時空中的美術(新版) 下載 mobi epub pdf 電子書 在線閱讀 2026

內容簡介

　　本書是繼《禮儀中的美術——巫鴻中國古代美術史文編》之後，巫鴻先生在三聯書店推齣的第二部學術論文集，側重考察中國美術中特有的“時空”觀念，以及它在不同媒材的圖像中的錶現和釋讀。全書分為三部分——上編：時空的形象；中編：觀念的再現；下編：圖像的釋讀，所收1992—2007文章15篇，考查對象包括建築、明器、拓片、畫屏、捲軸、冊頁、攝影等多種形式。與常見的中國美術史研究不同，這些論文沒有局限於孤立的門類和史實，而是竭力為這些現象找到自己的傳統和脈絡，並賦予其寬闊的視野，使闡釋更具啓發性。這些文章是對《文集》提齣“禮儀美術”概念的完善與補充，從而有助於讀者更深入地認識中國美術的獨特傳統。
　　三聯書店於2009年首次齣版該書，本次重版，將收入巫鴻作品五種，與《禮儀中的美術》、《黃泉下的美術》、《武梁祠》、《美術史十議》整閤，統一開本為170*240mm，精裝。

作者簡介

　　巫鴻，1963年入中央美術學院美術史係學習。1972-1978年任職於故宮博物院書畫組、金石組。1978年重返中央美術學院美術史攻讀碩士學位。1980-1987年就讀於哈佛大學，獲美術史與人類學雙重博士學位。隨即在哈佛大學美術史係任教，於1994年獲終身教授職位。受聘主持芝加哥大學亞洲藝術教學。2002年建立東亞藝術研究中心並任主任。其著作包括對中國古代、現代藝術以及美術史理論和方法的多項研究。主要著作有《武梁祠：中國古代畫像藝術的思想性》《中國古代美術和建築中的紀念牌性》等。

目錄

上編　時空的形象
中國藝術和視覺文化中的“復古”模式（2008）
“復古”的源起
再造“古人之象”
復古的語境
對往昔的“曆史化”
“意圖”的模式
尾聲：復古和曆史敘事
廢墟的內化：傳統中國文化中對“往昔”的視覺感受和審美（2007）
丘與墟：消逝與緬懷
碑和枯樹：懷古的詩畫
跡：景中痕
說“拓片”：一種圖像再現方式的物質性和曆史性（2003）
兩種拓片——碑和帖
拓片的屬性

前言/序言

《光影的軌跡：從古代壁畫到數字藝術的視覺探索》 本書帶領讀者踏上一段跨越數韆年的視覺藝術之旅，深入剖析不同曆史時期、不同文化背景下的藝術錶現形式、核心觀念及其社會功能。我們聚焦於那些定義瞭人類審美與想象力的關鍵轉摺點，探討光影、色彩、形式與空間是如何被藝術傢們運用，以映照當時的哲學思潮、宗教信仰與社會結構。 第一部分：原始的低語與文明的曙光 本章追溯藝術的起源，從史前洞穴中那些充滿生命力的動物形象，到早期文明如美索不達米亞和古埃及，對永恒與神性的不懈追求。我們細緻考察拉斯科洞穴壁畫中對狩獵場景的動態捕捉，以及埃及法老陵墓中高度程式化、象徵意義明確的圖像語言。重點討論早期藝術如何服務於生存需求、宗教儀式和權力維護，以及早期工匠對材料（如赭石、炭、石灰石）特性的初步認知與駕馭。 繼而深入古希臘與古羅馬時期。希臘雕塑對人體比例的極緻探索，從嚴謹的古風（Archaic）到和諧的古典（Classical），再到富於情感的希臘化時期，清晰地展現瞭人文主義思想如何滲透到藝術創作的每一個角落。羅馬藝術則在繼承希臘成就的基礎上，發展齣強烈的寫實主義和敘事性，尤其體現在紀念碑、浮雕和建築裝飾中。我們分析透視法和解剖學的初步應用，如何使得圖像更具“在場感”。 第二部分：信仰的畫布與中世紀的象徵 進入中世紀，藝術的主題徹底轉嚮宗教。本書詳述拜占庭藝術的莊嚴、平麵化與金色背景所營造的超凡脫俗感，以及羅馬式和哥特式建築如何通過高聳的拱頂、絢爛的彩繪玻璃，將信徒引入一個神聖的、象徵性的宇宙空間。哥特式大教堂的立麵被視為“石頭的聖經”，每一個雕像、每一組裝飾都有其明確的神學指嚮。我們剖析手抄本插圖的精細工藝，以及中世紀藝術傢在匿名狀態下對純粹象徵意義的堅守。 第三部分：文藝復興的覺醒與科學的介入 文藝復興標誌著西方藝術史的重大轉摺點。意大利（尤其是佛羅倫薩和羅馬）的藝術傢們重新發現並崇敬古典傳統，但融入瞭新的科學精神。本章詳細分析透視法（如布魯內萊斯基和馬薩喬的貢獻）、空氣透視法以及明暗對比法（Chiaroscuro）的成熟應用。我們不僅關注達·芬奇對人體解剖的精準描摹、拉斐爾對和諧構圖的追求，也探討米開朗基羅如何將雕塑的力度與繪畫的激情相結閤。此時的藝術不再僅僅是信仰的僕人，藝術傢開始被視為擁有創造力的“天纔”。 第四部分：巴洛剋與洛可可的戲劇性 十七世紀的巴洛剋藝術以其強烈的動感、宏大的敘事和對戲劇性光影的偏愛，服務於宗教復興和絕對君權。卡拉瓦喬的極端光影對比（Tenebrism）如何製造齣直擊人心的震撼力？貝尼尼的雕塑如何將靜止的石材轉化為流動的瞬間？在佛蘭德斯，魯本斯展現瞭富裕的生命力和色彩的狂歡。 隨後，洛可可風格在十八世紀的沙龍中興起，它以輕盈、私密、享樂主義的主題和柔和的色彩，反映瞭貴族階層對精緻生活的追求。本章對比巴洛剋與洛可可，探討藝術風格如何緊密地依附於其贊助者的品味與時代精神。 第五部分：革命的號角與現代性的開端 十八世紀末至十九世紀初，啓濛思想推動瞭新古典主義對理性、秩序和英雄主義的迴歸。然而，拿破侖戰爭和法國大革命的衝擊很快催生瞭浪漫主義——一種強調情感、直覺、異域風情和個體體驗的藝術運動。德拉剋洛瓦的色彩運用和特納對光綫、氣氛的捕捉，標誌著對既有學院派規範的挑戰。 十九世紀中葉，工業革命的浪潮和新興資産階級的崛起，促使藝術傢將目光投嚮當代生活。現實主義拒絕曆史或神話，專注於描繪普通人的工作與睏境。緊接著，印象派的革命性在於他們對“瞬間印象”和“光綫波動”的癡迷，這徹底改變瞭繪畫對象和技法，為進入二十世紀的實驗鋪平瞭道路。 第六部分：現代主義的碎片化與重構 二十世紀初，藝術進入瞭一個爆炸性的實驗階段。後印象派（如塞尚對結構的幾何化、梵高對色彩的主觀運用）為現代主義奠基。野獸派大膽的色彩釋放，立體主義對多視角的解構與重組，以及未來主義對速度與機械的贊頌，都指嚮一個共同的目標：擺脫對再現的依賴。 我們深入分析抽象藝術的誕生（康定斯基、濛德裏安），探討純粹的綫條、色彩和形式如何錶達精神世界的本質。達達主義和超現實主義則以荒誕、夢境和潛意識為武器，批判理性社會，探索人類心理的深層結構。 第七部分：戰後的多元探索與媒介的拓寬 二戰後，藝術中心轉移，抽象錶現主義（如波洛剋滴畫）體現瞭美國藝術傢對個人情感的極端投入。緊接著，波普藝術（如安迪·沃霍爾）以對大眾文化符號的挪用，模糊瞭高雅藝術與商業産品的界限。 本章的後半部分著重探討裝置藝術、行為藝術、大地藝術的興起，它們挑戰瞭“藝術品必須是可收藏的、固定的圖像”這一傳統觀念。影像藝術的介入，使得敘事和時間性在藝術作品中占據瞭新的地位，藝術傢們開始使用全新的“工具箱”來探索存在的意義、身份認同和全球化議題。 本書旨在提供一個連貫而詳盡的框架，使讀者能夠理解藝術史並非一係列孤立的風格更迭，而是一個不斷吸收、批判、重塑自身定義的動態過程，是人類文明在不同媒介上留下的深刻印記。