人音版高中音乐演奏吉他+乐队音乐书 普通高中课程标准实验教科书教材课本 L新课标高中音乐 演奏 ( pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103037218

商品编码：29626173003

丛书名： L新课标高中音乐 演奏 (全1册)

出版时间：2009-07-01

高中音乐教科书 演奏 （乐队 吉他）
版本：2009年7月 第1版

印次：2012年7月 第7次印刷（由于到货批次不同，不保证每本都是同一批次印刷，介意慎拍）
编著：人民音乐出版社 北京教育科学研究院 组编
出版社：人民音乐出版社

定价：16.55
ISBN：9787103037218
页数：116页
大小：A4

演奏  乐队

音符的旅程：精选古典与现代钢琴作品赏析 本书精选了自巴洛克时期至二十世纪的经典钢琴作品，旨在为钢琴学习者和爱好者提供一个深入理解音乐史、拓宽演奏视野的平台。我们摒弃了对具体教材内容的罗列，转而聚焦于音乐作品本身的美学价值、历史背景及其技术挑战的剖析。 第一部分：巴洛克的回响与古典的严谨 本部分带领读者穿越到音乐的奠基时期。我们详细探讨了巴赫的复调艺术，特别是《平均律钢琴曲集》中赋格曲的结构逻辑与演奏中的平衡性处理。我们不涉及吉他演奏技巧，而是深入剖析了羽管键琴音乐向钢琴音乐过渡时期的审美变化。例如，在分析巴赫的D小调托卡塔与赋格时，重点在于其逻辑的严密性、声部的清晰度，以及如何通过触键的细微差别来区分不同声部的主题。 紧接着，我们将目光投向海顿与莫扎特的奏鸣曲。海顿被誉为“交响乐之父”，其奏鸣曲中蕴含的戏剧性冲突与结构上的精巧设计是本书关注的核心。我们通过分析《E小调奏鸣曲》（Hob.XVI:34）的呈示部，阐述古典主义时期“清晰性”和“平衡感”的追求，如何体现在清晰的乐句划分和精确的力度标记中。 莫扎特的钢琴作品则代表了典雅与灵性的完美结合。本书侧重于分析其奏鸣曲中抒情段落的处理。例如，在《C大调奏鸣曲》（K.545）的第二乐章中，我们探讨了歌唱性旋律的“呼吸感”如何通过踏板的精妙运用和揉弦（如果适用，指钢琴触键的连续性）的控制来体现，强调的是音乐的歌唱性，而非任何特定教学体系的进度要求。我们完全避开了对现代流行音乐或特定乐器（如吉他）演奏法的讨论。 第二部分：浪漫主义的激情与个性的张扬 浪漫主义时期是钢琴文献最为辉煌的篇章之一。本部分侧重于情感的深度表达和钢琴音响的巨大拓展。 贝多芬的作品是这一时期的桥梁。我们深入研究了他的“晚期奏鸣曲”，特别是《降B大调第29号钢琴奏鸣曲》（“哈农”之外的另一个维度）。我们分析了其宏大的结构，以及如何通过对音域的极限探索来表达超越古典框架的个人情感。在讨论其演奏时，我们关注的是力度对比（sforzando的突然性与pianissimo的内在张力），而不是和弦的简单分解或特定指法的练习。 肖邦的作品是浪漫主义钢琴独奏的巅峰。本书对肖邦的夜曲、叙事曲和练习曲进行了细致入微的品鉴。例如，在分析降E大调夜曲（Op.9 No.2）时，重点在于装饰音的处理必须服务于旋律，即“装饰即音乐”，而非炫技。我们探讨了“rubato”（自由速度）的真正含义，它源于对节奏的内在把握，而非随意拖沓。对于练习曲（如Op.10 No.3“告别”），我们探讨的是它所揭示的情感深度，而不是其作为技术训练工具的价值。 李斯特的钢琴作品以其技术难度和音响的磅礴著称。本书选取了《超技练习曲》中的几首，但分析的重点在于其标题性（Programmatic Nature）和音画般的描绘能力。例如，分析《钟》时，我们探讨的是如何通过击键的精准度和踏板的层次感来模仿钟声的共鸣，而非机械地完成快速音阶的重复。 第三部分：民族乐派与印象主义的色彩探索 随着民族主义思潮的兴起，各国作曲家开始将本民族的民间音乐元素融入钢琴创作。我们考察了德彪西和拉威尔的印象派作品，它们彻底改变了人们对钢琴音色的认知。 德彪西的作品，如《亚麻色头发的少女》和《月光》，强调的是光影、色彩和氛围的捕捉。本书详细解析了其和声语言的模糊性，如全音阶和五声音阶的使用，以及如何通过踏板的延长和轻柔的触键（toucher léger）来营造“水波纹”或“雾气”般的音响效果。这完全是一种听觉体验的重构，与任何乐器特定的演奏模式无关。 拉威尔的作品则更为精致和清晰，带有新古典主义的烙印。我们比较了《加斯帕的夜》中对音色的精细调配，重点分析其对键盘触点的极端控制要求，以达到如乐队配器般丰富的音响层次。 此外，我们还简要触及了俄罗斯的民族乐派，如穆索尔斯基的《图画展览会》，关注其通过音乐模仿不同艺术品所展现的叙事能力和强烈的民族色彩。 第四部分：二十世纪的突破与多元探索 进入二十世纪，钢琴音乐进入了一个前所未有的自由探索阶段。本书不再受限于传统曲式或调性。 我们考察了斯特拉文斯基新古典主义时期的作品，关注其对早期风格的解构与重组，以及对清晰节奏和坚硬音响的偏爱。 巴托克的室内乐和钢琴作品，以其对匈牙利民间音调的吸收和复杂的节奏结构著称。本书侧重于分析其对“拍子”和“不对称节奏”的处理，这要求演奏者具备极强的节奏内驱力。 最后，我们探讨了勋伯格和布列森等人的十二音体系和偶然音乐的理念。这不是关于如何“演奏”这些作品的教学，而是关于理解作曲家如何打破传统美学，重新定义“音乐”的本质。例如，在分析布列森的《三首练习曲》时，我们探讨的是如何精确执行作曲家设定的非传统演奏指示，这关乎对音乐结构和意图的纯粹理解。 总结：超越指法，探寻音乐的灵魂 全书始终坚持从音乐史、美学和结构分析的角度切入，力求提供一个广阔的、跨越特定乐器或教学大纲的音乐鉴赏框架。我们关注的是这些作品之所以伟大的原因，它们在人类艺术史上的地位，以及它们对后世音乐的影响，而非任何具体的、分步式的演奏指南或练习方法。本书的价值在于深化读者对钢琴文献的理解深度和艺术品位，引导学习者进入一个更广阔的音乐世界，去聆听、去思考、去感受那些不朽的音符所承载的全部信息。

评分☆☆☆☆☆

不得不说，这本教材的编写风格十分严谨，带着一种学院派的扎实感，这对于高中阶段的学生来说，建立正确的学习规范至关重要。它的递进关系设计得非常科学，从最简单的开放弦练习到复杂的和弦转换，每一步都有清晰的“脚手架”支撑，确保学生不会因为难度突然增加而产生畏难情绪。比如，它似乎采用了“主题先行，技巧后补”的教学法，先让你接触一个完整的旋律片段，激发你学习的兴趣，然后再回过头来讲解支撑这个片段所必须掌握的特定技巧，这种方式比传统枯燥的“技巧-练习-应用”链条更具吸引力。当然，对于一个习惯了快餐式学习的现代学生来说，这种严谨可能需要一定的耐心去适应，但从长远来看，这种打地基的功夫绝对是值得的。希望在接下来的章节里，能看到更多关于如何维护和保养吉他的实际操作指南，这对于高中生来说也是一项重要的生活技能。

评分☆☆☆☆☆

与其他市面上常见的吉他教程相比，这本书在对“演奏”二字的诠释上显得尤为深刻和全面。它似乎在引导学生从“会弹”迈向“会演奏”，这中间的差距是巨大的。我特别关注了其中关于力度控制和音色变化的部分，这些往往是初学者最容易忽略，却又是决定演奏水平高低的关键要素。教材中对拨片选择、揉弦技巧的细致讨论，显示出编者对吉他表现力的尊重和深入挖掘。此外，书中对基础演奏姿势的强调也十分到位，很多长期练习者都因为姿势不当导致肌肉劳损，而这本书从一开始就纠正这些“职业病隐患”，体现了一种对学生负责任的态度。它不仅仅是教你一首歌怎么弹，更是教你如何科学、健康地与乐器相处。我个人非常期待能在后面看到一些关于即兴演奏的入门指导，比如简单的调式运用和音阶跑动练习，让吉他这件乐器真正活起来。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计着实抓人眼球，那种经典的乐谱配上吉他剪影的风格，让人一眼就能认出这是专为吉他爱好者准备的“兵器谱”。我拿到手的时候，首先被它厚实的质感吸引了，感觉不像那种轻飘飘的练习册，更像是一本可以伴随高中三年学习生涯的工具书。内页的排版布局也做得相当用心，五线谱和六线谱的对照清晰明了，即便是初学者也能很快适应这种双重阅读模式。尤其值得称赞的是，教材中对于一些基础和弦指法的图示，清晰到几乎可以手把手教学，每一个按弦的位置都标注得一丝不苟，这对于自学或者老师在课堂上快速演示时，都提供了极大的便利。虽然我还没有深入到曲目部分，但仅从教材的组织结构和呈现方式来看，它无疑是为高中阶段的学习者量身定制的，既顾及了专业性，又兼顾了实用性，期待后续内容能有更多对不同风格曲目的深入剖析，例如古典指弹的技巧过渡，或者乐队伴奏中节奏组的协同配合，这些都是我希望在这本教材中看到的深化内容。总而言之，初印象满分，感觉找到了一个靠谱的音乐伙伴。

评分☆☆☆☆☆

作为一本新课标实验教材，它体现了与时俱进的教学理念，尤其是在对现代音乐元素的融合上做得比较大胆和到位。我查看了它对一些经典曲目的改编或编配思路，能感受到编者在努力平衡传统古典训练与现代流行演奏需求之间的关系。它似乎没有完全抛弃严谨的古典基础，而是将其作为“内功心法”，指导学生去理解和驾驭更现代的音乐语汇。特别是对于节奏型（Groove）的讲解部分，运用了大量的图示和口诀来帮助理解，这比单纯的文字描述要直观得多，极大地降低了对节奏感相对薄弱的学习者的理解门槛。如果说有什么可以让我更期待的，那就是希望在最终的综合应用环节，能提供一些关于如何将所学知识应用到原创编曲中的思路导引，哪怕只是简单的配器法介绍，都能让这本书的价值提升一个维度，成为真正的创作启蒙之作。

评分☆☆☆☆☆

翻开目录，我立刻被其广阔的知识覆盖面所震撼，它显然没有将自己局限于简单的“弹唱入门”。从和声基础的梳理到不同演奏技巧的专题训练，再到对几种不同音乐风格（比如布鲁斯、爵士的片段引入）的简要介绍，可以看出编者试图搭建一个立体化的音乐认知框架，而不仅仅是枯燥的指法练习。特别是关于乐队合作那一部分的章节，理论阐述得非常到位，强调的不是单打独斗的炫技，而是如何通过节奏和声部的相互支撑来构建完整的音乐画面，这对于未来想加入乐队或者参与集体演奏的学生来说，简直是宝贵的财富。我注意到其中对乐理知识的穿插非常自然，它不是将乐理孤立出来进行轰炸式教学，而是直接融入到吉他演奏的语境中，让你在弹奏的同时理解“为什么”要这么按、这么弹，极大地提高了学习的内驱力。如果后续能配上一些详细的音频示范，哪怕只是通过二维码链接的方式，那将是更完美的学习辅助，毕竟吉他演奏，耳濡目染的重要性不言而喻。