中国书法宝库:怀素小草千字文

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上海书画出版社 编
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出版社: 上海书画出版社
ISBN:9787547900345
版次:1
商品编码:10391064
包装:平装
开本:大16开
出版时间:2010-04-01
用纸:胶版纸
页数:18

具体描述

内容简介

《怀素小草千字文》,亦称《千金帖》。尾署贞元十五年六月十七日于零陵,书时六十有三,唐贞元十五年为公元七九九年。绢本。草书。八十四行,一千零四十五字。书法古朴淡雅、苍劲静穆。或谓二字值一金,遂誉为千金帖。明文徵明云:绢本晚年所作,应规入矩,一笔不苟,可谓平淡天成。于右任谓:此为素师晚年最佳之作。可谓松风流水天然调,抱得琴来不用弹矣。钤有军司马印、宣和、正和、内府图书之印、赵孟烦印、文徵明印一等鉴藏印。帖前有文嘉、宋荦、毕秋帆、六舟等书签六条。帖后有文徵明、杨珂、宋荦等跋,吴荣光、方士庶等观款。曾经宋宣和内府,明姚公绶、文徵明、严嵩,清宋荦、毕沅、释达受、徐少圃等收藏。该帖为草书学习之最佳范本之一。

前言/序言


翰墨丹青话沧桑:中国古代书画艺术的辉煌篇章 一卷中国古代书画艺术的宏伟画卷,跨越千年,浓缩了中华民族的审美情趣与精神追求。 本书并非聚焦于某一家一派的局部探索,而是致力于展现中国艺术史上波澜壮阔的整体图景,深入剖析了自新石器时代陶器刻符至清末民初的漫长岁月中,书画艺术如何作为民族精神的载体,不断演变、融合与超越的历程。 第一部:笔墨之源——早期书画的萌芽与奠基 (约公元前 2000 年 – 公元 220 年) 本卷追溯汉字与图像表达的原始脉络,探讨了岩画、陶器纹饰中蕴含的早期符号意义。重点研究了战国至秦汉时期,篆书和隶书的定型及其在政治、礼仪和日常生活中的核心地位。 文字的符号化与艺术化: 考察秦始皇统一文字对书体规范化的影响,以及隶书在隶变过程中,如何从实用性中逐渐释放出审美张力。我们细致分析了汉代简牍、碑刻中隶书的体势变化,如“蚕头燕尾”的形成,并讨论了这一阶段书法与篆刻艺术的初步交融。 图画的叙事与象征: 深入剖析汉代画像砖、画像石中的图像语言。这些作品不仅是历史的见证,更是早期绘画技法和审美观念的集中体现。探讨其用线、构图以及对神话、历史故事的表达方式,并将其置于两汉社会思潮的背景下进行解读。 漆器与帛画的早期色彩探索: 介绍楚文化漆器上精妙的动物纹样和神怪图腾,以及长沙马王堆出土帛画,这些早期湿壁画和绢本绘画的发现,揭示了战国至西汉时期,中国绘画已具备了高超的线条组织能力和对空间感的初步把握。 第二部:魏晋风骨与盛唐气象——书体的嬗变与山水的勃兴 (约公元 220 年 – 公元 907 年) 魏晋时期是中国艺术史上一次深刻的精神革命,士人阶层对个体生命、自然哲思的关注,直接催生了楷书、行书的成熟,并确立了文人画的理论基础。 书法:从法度到性情: 详述了钟繇、王羲之、王献之父子对书体规范的完善与超越。重点分析了楷书的“正”,草书的“变”如何服务于士人的精神需求。通过对“永字八法”等理论的解析,阐释了笔法结构与个人气质的统一。此外,探讨了北碑的雄强与南帖的秀逸,形成的南北书风差异。 绘画的独立宣言: 关注顾恺之“以形写神”的理论对后世的影响。系统梳理了魏晋南北朝时期佛教造像艺术(如云冈、龙门石窟)对人物画的影响,色彩的运用逐渐从服务于宗教的装饰性,转向表现人物内心的刻画。 盛唐气象与山水画的成熟: 唐代国力强盛,文化自信达到顶峰。李思训、李昭道“青绿山水”的辉煌,以及吴道子“吴带当风”的线条革命,标志着中国绘画技法达到了一个高峰。同时,探讨了王维对水墨画(禅宗影响下的“画中有诗”)的初步探索,预示着水墨山水即将成为文人艺术的主流。 第三部:宋元气韵与意境深远——士人艺术的巅峰 (约公元 960 年 – 公元 1368 年) 宋代崇文抑武,审美趣味趋向内敛、理性与精微。元代则因“异族入主”,士人将全部情感寄托于笔墨,将书画推向了“写意”的极致。 宋代绘画的格物精神与院体: 深入分析了宋徽宗对画院制度的强化,及其对写实主义的推崇。以范宽的《溪山行旅图》为例,解析北宋山水画对“雄伟”与“理趣”的追求;对马远、夏圭“边角式”构图的探讨,揭示了南宋文人对有限空间中无限意境的营造。花鸟画(如崔白、赵佶)在观察入微和审美情趣上的突破被着重论述。 元四家的文人图式确立: 探讨元代四家(黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙)如何将书法的笔墨技法完全融入绘画,使山水画成为“胸中丘壑”的直接抒发。详细辨析了“披麻皲”、“荷叶皲”等皴法在表现不同审美意趣上的功能,以及他们如何通过“元人笔意”确立了此后数百年的文人画标准。 书法的多元发展: 宋代蔡襄、苏轼、黄庭坚、米芾“宋四家”对晋唐碑帖的继承与创新,尤其是苏轼对“意”的强调,米芾对“刷”的探索,极大地拓展了书法的表现力。元代赵孟頫则以力挽狂澜之势,倡导“复归晋唐”,对后世的帖学产生了决定性影响。 第四部:明清的复古与创新——艺术流派的多元化表达 (约公元 1368 年 – 公元 1911 年) 明清两代,艺术思潮呈现出明显的阶段性特征:明初的继承、中期文人与院体的对立,晚明的技法突破,以及清代的“碑学复兴”与“金石入画”的潮流。 明代的画派纷呈: 分析了以戴进、吴伟为代表的“浙派”对院体的光大,以及以沈周、文徵明为核心的“吴门画派”对元代文人画精神的继承与发扬。重点讨论了董其昌提出的“南北宗论”,这一理论如何被用来划分和总结中国绘画的历史,并对后世的审美取向产生了深远影响。晚明时期,陈淳、徐渭等人的大写意,以其奔放恣肆的笔墨,展现出对传统藩篱的挑战。 清代的学古与变新: 探讨了清初“四僧”(弘仁、髡残、朱耷、石涛)在亡国背景下,如何通过极端的个人风格(如石涛的“一画论”)来表达对旧秩序的反思,他们的笔墨语言更为抽象和观念化。中晚期的“金陵画派”、“扬州八怪”则以其奇崛、世俗化的题材和强烈的个性化笔触,丰富了清代画坛的面貌。 碑学的崛起: 详细阐述清代中后期,随着金石学的兴盛,书家们开始从秦汉碑刻中汲取力量,以对抗帖学的僵化。以邓石如、包世臣、吴昌硕为代表的书家,如何将篆隶的雄强融入楷、行之中,重塑了中国书法的审美基石,形成了“碑入帖、帖入碑”的宏大格局。 本书旨在为读者提供一个宏观且深入的视角,理解中国书画艺术作为一种独特的东方哲学表达方式,如何在历史的洪流中保持其内在的生命力与时代精神的契合。通过对不同历史时期风格的梳理、技法的分析以及理论的阐释,展现中国艺术的博大精深与无穷魅力。

用户评价

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说实话,我对很多书法教材的排版都有点审美疲劳,它们要么就是黑白对比太强烈,要么就是图片清晰度跟不上,导致很多细微的笔触细节丢失。然而,这本选用的字帖清晰度简直是达到了惊人的地步,简直就像是直接对着原件在临摹一样。我以前临摹一些古帖,总感觉自己抓不到那个“墨的洇化效果”,总觉得自己的墨迹太死板。翻阅这本书后才发现,原来是底本的选择和扫描技术决定的。它保留了原帖上那种“干湿浓淡”的层次感,某些地方的枯笔飞白,那种“不着墨”的张力,被完美地还原了出来。这对我临摹时控制墨量的帮助是巨大的,我开始明白,什么时候需要“饱满润泽”,什么时候需要用“飞白”来制造速度感和呼吸感。这种对墨色细节的忠实再现,是技术层面对艺术理解的巨大提升。

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这本书的装帧设计简直是大师手笔,拿在手里就有一种沉甸甸的仪式感。封面那种深邃的墨色,配上烫金的标题,在灯光下流转着低调而奢华的光泽,让人一眼就能感受到其中蕴含的文化厚度。内页的用纸考究至极,那种温润的米黄色调,既保护了视力,又完美地衬托了字体的质感,即便是印刷出来的墨迹,也仿佛能触摸到笔锋的锐利与提按的力度。而且,这本书的版式布局真是太人性化了,每一页的留白都恰到好处,既不显得空旷,也不会让人觉得拥挤,那种呼吸感让阅读的过程变成了一种享受,而不是对眼睛的负担。装订工艺也看得出是下足了本钱,平摊时完全没有拱起或合拢的现象,即便是长时间翻阅,书脊也丝毫没有松动的迹象,这对于需要反复摩挲、仔细揣摩的艺术类书籍来说,简直是太重要了。光是捧着它,就已经觉得心神宁静,仿佛提前进入了一种专心致志的研习状态。这绝对不是一本普通的印刷品,它更像是一件精心打磨的艺术品,收藏价值和实用价值都达到了一个很高的平衡点。

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这本书的学术价值和辅助学习材料的编排,做得非常到位,让人感觉背后有一支功力深厚的专家团队在支撑。它不仅仅是简单地将经典作品堆砌在一起,而是加入了一些非常具有洞察力的评论和考证。比如,对于一些容易产生争议的字的点画归属,书中都会给出非常严谨的考证过程,引用了不同时期的碑帖作为佐证,而不是一家之言。这种严谨的态度,让我在学习之余,也能对整个书法的历史脉络和流变有一个更清晰的认识。此外,它对一些经典段落的“拆解”分析,例如某一段落如何体现了书家一生的心境变化,或者在不同结构中如何巧妙地运用了“欹侧避让”的原则,这些深入的解读,让原本枯燥的临摹过程,多了一层“解密”的乐趣。这就像一位高明的老师,在你旁边,不仅教你写字,更教你如何“看”字。

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我最近在尝试接触一些宋代的大家,尤其是那些对笔法变化有着独特理解的书家,总觉得在学习初期,需要一些能够帮助建立“骨架”和“筋脉”的范本。这本书给我的感觉,就是提供了一个极佳的参照系,它不是那种死板的、只展示成品的美感,而是更侧重于让你理解书写者在特定情绪和结构下的内在逻辑。比如,其中对线条的处理,那种时而如锥画沙,时而若蚕食桑的微妙过渡,书中通过高清的局部放大和对比分析,展现得淋漓尽致。我特别喜欢它对“气韵”的解读,不同于其他书籍泛泛而谈的“神采飞扬”,这里的分析更加具象化,联系到了运腕的提气、中锋的内敛与侧锋的外拓是如何共同构建起一篇作品的生命力的。对于初学者来说,这种从宏观到微观、由表及里的梳理,比直接模仿更容易让人理解“为什么”要这样写,而不是仅仅停留在“怎么写”的层面,极大地拓宽了我在理解中国传统美学结构上的视野。

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我个人非常看重工具书在“易用性”上的设计,很多大部头的艺术典籍,虽然内容好,但往往因为尺寸过大或者重量太沉,不适合放在书桌上随时翻阅和对照。这本书的开本设计就非常巧妙,它在保证字帖尺寸足够大、能够看清细节的同时,又兼顾了日常使用的便携性。拿在手上,既有“厚重感”,又不至于笨拙。更让我赞赏的是,它在辅助参考资料的排布上,采取了一种“小窗格”的设计理念,比如在主帖旁边,会用非常小的篇幅,穿插一些相关书家的对比性作品片段,让你在看A字帖时,能够立刻联想到B字帖的异同。这种并置对比的方式,极大地提高了学习效率,避免了为了查阅参考资料而频繁更换书籍的麻烦。可以说,这本书在“如何让学习更有效率”这一点上,考虑得非常周到和细致。

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黄庭坚松风阁诗帖黄庭坚松风阁诗帖黄庭坚松风阁诗帖

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《怀素小草千字文》,亦称《千金t帖》。w尾z署贞元B十C五年六G月十七日于零陵,书时六十有三,唐贞元十五年为

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好 很喜欢 喜欢怀素的草书漂亮

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原来是薄薄几页毛笔字

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怀素小草好

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老妈学习书法要用。买了第二本了

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此帖古朴、雄拙,甚佳。

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每一个美丽的故事都是一个美丽的梦,在美妙的梦幻中成长是幸福而快乐的。那些伴随着一代又一代人成长的经典童话,如同泉水般滋养着人们的心灵,带给我们良善的美德和智慧的火种。

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不错

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