默观无限美(西方古典音乐讲座) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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刘岠渭 编

图书标签:

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• 默观
• 美学
• 音乐普及

店铺： 火把图书专营店

出版社： 北京大学

ISBN：9787301261590

商品编码：25003954130

开本：32

出版时间：2016-05-01

基本信息

• 商品名称：默观无限美(西方古典音乐讲座)
• 作者：刘岠渭
• 定价：58
• 出版社：北京大学
• ISBN号：9787301261590

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2016-05-01
• 印刷时间：2016-05-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：32开
• 包装：平装
• 页数：266
• 字数：175千字

编辑**语

默观，沉思，聆赏音乐的新美学；台湾**音乐教育家刘岠渭先生的五大主张 音乐非语言，不要去猜测音乐代表的具象意义，创作背景亦非首要； 要有敬意，要专注，将自己简单、真诚地融入活生生的音响实体里，与之同肌理，共魂魄： 高度的音乐欣赏，建立在高度的理性基础上，通过乐曲分析找寻音乐中的逻辑性，感受音乐**的美； 学会与音乐单独相处； 在家先把唱片听熟，现场聆听才能有好效果。 《默观无限美(西方古典音乐讲座)》让你读懂古典音乐。

内容提要

多年以来，“像传教一样，刘岠渭四处举行讲座 ，向民众介绍古典音乐的美妙动人之处”，媒体如此 记录。《默观无限美(西方古典音乐讲座)》，正是从 作者两千多场精彩讲座淬炼而出的。作者以”西方音 乐史的足迹”“音乐家的故事”“通往古典音乐之门 ”三大部分讲述了音乐史的发展、音乐大师的艺术特 点、个人传奇以及欣赏西方古典音乐必须具备的基本 态度和方法。“音乐的一切内涵都在声音中，抛开心 里的恐惧与偏见的阻碍，直接关照音乐的美感”，开 篇，作者就提出了“听音乐”的核心观点：“在语言 停住的地方，开始了音乐”，对于大多数听众来说， 并不一定熟悉作品的背景，掌握基本的乐理，但是， “听音乐没有所谓‘懂’与‘不懂’的问题，应该在 意的是心灵够不够沉静，专注力够不够让音乐将你纳 入，成为它的一部分，这些才是一个真正的爱乐者所 要努力去追求的”。好的音乐可以激发人的想象力， 让人得到心灵的愉悦和精神境界的提升，这正是作者 从事音乐普及工作的根本目的。
     作者音乐学养深厚，语言优美清新，娓娓道来之 间，让读者克服知识和心理上的障碍，走进古典音乐 的大门。
    

作者简介

刘岠渭，1947年生于台湾省台中市。毕业于台湾艺术大学，1983年获奥地利维也纳大学音乐博士学位；曾任台北艺术大学音乐系系主任、音乐研究所所长。现任财团法人乐赏音乐教育基金会音乐总监。 在台北艺术大学音乐系任教期间，因深感台湾音乐教育所缺的不是演奏家，而是欣赏者的培养，刘教授开始举办各种讲座，向民众普及古典音乐之美；这项行动持续至今近三十年，举办了三千多场讲座，开肩了台湾卉典音乐欣赏的风气，并**许多不会看谱也不会演奏乐器的人进入古典音乐的世界，从中得到无限的精神寄托与满足。刘教授也因此被誉为兼纳中西文化的“音乐传教士”。

目录

再版自序
自序
音乐的基本观念
西方音乐**的足迹
文艺复兴活：生生的“人”站到舞台中间了
巴洛克：富丽堂皇的音乐逍遥游
古典：追求永恒与知性的幸福
浪漫：为僵化的传统开创生命力
20世纪新音乐：客观理性，冷却狂躁热情
音乐家的故事
海顿：怎一个“交响乐之父”了得？
莫扎特：***音乐天才
贝多芬：浩然大气，充塞天地
舒伯特：如歌的乐章
门德尔松：在浪漫狂潮中护卫古典秩序
勃拉姆斯：古典骨架，浪漫诗情
瓦格纳：只手改写歌剧史
比才：为卡门而生
理查·施特劳斯：浪漫余晖的灿烂
普罗科菲耶夫：镰刀与斧头
马勒：春愁黯黯独成眠
通往古典音乐之门
管弦乐
室内乐
协奏曲
艺术歌曲
舞蹈音乐
宗教音乐
刘渭vs.杨忠衡
兼纳东西文化的音乐传教士
关于欣赏音乐的观念
中国音乐的创作、欣赏与前瞻
附录：刘渭古典音乐导聆**CD版本

寂静之音：探寻巴洛克音乐的结构与精神 作者：[此处填写作者姓名] 出版社：[此处填写出版社名称] 出版年份：[此处填写出版年份] --- 导言：时间的河流与永恒的旋律 本书并非旨在追溯那些耳熟能详的古典音乐巨匠的生平轶事，亦非对某一特定时期或流派的全面编年史叙述。相反，我们选择了一条更为内省和结构化的路径，深入探究巴洛克音乐（约1600年至1750年）的内在逻辑、技术基石及其所承载的精神意蕴。巴洛克，这个词汇本身便蕴含着“奇异的珍珠”之意，它标志着西方艺术史上一次深刻的范式转变——从文艺复兴的和谐与平衡，转向对情感的剧烈表达、对形式的精妙建构，以及对听者感官的全面调动。 我们的考察，旨在剥离那些流于表面的浪漫化叙述，直抵巴洛克音乐肌理的深处。我们将专注于那些构建起宏伟音乐建筑的“骨架”——对位法、固定低音的运用、调性的初步确立，以及情感理论（Affektenlehre）如何指导作曲家在声音中雕刻出明确的情绪图景。 第一部分：基石的构建——数字低音与和声的革命 巴洛克音乐之所以能够摆脱中世纪和早期文艺复兴时期较为平坦的复调织体，实现前所未有的戏剧张力和清晰的层次感，关键在于数字低音（Basso Continuo）的系统化应用。本部分将细致解剖这一看似简单的技术如何成为整个巴洛克音乐的驱动力。 1. 低音线的角色：结构之锚 数字低音不仅仅是提供和声支撑的配角。它是一种功能性的、结构性的元素，扮演着“建筑的承重墙”的角色。我们将分析不同乐器组合（如大提琴、低音提琴、维奥尔琴与羽管键琴、琉特琴的搭配）如何共同塑造出既稳定又充满活力的低音线。这种低音的持续性和运动性，是巴洛克音乐结构稳定性的根本保障。 2. 数字的语言：和声的密码学 数字低音记谱法是巴洛克作曲家与演奏者之间高效沟通的“密码”。我们不会简单地罗列和弦标记，而是深入探讨这些数字背后所代表的功能和声关系。例如，一个“6/4”和弦的出现，其潜在的紧张性与解决倾向，如何服务于段落的推进或特定情感的渲染。我们追溯这些记谱规则的起源，理解它们如何训练了作曲家对垂直和声的精确掌控。 3. 从多声部到主调：清晰度的诞生 数字低音的确立，伴随着音乐重心从复调（Polyphony）向主调（Homophony）的过渡。这种转变并非简单的“旋律+伴奏”，而是创造了清晰的层次感。我们将对比早期复调音乐中各声部地位平等的模式，与巴洛克时期主导声部（通常是独奏乐器或人声）与伴奏声部之间明确的主仆关系，理解这种清晰度如何使得情感表达更为直接有力。 第二部分：形式的逻辑——复调的极致与对比的张力 巴洛克时期的形式发展，是对结构逻辑的极致探索。本部分将聚焦于两种核心的组织原则：对位（Counterpoint）的精妙编织与对比（Contrast）手法的运用。 1. 模仿的艺术：赋格的内在逻辑 赋格曲（Fugue）被誉为巴洛克音乐的“思想的建筑”。我们不以介绍巴赫的某部作品为目的，而是着眼于赋格的机制本身。分析呈示部中“主部（Subject）”、“应答（Answer）”的进入方式、转调的规律性（如移入关系大调或属调）、以及中段中“插部（Episode）”如何利用材料的碎片进行逻辑性的发展。探讨如何通过严格的规则，反而激发了作曲家无与伦比的创造力。 2. 对位法的生命力：卡农的精妙 卡农（Canon）作为一种连续模仿的形式，是早期对位技术的典范。我们将解剖不同类型的卡农——如两声部、三声部，以及更复杂的“无限卡农”——它们如何通过音高的精确计算和节奏的巧妙错位，在有限的材料中创造出无限的听觉体验。 3. 对比原则：协奏曲的骨架 巴洛克协奏曲的精髓在于“合奏团”（Tutti）与“独奏团”（Solo）之间的戏剧性对话。本节将分析“快-慢-快”的三个乐章结构如何形成稳定的框架，以及“返始”（Ritornello）结构如何通过主题的回归与变奏，在保持整体统一性的同时，为独奏乐段提供了即兴和炫技的空间。这种对比不仅是音量的对比，更是织体密度和情感强度的对比。 第三部分：情感的编码——修辞学与声音的符号系统 巴洛克艺术的深刻性在于其试图将人类的内在情感转化为可被感知的、具有修辞力量的声音符号。这便是“情感理论”（Affektenlehre）的核心所在。 1. 情绪的语法：固定的情感模型 情感理论假设特定的音乐元素（如音程、节奏型、调性色彩）能够唤起听众心中与之对应的、固定的情感状态（如悲伤、狂喜、庄严、愤怒）。本部分将系统梳理这些情感的“词汇表”：例如，小调与减三和弦往往指向忧郁；快速的三连音或切分节奏指向激动或不安。我们分析作曲家如何将这些“词汇”以修辞学的方式组织起来，构建出完整的情感叙事。 2. 乐器的声音画像：音色与象征 在巴洛克时期，每种乐器都有其特定的“声音画像”和象征意义。例如，小提琴常用于描绘激情或悲伤，长笛带有田园和宁静的色彩，而铜管乐器则象征着王权和胜利。我们将考察这种音色选择背后的文化意涵，以及它们如何与特定的文本或场景（如清唱剧或歌剧中的场景）相匹配，增强音乐的描述性力量。 3. 韵律与呼吸：文本与音乐的结合 在声乐作品中，音乐必须精准地服务于文本的意义。我们将探讨“文本修饰”（Text-painting）的手法，即音乐如何模仿词语的意义（例如，当歌词提到“上升”时，旋律线便向上行进；提到“死亡”时，则可能使用不和谐音）。这种对文本的细致入微的关照，体现了巴洛克音乐家作为“声音修辞学家”的严谨态度。 结语：结构中的自由与永恒的追求 巴洛克音乐的伟大，并非仅仅在于其华丽的外表或复杂的技术，而在于其在极其严格的结构框架内，所展现出的惊人的人性深度与精神探索。本书所展示的，是音乐家们如何通过对低音线的精确控制、对位法的逻辑推演，以及对情感符号的娴熟运用，搭建起一座座既严谨又充满生命力的听觉殿堂。理解这些内在的机制，是真正领会巴洛克音乐跨越时空魅力之所在的关键。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是打开了我对西方古典音乐世界的一扇全新的窗户！我本来只是抱着随便看看的心态，没想到里面的内容却如此引人入胜，深入浅出。作者对音乐史脉络的梳理清晰得令人惊叹，从巴洛克时期的严谨到浪漫主义时期的奔放，再到印象派的朦胧意境，娓娓道来，仿佛一位技艺高超的导游，带领我们穿越了几个世纪的音乐长廊。尤其让我印象深刻的是，书中对于不同作曲家作品的解析，不仅仅是枯燥的乐理分析，更是结合了当时的社会背景和作曲家的个人心路历程，让冰冷的音符瞬间变得有血有肉，充满了人性的温度。读完之后，我再去听那些耳熟能详的曲目时，总能捕捉到一些过去从未察觉的细节和情感层次，这种“顿悟”的感觉，真是妙不可言。它成功地将高雅的古典音乐拉下了神坛，变得触手可及，让我这个音乐门外汉也能领略到其中的深邃魅力。

评分☆☆☆☆☆

坦率地说，我之前参加过一些音乐鉴赏会，讲师们往往专注于炫技式的专业术语，让人望而却步。而这本书则完全不同，它的核心魅力在于对“人文精神”的挖掘。作者深谙，古典音乐是那个时代思想和情感的载体，因此，他总能巧妙地将贝多芬的抗争精神、莫扎特的纯真烂漫，乃至瓦格纳的史诗情怀，融入到对作品的剖析之中。这使得音乐欣赏不再是孤立的听觉活动，而变成了一场跨越时空的文化对话。它教会我的，不仅仅是如何去听音乐，更是如何通过音乐去理解那个时代的人们如何生活、如何思考、如何表达他们最深沉的情感。这本书极大地丰富了我的精神世界，让我明白，古典音乐是人类文明宝库中一颗璀璨的明珠，值得我们用更专注、更饱含敬意的态度去品味。

评分☆☆☆☆☆

这本著作的语言风格和叙事节奏，简直是为那些渴望系统学习却又害怕枯燥理论的听众量身定制的。我个人对音乐理论基础不太牢固，总觉得很多音乐书籍要么过于学术化，要么就是流于表面的泛泛而谈。然而，这本书找到了一个绝佳的平衡点。它没有堆砌晦涩难懂的术语，而是用一种极其生活化、富有画面感的笔触来描绘音乐的结构和情感张力。比如，它形容奏鸣曲式的呈示部、发展部和再现部时，用的比喻新颖又贴切，让我一下子就抓住了核心的概念，而不是被一堆专业名词绕晕。每一次阅读体验都像是在与一位知识渊博又风趣幽默的朋友对饮畅谈，他总能在不经意间抛出一个精妙的观点，让你茅塞顿开。这种流畅的阅读体验，极大地激发了我探索更多古典音乐作品的兴趣，感觉我的音乐品味都被提升了一个档次。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，在拿起这本书之前，我对“古典音乐”的理解仅限于几首脍炙人口的交响乐片段。这本书的价值在于，它构建了一个宏大而精密的知识体系，让我明白这些音乐是如何一步步演变和发展的。它对乐器学和配器的讲解，尤其独到。作者似乎能听到那些“看不见”的音色变化，他描述定音鼓的震撼、弦乐组的丝滑、木管组的灵动，其文字功力丝毫不亚于乐团指挥对音色的把控。读到关于管弦乐队编制的章节时，我甚至能够在大脑中“听”到不同声部如何巧妙地交织、对话，形成复杂而和谐的织体。这种听觉的“再造”能力，是其他任何介绍性读物都无法给予的。它不仅仅是知识的传递，更是一种感官的拓展训练，让人对音乐的创作意图有了更深层次的敬畏。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和装帧设计也体现了一种对古典艺术的尊重。内页的纸张质感温润，不是那种刺眼的白，读起来非常舒服，长时间阅读也不会有视觉疲劳。更值得称赞的是，书中穿插的插图和乐谱片段选择得恰到好处，它们不是随意的装饰，而是与上下文紧密关联的视觉辅助。每当讲到某个重要的转调或者和声变化时，总能看到那个关键小节的放大展示，这对于我这种边听边读的读者来说，简直是福音。这种对细节的打磨，显示出编者对古典音乐爱好者需求的深刻理解。它不仅仅是一本“讲座记录”，更像是一件精心制作的艺术品，值得收藏和反复翻阅，每一次翻阅都能从中汲取新的养分，感受到作者和出版方的匠心独运。