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郑玉明，于海燕 著

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• 动画制作
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• 流程管理
• 动画流程
• 动画工程
• 动画产业

出版社： 中国传媒大学出版社

ISBN：9787565713842

版次：1

商品编码：11792007

包装：平装

开本：16开

出版时间：2015-10-01

用纸：胶版纸

内容简介

　　本书从动画项目的角度研讨动画项目制片人如何进行动画制片管理，如果培养他们统揽全局、逻辑思维和创新能力，如何做好企划动画项目，编制范围、产品、价格、渠道、沟通、进度、成本、收尾和人力资源等制片计划，如果为完成制片计划，保持项目团队的工作热情和活力等。本书基于中国动画产业与市场的发展需要，以全球化的视野，运用项目管理基本理论，融合各种营销管理方法，联系动画项目持征，结合近几年教学实践编写而成。

《电影特效与视觉叙事》 聚焦前沿技术与艺术表达的深度融合 内容简介： 本书是一部全面而深入探讨当代电影特效制作流程、技术原理与视觉叙事策略的专业著作。它旨在为电影制作、视觉效果（VFX）从业者、特效技术学习者以及对电影艺术与技术交叉领域感兴趣的观众，提供一个清晰、详尽的知识框架和实践指南。我们深知，在当今的电影工业中，特效早已超越了单纯的“修补”或“增强”功能，它已成为推动叙事、塑造世界观和提升观众沉浸感的核心力量。 第一部分：特效的基石——技术与艺术的交汇点 本书首先从理论基础入手，系统梳理了电影特效的历史演进及其在不同电影类型中的作用。我们不满足于简单的罗列技术名词，而是深入剖析了“创意驱动技术”的核心理念。 1. 数字图像处理与合成原理： 详细介绍了从2D到3D的色彩空间、光照模型、运动跟踪（Matchmoving）技术，以及分层合成（Compositing）中的关键技术，如抠像（Keying）、遮罩（Masking）和深度信息（Depth Information）的应用。重点解析了如何通过精细的合成技术，实现物理真实感和风格化视觉效果的完美统一。 2. 物理模拟与程序化生成： 探讨了流体动力学（火焰、烟雾、水体）、刚体与软体动力学（爆炸、布料、毛发）的计算机模拟技术。本章特别强调了艺术指导在控制复杂物理模拟输出中的重要性，指出技术人员必须理解艺术家的意图，才能将冷硬的计算转化为富有生命力的动态画面。此外，还涵盖了程序化建模和环境生成（如 Houdini 节点网络）的效率优势。 3. 虚拟摄影棚与实时渲染： 随着实时渲染引擎（如 Unreal Engine, Unity）在电影制作中的应用日益广泛，本书用大篇幅介绍了“虚拟制片”（Virtual Production）的工作流。解析了 LED 墙技术（Volume Technology）的工作原理、时延管理、摄像机跟踪的精度要求，以及它如何彻底改变了传统绿幕拍摄的局限性，使导演和摄影师能在拍摄现场即时预览最终的视觉效果。 第二部分：从概念到银幕——VFX 工作流程的精细解构 特效制作是一个高度依赖流程管理和跨部门协作的复杂过程。本书按照标准的工业流程，层层剥开其内部运作机制。 1. 前期准备与概念设计： 强调在“Pre-visualization”（预可视化/Pre-vis）阶段，特效团队如何与导演、美术指导紧密合作。通过故事板、概念艺术和初步的3D布局，确定视觉风格、技术难度和预算范围，确保特效服务于叙事，而非反客为主。 2. 资产创建与数字角色： 深入讲解数字资产的生命周期，包括高精度扫描、数字雕刻（Sculpting）、纹理绘制（Texturing）和骨骼绑定（Rigging）。尤其关注复杂数字角色（Digital Human）的制作瓶颈，如皮肤次表面散射（SSS）、眼睛的微反射处理和表演捕捉（Performance Capture）数据的清洗与应用。 3. 现场指导与数据采集： 特效现场指导（On-Set Supervision）的角色至关重要。本章详细阐述了现场人员需要关注的焦点，包括摄影机的镜头参数、环境光照的测量（HDRI采集）、深度信息标记（Lidar扫描），以及如何确保实拍素材与后期数字内容在物理层面完美契合。 4. 后期整合与最终调色： 讨论了合成团队如何将数以百计的元素层（Layers）无缝整合。分析了“Look Development”（外观开发）在合成阶段的实践，即如何通过精密的色彩校正和光影处理，赋予所有元素一致的摄影机胶片质感或数字质感，并为最终的调色（Color Grading）打下坚实的基础。 第三部分：叙事驱动——特效的艺术层面 本书的核心论点在于，最优秀的特效永远是“隐形”的，它为故事服务，而非炫技。 1. 可信度与观众心理学： 探讨了“可信度”（Plausibility）的概念。一个成功的特效场景，并不一定要求绝对的物理真实，但必须符合观众在特定叙事世界观中建立起来的规则。例如，在高度风格化的动画电影中，写实的物理模拟反而会破坏整体风格。 2. 节奏、时机与情感传递： 分析了特效的“时机”（Timing）对情感爆发力的影响。爆炸的慢动作定格、怪物的突然出现、超能力的释放瞬间，都依赖于对时间流逝的精确控制。通过案例分析，展示特效如何被用作情绪的放大器或叙事节奏的拐点。 3. 风格化特效的构建： 区别于追求“逼真”的写实特效，本书也探讨了如何创造具有强烈艺术辨识度的非写实特效风格，例如某些日本动画（Anime）中对速度线、冲击波的处理，或是某些艺术电影中对抽象元素的具象化表达。 总结与展望： 《电影特效与视觉叙事》不仅是一本技术手册，更是一部面向未来的行业白皮书。它鼓励读者跳出单一软件操作的思维定式，从电影语言和叙事结构的角度去理解和运用视觉技术。随着人工智能（AI）在资产生成、动画补帧等领域的快速渗透，本书最后展望了未来十年，特效技术人员如何通过提升自身的艺术素养和流程整合能力，来驾驭这场技术革命，确保创意始终引领技术的发展方向。 本书适合所有致力于在影视行业中，将技术能力转化为卓越视觉体验的专业人士研读。

评分☆☆☆☆☆

这本书的价值，在于它成功地将“艺术创作的激情”与“商业运作的严谨”这两极，通过制片管理这条主线紧密地粘合在一起，没有让任何一方显得多余或被牺牲。我特别喜欢它在讨论“质量控制”时的那种不妥协精神。它没有迎合大众对“低成本高效率”的盲目追求，而是清晰地界定了不同类型项目（比如院线动画、流媒体剧集、短片）的质量标准临界点，并教导制片人如何在预算压力下，做出“不损害核心体验”的取舍。这是一种非常成熟的行业观，它告诉读者，管理不是妥协的艺术，而是优化选择的科学。阅读过程中，我反复被那些关于“细节决定成败”的实例所触动，尤其是对声音设计和后期调色的预算分配建议，极其具体且实用。总而言之，这是一本从实战角度出发，深刻理解动画生命周期的专业指南，读完后让人心悦诚服，迫不及待想在实际工作中应用其中的智慧。

评分☆☆☆☆☆

说实话，刚开始翻阅这本书时，我的内心是抱持着一种“能不能看完”的怀疑态度的。毕竟，动画制片这个领域，很多时候是靠经验和圈子文化在支撑的，纯文字的理论真的能管用吗？但这本书的叙述方式彻底打消了我的疑虑。它没有一味地强调“大局观”，而是非常接地气地将复杂的“制片流程”化整为零，用非常口语化且充满洞察力的笔触，去描绘那些我们外行人永远看不到的幕后博弈。比如，书中对“档期压缩”这个常见难题的处理方式，简直是教科书级别的示范。它没有简单地告诉你“要加快速度”，而是深入剖析了时间节点对不同部门（如原画、动画、后期合成）的连锁反应，以及如何在不牺牲核心艺术质量的前提下，通过精妙的排班和资源的重新调配来挤出时间。这种由内而外的解构能力，让我感觉自己仿佛是坐在一个资深制片人的旁边，听他娓娓道来那些年踩过的坑和取得的经验。阅读过程非常顺畅，几乎没有出现阅读疲劳的感觉，这在技术类书籍中是相当难得的。

评分☆☆☆☆☆

这部《动画制片管理》的书籍，对于一个真正想深入了解动画产业运作的门外汉来说，无疑是一剂强心针。我拿到这本书的时候，首先吸引我的是它那严谨的排版和清晰的逻辑结构。我原本以为这会是一本充斥着晦涩术语和枯燥流程的教科书，但翻开目录后，我发现作者似乎非常懂得如何引导读者。书中对于从前期创意到后期发行的每一个环节，都进行了细致入微的拆解。尤其是关于项目预算控制和团队协作的部分，书中通过大量的实际案例分析，展现了如何在一个资源有限的环境下，最大化产出质量的秘诀。它不像一些理论著作那样空泛，而是提供了大量可操作的工具和方法论，比如如何有效地进行风险评估，以及如何利用现代化的项目管理软件来追踪进度。对于我这样一个对动画制作流程知之甚少的读者来说，它就像是一份详尽的“行业地图”，让我对整个制片环节的复杂性和精妙之处有了全新的认识。读完前几章，我甚至开始对那些看似光鲜亮丽的动画作品背后，所付出的管理心血感到由衷的敬佩。

评分☆☆☆☆☆

对于我们这些希望从行业外围观察产业运作的人来说，这本书提供了一个极佳的“透视镜”。它不仅讲述了“做什么”，更重要的，它揭示了“为什么这么做”。在关于版权和知识产权保护的部分，作者的论述尤为精辟。他不仅仅罗列了法律条文，而是结合了国际合作案例，阐述了在全球化协作的大背景下，如何预先设置合同条款来避免未来可能出现的纠纷，这对于任何涉及跨国合作的项目都是至关重要的参考。此外，书中关于“技术迭代对制片模式的影响”的探讨，也展现了作者的远见卓识。它没有固守过去的成功经验，而是前瞻性地分析了AI辅助制作、实时渲染等新技术将如何颠覆现有的制片周期和成本结构。这种将传统经验与未来趋势相结合的叙事手法，使得这本书不仅是回顾历史的教材，更像是指引未来的灯塔，读完后让人对动画行业的发展方向有了更清晰的判断力。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我惊喜的地方，在于它对于“人”的管理的强调，远超出了我对传统“制片管理”的固有印象。我原以为这类书会集中火力在流程图、甘特图和财务报表上，但《动画制片管理》却用相当大的篇幅讨论了如何建立一个高效且有韧性的创意团队。它深入探讨了不同文化背景的艺术家之间如何有效沟通，以及制片人在面对创意人员的“固执”时，应该采取何种策略来平衡艺术追求与商业现实。书中特别提到了一种“缓冲时间”的设定哲学，它并非仅仅是为意外留出余地，更是一种对创作者心理健康的维护。通过阅读这些章节，我才明白，一个优秀的制片人，其核心能力其实是“同理心”和“沟通协调”，而技术流程只是支撑这些软技能得以高效执行的骨架。这种对“人本管理”的侧重，让整本书的阅读体验变得立体而富有温度，不再是冰冷的机械操作指南。