook）撰著，由上海音乐学院教授、博士生导师陈鸿铎翻译。
　　本书结构分为两大部分，共由十章组成。
　　第一部分涉及的是音乐分析法，共六章。偏重观念和理论的梳理，即把各音乐分析法形成所依据的独特观念、技术特性和分析过程做了介绍，并对每一种分析法可以解决什么样的分析问题进行了带有个人评价的讨论。在本书中共涉及到七种各具特性的分析法，被库克分成了五类，即传统分析法（涉及曲式与和声分析）、申克尔分析法、心里分析法（涉及迈尔的节奏分析与莱蒂的主题过程分析）、形式分析法（涉及艾伦?福特的音级集合分析与符号学分析）和比较分析法（涉及民族音乐分析方法）。
　　第二部分涉及作品个别案例的分析，共四章。以具体作品作为分析实例，向学习者展示了面对不同作品所应采取的不同分析步骤，以及学会设定不同的分析目标。库克在分析中所坚持的原则是：任何分析都必须注重对音乐作品的聆听体验；要摒弃为验证某种方法而分析的思想；不要急于创造新方法，而要善于把已有方法加以结合运用；不把分析当做自然科学性质的工作来做。
　　“指南”是本书大的亮点。不论是在讨论“音乐分析告诉我们什么”（第六章）、“还是一个分析”（第七章）、还是“一些疑难作品的分析”（第十章），作者总是站在一个学习者的角度，设身处地地去指导分析如何一步步地走下去，以及如何判断分析带来的东西是否是我们所需要的，充分贯彻了“指南”的写作原则，同时也大限度地发挥了“指南”的作用。

作者简介

　　陈鸿铎，为上海音乐学院音乐学系教授，现代音乐研究专家，撰写的大量文章发表于各音乐学院院刊。在上海音乐出版社翻译出版过《二十世纪音乐》一书。本书是音乐分析领域的著述，从方法论和实例两方面进行全面讲解。作者尼古拉斯·库克是英国知名的音乐学家，曾在剑桥大学、伦敦大学、悉尼大学和香港大学教学并承担研究项目。

艺术的几何：西方音乐结构与和声的奥秘 书籍简介 本书旨在为渴望深入理解西方音乐思维体系的读者提供一份详尽、严谨且富有洞察力的导览。我们不再将音乐视为转瞬即逝的情感表达，而是将其视为一种由逻辑、数学和历史交织而成的复杂结构。本书专注于揭示音乐的骨架——那些决定旋律走向、和声色彩和曲式布局的底层规则。 本书的第一部分，“音高与节奏的基石”，将彻底解构西方十二平均律体系。我们将详细考察音程（Intervals）的物理基础与听觉感知，从最基础的全音、半音，逐步深入到大小调的音阶构建。对于调性（Tonality）的起源，我们将追溯到巴洛克时代，解析大小调体系如何取代中世纪的教会调式，成为古典音乐的通用语言。节奏方面，我们将超越简单的拍号标注，探讨复节奏（Polyrhythm）、附点（Dots）和休止符（Rests）在构建音乐张力与驱动力中的精妙作用。我们特别关注古希腊音律对早期音乐理论的影响，以及皮塔哥拉斯对音程数学关系的早期发现如何为后世的和声学奠定了基础。 在“和声的织体：从三和弦到复杂九和弦”的章节中，我们将进行一次全面的和声漫游。本书摒弃了仅仅罗列和弦名称的教学方式，而是强调和声功能（Harmonic Function）的概念——主和弦（Tonic）、属和弦（Dominant）和下属和弦（Subdominant）构成的三部曲如何驱动音乐的进行与解决。我们将详细分析三和弦（Triads）的构建、转位（Inversions）及其在旋律进行中的作用。随后，进阶的篇章将聚焦于七和弦（Seventh Chords）的引入如何极大地拓宽了调性色彩，特别是属七和弦（V7）的导向性。对于那些寻求更深层次理解的读者，本书将深入探讨九和弦（Ninth Chords）、十一和弦（Eleventh Chords）乃至十三和弦（Thirteenth Chords）的构成，并分析它们在浪漫主义晚期音乐（如德彪西和瓦格纳的作品）中如何被用作色彩和模进的工具，而非单纯的调性功能。 “连接与转调的艺术”是本书的另一核心部分。音乐的流动性很大程度上依赖于有效的连接（Voice Leading）和恰当的转调（Modulation）。我们将严格遵循四部和声（Four-Part Harmony）的原则，细致剖析平行八度、五度的禁忌，以及如何通过共同音（Common Tones）或半音进行（Chromatic Mediants）实现平滑、逻辑清晰的调性转换。本书将提供大量分析案例，展示从主调到关系大调、关系小调，乃至远关系调之间的技术路径。我们不仅会分析古典奏鸣曲式中的标准转调，还会探讨浪漫主义时期作曲家如何使用更具戏剧性的转调手法来营造意想不到的情感效果。 “曲式结构的解析：形式的蓝图”部分，将提供一套分析工具，用于理解音乐的整体架构。我们将从最基础的二部曲式（Binary Form）和三部曲式（Ternary Form）开始，过渡到复调音乐（Polyphony）的核心——赋格曲（Fugue）的严密逻辑。重点分析将放在奏鸣曲快板式（Sonata Allegro Form）的三个主要部分——呈示部（Exposition）、发展部（Development）和再现部（Recapitulation）的内在功能和主题的变形策略。此外，主题与变奏（Theme and Variations）以及回旋曲式（Rondo Form）的结构逻辑也将被详尽解析。本书特别强调，曲式并非僵硬的 قالب（Mould），而是作曲家在平衡重复与变化之间所做出的动态选择。 本书的独特之处在于其对“早期和声的拓展与非功能性调性”的探讨。在深入古典与浪漫时期之前，我们将花篇幅研究巴赫时代对位法（Counterpoint）的精髓，解析对位法如何独立于和声功能而存在，即旋律线的独立性与交织性。随后，本书将跨越到20世纪初，讨论调性系统在面临崩溃时的各种尝试：全音音阶（Whole-Tone Scale）、十二音序列（Twelve-Tone Technique，主要聚焦于其结构性而非哲学阐释）、以及特定作曲家（如巴托克）如何利用民族音阶和模态和声（Modal Harmony）来创造新的听觉景观。 《艺术的几何》并非一本简单的和弦速查手册，而是一部旨在培养读者“听觉建筑学”思维的工具书。通过对和声进行、调性运动和结构布局的系统性训练，读者将能够不仅仅是“听”到音乐，而是“看透”音乐的内在逻辑，从而更深刻地欣赏和分析从巴赫到德彪西时代的宏伟音乐遗产。本书适合音乐院校学生、严肃的音乐爱好者以及希望将自己创作提升到更高技术层面的作曲家参考研读。

评分☆☆☆☆☆

这本书我翻了好几遍，但说实话，我还是没太搞懂作者想表达什么。一开始我被封面吸引了，觉得名字听起来挺专业的，想着能学点“高大上”的音乐知识。但读进去之后，发现里面充斥着各种我完全不认识的术语，什么“调性”、“和声”、“复调”之类的，虽然有解释，但解释得又很绕，感觉就像在看一本天书。而且，很多地方作者举的例子，我听了也完全get不到它和理论有什么关联。就好像我在努力理解一个笑话，但笑点在哪里我完全不明白。我尝试着按照书里的方法去分析一首我喜欢的歌，结果越分析越糊涂，最后只能放弃，默默地把书合上。也许是我音乐功底太差了吧，这本书对新手来说，门槛实在太高了。我希望这本书能更通俗易懂一些，或者至少配上一些更直观的音频示例，那样也许能帮助我这样的普通听众更好地理解音乐的内在结构。不过，对于那些本身就有深厚音乐理论基础，或者正在攻读音乐相关专业的人来说，这本书或许能够提供一些有价值的参考，只是对我来说，目前还不是时候。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我一种“高高在上”的感觉，仿佛在进行一场极其严肃的音乐学术研讨。我本来期望能从中找到一些有趣的音乐现象的解读，或者一些关于著名作曲家创作时的思考，能让我更深入地理解那些伟大的作品。但这本书的内容更像是对音乐理论体系的梳理和归纳，充斥着大量的专业术语和复杂的逻辑推导。我尝试着去理解“序列音乐”是如何形成的，以及它在音乐发展史上的意义，但作者的阐述方式让我感觉像是在阅读一篇艰深的论文，而不是一本面向读者的指南。很多时候，我需要反复阅读同一段话，才能勉强抓住其中的几个关键概念，但整体的理解依然非常有限。我希望这本书能更接地气一些，多一些和实际音乐作品的连接，比如通过分析具体的音乐片段，来阐释那些抽象的理论。不然，对于大多数普通听众来说，这本书很可能会变成一本束之高阁的“摆设”，而无法真正发挥其“指南”的作用，帮助大家更好地欣赏和理解音乐。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我拿到这本书的时候，觉得它应该是一本能让我“豁然开朗”的读物，能为我打开一扇新的音乐欣赏之门。可读了几个章节后，我发现自己仿佛置身于一个巨大的迷宫，里面布满了各种我从未见过的概念和公式。作者似乎默认读者已经具备了相当的音乐基础，可以直接进入更深层次的探讨。我努力去理解那些关于“曲式”的分析，关于“和弦进行”的逻辑，但总觉得少了些什么。就像一个厨师只给你看菜谱，却不给你演示具体怎么操作一样，我很难将书本上的文字转化为实际的听觉体验。我试着去搜索一些与之相关的音乐片段，但感觉还是无法完全消化和吸收。这本书更像是一份高度浓缩的音乐理论手册，它精准地列出了各种音乐元素，但缺乏足够的引导和解释，让我这些“初学者”难以找到切入点。我希望这本书能够提供更多的“如何做”的指导，比如一步步教我如何分析一段旋律，或者如何辨别一段音乐的情绪变化，这样也许更能吸引和帮助像我一样，希望提升音乐品味但又缺乏专业背景的读者。

评分☆☆☆☆☆

我买这本书纯粹是冲着“指南”这两个字去的，以为它能像旅游指南一样，带我走进音乐的奇妙世界，让我对那些听起来很厉害的曲子有个大概的了解。结果，这本书的“指南”功能似乎更多地体现在对各种音乐理论概念的罗列和定义上，而不是像我预期的那样，提供一条清晰的学习路径或者一套实用的分析工具。它更像是一个音乐术语的百科全书，把各种概念一股脑地抛给你，让你自己去消化。我翻到关于“赋格”的部分，看了半天也没明白它到底是怎么运作的，感觉作者的描述更像是对已有的理论进行阐述，而不是引导读者去实践。我试着找一些网上相关的讲解视频来辅助理解，但发现书里的一些观点和主流的教学方式似乎有些出入，这让我更加困惑。我本来希望这本书能帮我更好地欣赏音乐，比如听出一段旋律的精妙之处，或者理解一段和声的走向，但读完之后，我感觉自己好像离这个目标更远了。这本书更像是一份学术性的参考资料，而不是一本面向大众的普及读物。

评分☆☆☆☆☆

我对这本书的期望值很高，因为我对古典音乐一直有浓厚的兴趣，希望能通过更专业的角度去理解它。然而，这本书的内容让我感到有些失望。作者的语言风格比较学术化，很多句子结构都很复杂，而且使用了大量的专业术语，这使得阅读过程变得相当吃力。我本来希望能找到一些关于如何去“听”音乐的技巧，比如如何辨别不同的乐器，如何捕捉旋律的变化，或者如何理解音乐的情感表达，但这本书似乎更侧重于音乐的理论构建，而不是实践性的指导。举个例子，当谈到“奏鸣曲式”的时候，作者详细地介绍了其结构和要素，但我读完之后，仍然很难将这些理论运用到实际的音乐聆听中。我尝试着去对比书中提到的结构和实际听到的音乐，但总感觉隔着一层窗户纸，无法真正领会其中的奥妙。我希望这本书能够更贴近听者的实际感受，提供一些更具启发性的思考，而不是仅仅停留在理论的层面。也许对于音乐专业的学生来说，这本书的价值会更大，但对于像我这样的普通爱好者，它显得有些过于深奥和抽象了。

评分☆☆☆☆☆

不错不错不错不错不错不错不错不错

评分☆☆☆☆☆

整体不错，就是书边毛毛糙糙的

评分☆☆☆☆☆

很棒，写得很好

评分☆☆☆☆☆

不错不错不错不错不错不错不错不错

评分☆☆☆☆☆

书皮折了 严重抗议

评分☆☆☆☆☆

不错不错不错不错不错不错不错

评分☆☆☆☆☆

整体不错，就是书边毛毛糙糙的

评分☆☆☆☆☆

不错，值得看的好书，推荐

评分☆☆☆☆☆

第一次买老外写的音乐分析书籍，想要看看与中国的教材有哪些不同？