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蔡松琦 著

图书标签:

• 流行音乐
• 和声
• 音乐教材
• 艺术教育
• 蔡松琦
• 上海音乐出版社
• 音乐理论
• 高等教育
• 专业教材
• 9787805535258

店铺： 佳期如梦图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787805535258

商品编码：29684834471

页数：452

图书基本信息
书名：	流行音乐和声技法
作者/主编：	蔡松琦
出版社：	上海音乐出版社
ISBN号：	9787805535258
出版年份：	1997/7/1

版次：	第1版
总页数：	452页
开本：	16
图书定价：	35元
实际重量：	499g
新旧程度：	全新正版

蔡松琦，广东省揭西县人，1939年生。1962年毕业于上海音乐学院理论作曲系。长期从事和声学的教学与研究以及音乐文献的翻译工作。现任广东省音乐家协会副主席，星海音乐学院院长、教授。主要著作有《近现代和声的线条思维与线条结构》、《和声音响的多维性》，译著《二十世纪音乐精萃》、《二十世纪的音乐语言》等。

正文

《流行音乐和声技法》是一本研究和讲述流行音乐和声、兼有教学与应用意义的实用性和声著作。

　　流行音乐又称通俗音乐，是当今世界文化领域中一般势不可挡的潮流，也是音乐发展到一定阶段的必然产物。它既是一种音乐形式、风格和流派的体现，也是一种复杂的文化现象与社会现象。
　　流行音乐和声写作技法与传统和声相比，既有本身的特色又有互相兼容的一面。
　　《流行音乐和声技法》在写作上重点突出了流行音乐的特色部分，无论在理论的阐述、图表的设计、谱例的分析上都花了不少笔墨。至于与传统和声学兼容的手法，其中包括像转调这样重要的手法，限于篇幅只好割爱，请者参阅一般的和声学教程。

《西方音乐史：从古至今的旋律之旅》 本书旨在为读者提供一个全面而深入的西方音乐史的宏观视角，涵盖了从古希腊的音乐理念萌芽到20世纪末的多元发展历程。这不是一本侧重于技术分析或特定流派技巧的教材，而是一部旨在梳理音乐在人类文明演进中扮演角色的通史读物。 第一部分：音乐的曙光与中世纪的回响 本部分将追溯西方音乐的源头，探讨古希腊音乐理论中“和谐”（Harmonia）与“伦理”（Ethos）的概念，以及这些哲学思想如何奠定了西方音乐思维的基础。我们将考察罗马帝国衰落后，音乐在教会体制下的保存与发展，重点阐述格里高利圣咏的形成、记谱法的早期探索，以及单音音乐（Monophony）在礼拜仪式中的主导地位。 随后，我们将进入中世纪盛期，深入剖析复调音乐（Polyphony）的诞生与早期发展。从巴黎圣母院乐派（Notre Dame School）的出现，到奥尔加农（Organum）技法的成熟，我们会详尽描述音乐家们如何突破单音的限制，探索不同声部交织的可能性。此外，世俗音乐，特别是游吟诗人（Troubadour/Trouvère）和“演奏者”（Minstrel）的歌曲，也将被纳入考察范围，展现音乐在宫廷和民间的生活面貌。 第二部分：文艺复兴的复苏与和声的觉醒 文艺复兴时期是人文主义思潮高涨的时代，音乐也迎来了重大的变革。本章将侧重于“人声”的回归与对清晰文本表达的追求。我们将详细分析佛兰德斯乐派（Franco-Flemish School）大师如若斯坎（Josquin des Prez）的作品，理解模仿手法（Imitation）和对位法（Counterpoint）如何服务于文本的意义表达。 接着，我们将探讨音乐在不同地域的差异化发展，特别是意大利牧歌（Madrigal）的兴起，它标志着情感表达自由度的增加。在技术层面，我们关注早期调性概念的雏形，以及五度圈（Circle of Fifths）思维的初步建立。同时，乐器制造的进步，如鲁特琴和维奥尔琴的普及，也为后来的器乐发展埋下了伏笔。 第三部分：巴洛克时代的辉煌与戏剧性 巴洛克时期（约1600-1750年）是西方音乐史上一个充满活力和装饰性的时代。本部分将从歌剧的诞生入手，分析蒙特威尔第（Monteverdi）如何通过“第二实践”（Seconda Pratica）确立戏剧性的音乐表达，以及咏叹调与宣叙调的区分。 我们将重点剖析巴洛克音乐的核心特征：对位法的巅峰（以巴赫的赋格曲为例）、持续低音（Basso Continuo）的基石作用、以及“情感理论”（Doctrine of Affections）指导下的音乐结构。协奏曲（Concerto）的兴起，特别是维瓦尔第（Vivaldi）的快慢快三部结构，将作为器乐发展的重要里程碑。最后，我们会回顾巴赫和亨德尔的集大成之作，为即将到来的古典主义奠定基础。 第四部分：古典主义的秩序与清晰 古典主义时期（约1750-1820年）强调平衡、清晰的结构和自然的美感。本章将详细解析奏鸣曲式（Sonata Form）的结构原理，它是古典主义器乐的骨架。海顿（Haydn）作为“交响曲之父”，其在交响乐和弦乐四重奏发展中的关键作用将得到充分展现。 莫扎特（Mozart）的作品，则代表了旋律的完美与情感的内敛平衡。我们将分析他歌剧中的人物塑造，以及他如何将成熟的对位技巧融入到清晰的古典框架中。贝多芬（Beethoven）则被视为承前启后的巨人，他的早期作品遵循古典规范，而中后期作品则开始突破形式的束缚，预示着浪漫主义的到来。 第五部分：浪漫主义的激情与个性解放 浪漫主义音乐（约1820-1910年）的核心在于主观情感的无限扩张和个人体验的表达。本部分将探讨这一时期音乐语言的扩展：和声的极大丰富（半音的使用增加）、旋律的自由化、以及管弦乐队规模的空前扩大。 我们将考察舒伯特（Schubert）的艺术歌曲（Lied）如何将诗歌与音乐完美融合，肖邦（Chopin）对钢琴这一乐器的极致探索，以及李斯特（Liszt）的交响诗（Symphonic Poem）如何创新了器乐叙事的方式。此外，民族主义音乐（如德沃夏克、斯美塔那）的兴起，展示了音乐与国家身份认同的紧密联系。晚期浪漫主义如瓦格纳（Wagner）的“整体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）和马勒（Mahler）的交响史诗，将作为此阶段情感张力的顶点进行探讨。 第六部分：二十世纪的破碎与重构 二十世纪是西方音乐史上最为动荡和多元的时期。本章将聚焦于对传统调性体系的颠覆。从德彪西（Debussy）和印象主义对音色和氛围的探索，到斯特拉文斯基（Stravinsky）的原始主义对节奏的强调，音乐的焦点转向了新的领域。 我们将深入分析勋伯格（Schoenberg）及其追随者如何创立了十二音体系（Dodecaphony）和序列主义，以应对传统和声的“崩溃”。与此同时，新古典主义的回归、巴托克（Bartók）对民间音乐的吸收、以及极简主义（Minimalism）对重复和过程的关注，都展示了作曲家们在面对“何为音乐”这一根本问题时的不同回答。最后，我们将触及电子音乐、偶然音乐等前沿探索，总结二十世纪音乐的广阔图景。 结语 本书的最终目的，是帮助读者理解音乐并非孤立的技术集合，而是与社会、哲学、技术和艺术思潮紧密交织的文化产物。通过这一历史脉络的梳理，读者将能以更广阔的视野去聆听和欣赏西方音乐的深邃内涵。

评分☆☆☆☆☆

作为一名已经工作多年的音乐制作人，我深知理论与实践之间的鸿沟。很多理论书读起来让人觉得“知道归知道，但实际用不出来”。这本书在这方面做得尤为出色，它真正体现了“技法”二字。它不仅教你如何识别和弦，更重要的是，它提供了一套完整的“和声设计流程”。从动机的构建到段落的展开，每一步都提供了可供参考的模板和变体。我尝试着用书里介绍的“旋律导向和声”方法来处理一个拖了很久的Demo，结果发现歌曲的层次感瞬间丰富起来，解决了我过去在桥段部分设计容易陷入俗套的难题。这本书的价值在于，它为你提供了一个坚实的理论框架，但更重要的是，它鼓励你去打破框架，去创造属于自己的声音。这是一本值得反复研读，并且会随着你音乐阅历的增长而展现出新层次的宝贵资料。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，我之前买过很多声称是“流行和声圣经”的书，但很多都只是把古典和声理论换了一层流行乐的皮，工具性远大于思想性。然而，这本教材的视角非常独特，它似乎在引导读者去思考“为什么流行音乐需要这些和声”，而不是单纯地“如何使用这些和声”。书中对“情绪色彩”与“和声密度”之间的关系进行了富有洞察力的探讨，这对于提升我对歌曲氛围的把控能力至关重要。比如，书中分析了在流行抒情歌中，如何通过微妙的副属和弦变化来制造“欲言又止”的张力，这种细腻的笔触，是很多其他教材所缺乏的。我特别欣赏作者在讲解过程中所展现出的那种对音乐的深切热爱和严谨的学术态度，这使得整本书读起来既有学术的深度，又不失艺术的灵动。

评分☆☆☆☆☆

这本书的编排逻辑非常清晰，就像是搭建一座精密的音乐建筑，地基打得牢，上层的结构才会稳固。它不是那种“想到哪儿讲到哪儿”的零散笔记集合，而是层层递进，从最基础的三和弦开始，稳步过渡到复杂的副属和弦群、半音进行以及模态和声的引入。对于我这种自学多年的业余爱好者而言，之前很多模棱两可的概念，比如“导音的强进行”和“平行五八度的规避”，在书中的情境化解释下，变得清晰明了，不再是死板的教条。另外，这本书对于教材的定位把握得非常好，它足够严谨，可以作为音乐学院学生的参考资料，同时又足够贴近实际创作，让键盘手和吉他手都能从中获益匪浅。书本本身装帧精美，无论是放在书架上还是经常翻阅，都让人感到愉悦。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我拿到这本书时，其实是抱着一丝怀疑态度的，毕竟市面上关于和声学的教材汗牛充栋，真正能兼顾“流行”与“深度”的少之又少。然而，这本书很快就用它的专业性和实用性打消了我的疑虑。最让我惊喜的是，它对特定风格——比如R&B的复杂转调技巧、爵士布鲁斯和弦替换的逻辑——进行了非常系统和细致的剖析。它没有停留在“这个和弦听起来不错”的层面，而是深入到了为什么“不错”，背后的声学原理和听觉心理学是怎样的。对于那些希望将自己的伴奏或编曲提升到专业水准的乐手来说，这本书提供的技法是立即可用、且具有高度可迁移性的。它更像是一本“武功秘籍”，记录了顶尖音乐人在实战中如何运用和声来制造张力、释放情感的秘密。我甚至开始用书里的方法去解构我最喜欢的几首老歌，每一次都有新的发现，成就感爆棚。

评分☆☆☆☆☆

这本乐理书简直是音乐学习者的一盏明灯，对于我这种从小就对和声学有点迷茫的人来说，它的讲解方式简直是醍醐灌顶。作者没有采用那种枯燥乏味的学院派说教，而是非常巧妙地将复杂的和声概念融入到实际的流行音乐案例中去分析。比如，书中对七和弦、九和弦的运用，以及如何通过色彩和声来烘托歌曲情绪，都有非常生动具体的示范。我特别喜欢它对“功能和声”在现代流行乐中的演变做了深入探讨，让我明白了那些听起来很“酷”的进行背后，其实有着深厚的古典基础和巧妙的创新。阅读过程中，我感觉自己不仅仅是在学习理论，更像是在和一位经验丰富的编曲老师面对面交流。每一个小节的分析都配有清晰的五线谱和简谱对照，即便是初学者也能很快跟上思路。这本书的排版也很人性化，纸张质量上乘，阅读体验极佳，让人忍不住一页一页地往下翻，完全停不下来。可以说，它极大地拓宽了我对流行音乐创作的认知边界。