故宫藏画大系二版(一) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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国立故宫博物院 著

图书标签:

• 故宫藏画
• 中国绘画
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出版社： 国立故宫博物院

ISBN：2010010702755

商品编码：16093186

《中华传世瑰宝：中国古代绘画艺术的辉煌历程》 图书简介 本书旨在为广大艺术爱好者、历史研究者以及对中国传统文化抱有深厚兴趣的读者，构建一部全面、深入且富有洞察力的中国古代绘画史画卷。我们聚焦于中国绘画自史前萌芽至清代中晚期的演进脉络，精选最具代表性的作品与艺术流派，力求呈现中华文明中视觉艺术的独特魅力与深厚内涵。 全书结构严谨，内容涵盖了绘画发展的关键节点、核心技法、美学思想的流变，以及不同时代背景下画家的个体创造力。我们摒弃了仅仅罗列名作的浅尝辄止，而是深入剖析了每一阶段艺术风格形成的时代动因、社会基础及其对后世的影响。 第一部分：溯源与奠基——史前、先秦至魏晋南北朝的曙光 本部分追溯中国绘画的源头，从新石器时代的岩画和陶器纹饰中探寻早期人类的审美意识。重点阐述了先秦时期与青铜器、漆器相关的装饰性绘画的特点。 魏晋风骨与神韵的觉醒： 这是一个中国哲学思想（特别是道家与玄学）深刻影响艺术观念的时期。我们详细探讨了“以形写神”的美学原则是如何确立的。顾恺之的“传神论”如何将人物画提升到了前所未有的高度，并通过对其代表作的细致解读，揭示其线条的韵律感和人物内心世界的刻画。同时，探讨了佛教造像艺术对绘画，尤其是壁画和人物画的巨大推动作用，分析了这一时期色彩运用和空间处理的初步探索。 第二部分：盛世气象与技法成熟——隋唐五代时期的恢弘叙事 唐代是中国封建社会的巅峰，其绘画艺术也呈现出前所未有的博大与气魄。 初唐的承袭与发展： 分析了宫廷绘画在题材和风格上的官方化倾向，以及画家如阎立本在人物画上所展现的雄健气势与严谨结构。 盛唐的绚烂与多元： 吴道子被誉为“画圣”，他的“吴带当风”的线条被赋予了极高的评价。本部分将深入分析其笔法的革命性，并将其与张萱、周昉所代表的丰腴典雅、富丽堂皇的“仕女画”风格进行对比，展现唐代世俗生活和审美情趣的多元面貌。 五代十国的精研与分流： 五代时期，宫廷艺术虽然衰微，但专业画家和地方画派开始涌现，尤其在山水画领域，技术探索达到了一个新的高峰。荆浩、关仝等人对北方山水画的雄伟气势的奠定，为宋代全景山水画的成熟打下了坚实的基础。南唐的李煜及其宫廷画派在精细描摹与抒情表达上的成就，也值得深入研究。 第三部分：文人意趣与院体精工——宋代的艺术高峰 宋代是中国绘画史上一个极其重要的转折点，院体画的精工细致与文人画的抒情写意并驾齐驱，共同构建了宋画的辉煌。 北宋的“格物致知”与山水画的巅峰： 论述了宋代哲学思潮对绘画“写实”精神的强调，这直接促成了院体画的高度成熟。重点分析了范宽、郭熙等巨匠如何通过对自然规律的深刻理解，创造出气势磅礴、结构严谨的全景式山水画。特别是郭熙的《早春图》，其“可游、可居、可观”的理论被详尽剖析。 院体人物画的精微叙事： 以张择端《清明上河图》为代表，解析了风俗画的成熟及其社会史意义。同时，探讨了李公麟等人开创的水墨写意人物画对后世文人画的影响。 南宋的变体与抒情： 面对偏安一隅的政治现实，南宋画风转向了更加内敛、更富情感色彩。马远、夏圭的“边角式”构图，突破了北宋的满幅布局，以留白和疏朗营造出深远的意境和萧索的氛围。 文人画的兴起与理念确立： 苏轼、米芾等人将诗、书、画融为一体的理论体系，使“士人”的自我表达成为绘画的核心价值。米家山水“皴擦点染”的技法被视为打破院体桎梏的先声。 第四部分：革新与定型——元、明、清的流派纷呈 元代的墨戏与复古： 元代由汉族知识分子主导的绘画界，形成了“以诗为画，以书为画”的文人画主导地位。赵孟頫的“古意”主张，对后世山水画的风格产生了决定性影响。我们详述了“元四家”（黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙）在笔墨语言上的各自探索，以及如何通过对传统母题的重新诠释，建立起后世文人画的规范。 明代的“画派林立”： 明代绘画呈现出“院体回归”与“文人雅集”的两极化现象。 浙派（戴进、吴伟）： 继承北宋山水遗风，笔墨豪放，气势磅礴，但略显粗犷。 吴门画派（沈周、文徵明、唐寅、仇英）： 代表了明代中期文人画的最高成就。沈周的浑厚沉郁，文徵明的精到严谨，唐寅的秀逸清新，以及仇英的工笔设色，共同构成了对元代传统的继承与发扬。 晚明的“个性解放”： 松江派董其昌提出了“南北宗论”，对中国绘画史进行了第一次系统性的理论划分，并以其“淡墨写意”的风格，影响了清初的画坛。 清代的集大成与探索： 清代初期，画家们在如何处理“四王”所代表的摹古传统与个人创新之间进行了艰难的平衡。 “四王”的集大成： 王时敏、王鉴、王翚、王原祁，他们以“临摹”为基础，将元、明各家笔墨经验系统化，形成了“正统”的院派风格，标志着传统笔墨语言的集大成。 “四僧”的离经叛道： 弘仁、髡残、朱耷（八大山人）、渐江，他们以强烈的个性与象征手法，将笔墨的象征意义推向极致，他们的作品成为后世现代主义艺术的先声。 扬州八怪的世俗化与地域色彩： 探讨了金农、郑板桥等在承袭文人画笔墨基础上，融入了民间趣味和强烈的世俗关怀，为清代中晚期绘画注入了新的活力。 结语： 本书通过对上述脉络的梳理与解析，旨在展示中国古代绘画不仅是技艺的展示，更是哲学思想、社会变迁、文人情怀的综合载体。读者在阅读过程中，将能够体会到中国传统艺术“外师造化，中得心源”的深邃境界。本书配有大量高清的图例分析，力求图文并茂，使抽象的艺术理论变得具体可感。

评分☆☆☆☆☆

我一直认为，好的艺术图集，其价值不在于收录了多少“名作”，而在于它如何引导读者去“看”这些作品。这套画册在这方面做得非常出色，它似乎有一种魔力，让你从一个普通的旁观者，逐渐变成一个更具洞察力的欣赏者。我发现自己开始留意那些“边角料”——画作边缘的印章、题跋的字体风格，甚至是装裱时所用的绫绢的纹理。这套书的装帧设计本身就是一种“艺术展示”，它用现代的工艺，向我们展示了古代艺术的整体面貌，包括物质载体本身的历史。每翻过一页，都像是在进行一次小型的时间旅行，你几乎能闻到古纸张特有的、混合着灰尘与墨香的复杂气味。这种沉浸式的体验，是任何电子屏幕都无法替代的。

评分☆☆☆☆☆

这部厚重的画册拿到手里，首先被它的分量和精美的装帧震撼了。内页纸张的质感极佳，触感温润，那种泛着淡淡光泽的米白色调，与那些穿越了数百年时光的墨宝和丹青相得益彰。我特意找了个光线充足的午后，沉浸在这册书里，感受最深的便是那种扑面而来的历史厚重感。每一幅作品的印刷精度都令人赞叹，色彩的过渡和细节的描摹，几乎可以让人想象到当年画家运笔时的情景。特别是那些需要细细品味的宋元时期的工笔重彩，那些人物的衣褶、花卉的脉络，都清晰可见，丝毫没有因为时代的变迁而失真。我尤其喜欢其中几幅描绘山水的巨制，那种深邃的意境，仿佛真的能带领观者进入那云雾缭绕的仙境之中。这套书的编排也显得十分考究，不是简单的年代罗列，而是能看出编纂者在学术上的用心。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我对传统艺术的理解可能还停留在比较初级的阶段，但这本书却提供了一个非常友好的“入口”。它不像那些纯粹的学术专著那样，充满了晦涩难懂的术语和冗长的考据，而是用一种近乎艺术鉴赏手册的方式来呈现内容。我发现自己可以很自然地沉浸在视觉的享受中，不需要时刻停下来查阅背景资料。比如，有一组描绘“文人雅集”的画作，不同朝代、不同画家的笔法差异立刻就显现出来了——唐代的雍容华贵与明代的疏朗洒脱形成了鲜明的对比。这种直观的对比，比单纯阅读文字描述要来得生动一百倍。对于一个希望系统提升自己“眼力”的爱好者来说，这种高质量的图像资料简直是无价之宝。我甚至会对着某几笔飞白的线条反复看上很久，试图揣摩其中蕴含的气韵。

评分☆☆☆☆☆

坦白地说，我购买它主要是为了研究特定时期卷轴画的装裱演变，本以为它会是工具书式的存在，但实际体验远超预期。这套书的装帧设计体现出一种对原作的“敬畏感”，那近乎完美的色彩还原度，让我得以仔细对比不同时期对“青绿”和“赭石”的运用倾向。尤其是那些早期水墨作品中，墨色的层次变化，从焦墨的浓黑到淡墨的氤氲，在高质量的影印下，那种微妙的层次感被极其忠实地再现了。我甚至能通过这些细微的色彩差异，反推当时画家所用纸张的吸墨特性。这本书提供的，不仅仅是“看”画的机会，更是一次深入材质、工艺和时代审美的立体考察。它无疑是所有认真对待中国绘画史的收藏者和研究者案头不可或缺的参照。

评分☆☆☆☆☆

作为一名对中国古典美学抱有浓厚兴趣的业余人士，我一直寻找那种既有学术深度，又不失可读性的资料集。市面上很多画册要么过度学术化，成了图书馆的藏品，要么过于商业化，图像质量令人堪忧。这部《故宫藏画大系》似乎找到了一个完美的平衡点。它的权威性毋庸置疑，背靠故宫深厚的收藏，但它的呈现方式却异常亲民。我特别欣赏它在细节处理上展现出的那种“克制”——它没有过度解读，而是把舞台中央留给了作品本身。这要求读者必须主动参与进来，去填补那些留白的解读空间。这种“不言而喻”的引导，反而激发了更深层次的思考和联想，它不是在“教”你怎么看画，而是在“邀请”你一同领略。