中国钢琴音乐研究 [Research on Chinese Piano Music] pdf epub mobi txt 电子书下载 2025

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代百生著

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出版社：上海音乐学院出版社

ISBN：9787806928622

版次：1

商品编码：11389664

包装：平装

外文名称：Research on Chinese Piano Music

开本：16开

出版时间：2014-01-01

用纸：胶版纸

页数：384

字数：290000

正文语种：中文

具体描述

内容简介

　　《中国钢琴音乐研究》将中国钢琴音乐作为中国当代音乐文化的载体形式之一进行文化学、社会学和教育学的研究与阐释，音乐研究提供一种文化关系的交接点。本课题将中国钢琴音乐作为中国当代音乐文化的载体形式之一进行文化学的、社会学和教育学的研究与阐释，为音乐研究提供一种文化关系的交接点。其创新之处体现在对钢琴音乐作品的研究跳出音乐本体分析的常规，深入到文化深层。中国钢琴音乐的发展体现了对中国文化传统的“传承与扬弃”，研究其中鲜明的“中国风格”，实际上是发掘在时代发展中应该被传承的不变的中国音乐文化基因，对于弘扬民族文化传统具有实际意义；在国际社会，钢琴音乐是比其他任何一种音乐形式都更能通行全球的共同语言，钢琴音乐已经在全球广泛流行并成为传播不同音乐文化的共同媒介。在中国，钢琴也成为一件在城市极为普及的乐器，钢琴音乐成为人们比较容易接受的一种音乐形式。

作者简介

　　代百生，男，1971年生。1991年毕业于武汉音乐学院并留校任钢琴教师，2001年考获德国学术交流中心（DAAD）奖学金赴德国留学，2005年获得德国法兰克福音乐与表演艺术学校哲学博士学位（音乐教育学专业），同年底回国任职与华中师范大学音乐学院。？现任澳门理工学院艺术高等学校副教授，音乐课程主任。国际音乐教育协会（ISME）会员，德国音乐研究协会会员，中国教育学会音乐教育分会会员及音乐教育学学术理事。
　　主要研究领域为“音乐教育学理论与实践研究”及“钢琴音乐与钢琴教育研究”，已出版中、德文学术专著4部，包括《钢琴教学法》（1998）、《中国钢琴音乐研究》（2013）、《中德当代学校音乐教育与音乐教师教育比较研究》（2013），博士论文以德文在欧洲学术出版集团Lang出版并全球发行（2006）；主编、参编钢琴教材4套8本；完成及正在执行的各级科研项目4项：发表中、英、德文音乐期刊与学术会议论文80余篇以及报刊音乐评论若干，多次应邀赴意大利、英国、德国、希腊、澳大利亚、中国内地、香港、澳门等地参加学术会议或讲学。

内页插图

序一（储望华）
序二（赵晓生）
导言：从文化的视角研究中国钢琴音乐

上篇：整体特征研究
1．“钢琴音乐的中国风格”与中国钢琴音乐研究概况
2．中国钢琴音乐的“中国风格”：发展历程与问题思辨
3．中国钢琴音乐的题材与标题表现特征
4．中国钢琴“音乐语言”的民族特征
5．中国钢琴音乐的美学表达与演奏思维特征
6．中国钢琴音乐的教育教学意义

下篇：作品个案分析
7．民间旋律发展手法与对位织体的融合——《牧童短笛》的“中国风格”解析及其对中国钢琴音乐发展的意义
8．中国传统文化的象征——汪立三钢琴曲《#F商：书法与琴韵》中的“中国风格”探析
9．现代音响隐藏下的中国文化传统——罗忠镕《钢琴曲三首》的“中国风格”探析
10．如何理解与演奏《二泉映月》？——《二泉映月》的“中国风格”解读与钢琴改编曲的演奏补遗：
11．外国钢琴音乐作品中的“中国风格”研究
参考文献

附录：
1．中国钢琴作品曲库
2．中国钢琴作品获奖名录
3．中国钢琴音乐音像制品目录（选）
后记

精彩书摘

　　获奖的美籍华裔作曲家林品晶女士坦陈自己对“中国风格”的理解不是很清晰，只是努力地想在作品中体现中国式的感情，中国风格可能有一点是中国传统风俗在自己生活里潜移默化留下来演变成的一种“自我感觉”。美籍华裔评委周文中先生认为“风格问题首先是个文化问题”，所谓风格、色彩都是空的，“中国风格”关键在于作品里体现的中国文化有多少。他从当代中国作曲家基本上使用西方语言西方形式来作曲的事实出发，指出中国作曲家要表现自己的文化必须首先深入认识西方音乐文化同时深入了解自己的文化。“没有文化内涵，技术上可以很完满，但没有精神”。
　　获奖中国作曲家、钢琴家赵晓生更从“形态”和“神韵”两个方面指出钢琴作品的“中国风格”存在着不同的层次与范畴；1）有形无神，形存神佚。指作品具有中国特色的标题，运用了一些民歌或戏曲的音调，但是在总体音乐思维上仍然沿用欧洲音乐的思维方式，音乐的和声、节奏和结构都是欧洲的，这样只能说是借“中国音乐”之躯还“欧洲音乐”之魂；2）有形有神，形神兼备。乐曲的旋律源自于民歌、戏曲或少数民族音乐，节奏具备某种民族特征，和声以民族调式结构为主，音乐的内容也可能与中国民俗及人民的现实生活相关。这类作品应当在相当长的时期里成为“中国风格音乐作品”的主要构成；3）有神无形，得神忘形。作品不追求那些具体可感的民族特征和表象层次上浅显的“中国风格”，而是从民族民间音乐中抽象出真正源于中华民族传统文化的“韵味”与“气质”。这种对中华民族传统思维方式的了解，才是骨子里的中国风格。这或许是对“中国风格”的艺术追求中之最高境界，取决于作曲家的“文化悟性”。而此前，赵晓生也曾表述过自己对中国风格的理解可分为三个层次：“第一是作为音乐的技术语言，即各种构成音乐的因素，这是表层的；第二是和某一民族相联系的特殊的东西，特殊的意识形态；第三是能够沟通人们之间的感情、心灵的，这就是神韵。”
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前言/序言

好的，这里为您提供一份符合要求的图书简介，主题围绕中国钢琴音乐研究展开，但内容不涉及《中国钢琴音乐研究》一书的具体内容： --- 书名：《筝韵流光：中国传统音乐的时代转型与跨文化对话》作者：音乐学专家组出版日期： 2024年秋内容简介：《筝韵流光：中国传统音乐的时代转型与跨文化对话》并非一部关于钢琴音乐的专著，而是深入探讨中国传统音乐，特别是以“筝”类乐器为核心的民间器乐艺术在近现代社会背景下的深刻演变与多维发展。本书旨在通过细致的田野调查、历史文献梳理与民族音乐学视角的分析，构建一个立体的研究框架，揭示中国传统音乐在面对现代化冲击、国家认同构建以及全球化浪潮时的适应性、创造力与持续生命力。全书共分六个主要篇章，结构严谨，论述详实，力求呈现传统音乐在时代洪流中的“活态”面貌。第一篇：声韵的溯源与形制流变本篇聚焦于以古筝、扬琴、中阮等为代表的中国传统拨弦、击弦乐器群体的历史源流。我们追溯其在唐宋元明清时期的音乐文献记载与器物考古发现，探讨不同地域（如山东、四川、潮汕等）的筝派在形制、音色和演奏技法上的早期分化。重点分析了在清末民初，这些传统乐器如何从宫廷雅乐和民间戏曲伴奏的附属地位，逐步走向独立的音乐体裁，为后续的改革奠定物质基础。我们细致对比了传统乐器制作工艺对音乐风格的影响，例如不同材质的面板、琴弦的张力对音色的细微差别，以及这些差异如何催生了地域性的审美偏好。第二篇：二十世纪初的“民族管弦乐团”实验二十世纪初，随着新文化运动的兴起，中国音乐界对“民族性”的探讨日益深入。本篇详述了在这一历史转折点上，音乐家们如何尝试构建一个具有中国特色的现代管弦乐队，即“民族管弦乐团”的早期形态。研究的焦点在于，传统独奏乐器，如筝、二胡、笛子等，是如何被纳入这种受到西方交响乐结构启发的新型乐队编制中。本书详细考证了早期民族管弦乐作品的谱写实践，分析了作曲家们在“合奏”与“独奏”之间进行的调和努力，以及如何运用复调织体来模拟传统戏曲的“唱腔”特征。这一阶段的音乐实践，是理解当代中国大型民族音乐创作的基石。第三篇：教育改革与“学院派”的建构音乐教育体系的变革是推动传统音乐现代化的关键环节。本篇聚焦于1950年代至1980年代，国家级音乐学院在民族音乐教学中推行的改革措施。我们深入剖析了“集中训练法”、“规范化”教材的编写过程，以及“五声音阶”在音乐理论教学中的地位确立。书中特别关注了筝类乐器在这一时期的标准化进程，包括定弦法的统一、指法规范的建立，以及如何通过学院体系，将原先高度依赖口传心授的民间技艺，转化为可系统传授的学科知识。这种学院化的过程既保障了传统技艺的存续，也带来了风格趋同的潜在挑战，本书对此进行了辩证分析。第四篇：创作的自觉：从“模仿”到“创新”的张力传统音乐的生命力在于其不断吸纳时代精神的能力。本篇探讨了中国音乐家在创作中如何摆脱单纯模仿西洋古典音乐体裁的窠臼，转而自觉地从本土音乐语汇中提炼元素进行创新。我们分析了几位代表性作曲家（非钢琴音乐领域）的作品，观察他们如何将传统曲牌的结构、戏曲的板式节奏、民间歌舞的律动融入到新的艺术构想中。研究关注了“主题发展”观念在中国叙事性音乐中的本土化实践，以及如何处理传统音乐中强调的“意境”与现代音乐结构要求之间的关系。第五篇：跨文化语境下的对话与传播随着全球化的推进，中国传统音乐开始走出本土，与世界其他音乐文化进行交流与碰撞。本篇考察了中国筝乐等民间器乐在国际音乐节、学术研讨会以及跨文化合作项目中的实践。我们分析了不同文化背景下的听众对中国音乐的接受机制，并探讨了音乐家在国际舞台上如何平衡“展示民族特色”与“符合国际音乐语境”的需求。书中还涉及了数字媒体技术在传统音乐传播中的作用，以及由此引发的关于“原真性”和“改编”的伦理讨论。第六篇：传统器乐的未来视野：技术赋能与美学重塑在当代，电子技术、录音技术以及合成技术正以前所未有的方式介入传统音乐领域。本书的最后一部分前瞻性地探讨了传统器乐在未来可能的发展方向。我们考察了在电子混音、效果器应用以及多媒体艺术融合背景下，传统乐器音色被重新定义和拓展的可能性。同时，本书也强调，任何技术层面的革新都必须植根于对传统音乐核心精神的深刻理解，警示在追求前沿表现力的同时，不能割裂与历史和地域文化的内在联系。本书对中国传统乐器及其相关音乐现象的描绘，为音乐学、人类学、文化研究以及艺术教育领域的研究者、教师和爱好者提供了一份详实、多维度的参考资料。它不仅回顾了历史，更聚焦于当下，展望着中国声音在未来世界的独特定位。 ---

用户评价

评分☆☆☆☆☆

《二十世纪前卫钢琴作品研究》这本书，简直是为那些寻求突破和挑战的演奏家准备的“猛药”。我向来对十二音体系和随机音乐不太感冒，总觉得缺乏人情味，但这本书成功地改变了我的看法。作者用极其现代和清晰的语言，解构了勋伯格、施托克豪森乃至梅西安作品中那些看似混乱的音响世界。它详尽地分析了这些作品背后的哲学思考，比如如何用音高和节奏来表达现代人的焦虑与疏离感。书中对于演奏技巧的描述，简直是挑战生理极限，作者细致地分析了如“多重音”、“非传统击弦”等技法的实际操作难度和听觉效果。更让我惊喜的是，书中还收录了对几位当代先锋演奏家的访谈录，他们的亲身经历和对作曲家意图的解读，为冰冷的乐谱增添了鲜活的人性色彩。阅读完后，我发现自己对“什么是音乐”这个命题有了全新的、更加开放的思考。

评分☆☆☆☆☆

这本钢琴教学法专著，名为《钢琴演奏的内在逻辑》，着实让我眼前一亮。作者深入浅出地探讨了钢琴演奏中的呼吸、触键以及身体协调性等核心议题，并非停留在枯燥的技巧罗列上，而是着重于如何构建一个“活的”演奏体系。尤其令我印象深刻的是其中关于“听觉想象力”的培养部分，它不仅仅是告诉你应该听什么，而是提供了一套系统的训练方法，教你如何将脑海中的音乐画面转化为指尖的实际控制力。全书的结构编排极具匠心，从基础的指法训练过渡到复杂乐曲的诠释，每一步都衔接得自然流畅，逻辑严密。我个人认为，对于那些已经有一定基础，但总感觉演奏“卡壳”或缺乏灵性的学习者来说，这本书无疑是打开新世界大门的钥匙。书中引用的许多音乐家案例分析也十分到位，能让人真切感受到大师们是如何解决实际演奏难题的。总而言之，这是一本值得反复研读的实践指南，而非仅仅是翻阅一时的参考书。

评分☆☆☆☆☆

拜读了《巴洛克时期键盘音乐的风格演变》，我感觉自己仿佛穿越回了那个华丽而严谨的时代。这本书的学术深度令人赞叹，它不满足于仅仅罗列巴赫、亨德尔等作曲家的作品，而是将这些音乐置于当时的社会文化和音乐思潮的宏大背景下进行考察。作者对赋格结构的解析细致入微，不仅讲解了对位法的规则，更阐释了这种结构如何体现了当时人对秩序与神性的理解。我特别喜欢其中关于“装饰音的即兴性与规范性”的论述，书中通过大量的乐谱实例对比，清晰地展示了不同地区和不同演奏者在处理同一段旋律时的微妙差异。阅读过程中，我不断地拿起我的键盘乐器，尝试模仿书中所描述的“瘦弱而清晰”的触键方式，感受那种没有现代钢琴踏板加持下的声响美学。这本书的文字风格古朴而典雅，充满了学者特有的严谨，但又绝不晦涩，对于严肃的音乐研究者来说，是不可多得的深度文本。

评分☆☆☆☆☆

这本名为《钢琴家与文学：跨媒介的叙事张力》的文集，是我近年来读到的最具跨学科思维的书籍之一。它探讨的视角非常新颖——钢琴音乐是如何吸收、反映甚至“翻译”文学叙事的。书中的案例分析极具趣味性，比如德彪西的《意象集》与法国象征主义诗歌的对照，或者肖邦夜曲中弥漫的波兰民族史诗情怀。作者的文笔极具画面感和感染力，读起来完全不像在读学术论文，更像是在进行一场高级的艺术沙龙对谈。例如，在论及舒曼的钢琴套曲时，书中详细描绘了“狂欢节”中各个角色的面具之下隐藏的真实性格，让我对那些熟悉的曲子产生了全新的情感共鸣。对于希望提升音乐表现力、将音乐理解得更深层次的学习者而言，这本书提供了极其宝贵的思维工具和灵感源泉。它让你明白，好的钢琴演奏，本质上也是一种高级的“讲故事”。

评分☆☆☆☆☆

我最近翻阅了《中国传统乐器在当代钢琴协奏曲中的融合策略》。这本书的关注点非常独特，它聚焦于如何处理东方美学与西方古典体裁之间的张力。作者没有采取简单的“嫁接”手法，而是深入研究了五声调式、传统节奏型在协奏曲语境下的“语境化”问题。书中对几部重量级中国钢琴协奏曲的分析尤为精辟，它不仅仅分析了钢琴声部和乐队声部的技术配合，更深入探讨了在宏大的交响结构中，如何保持中国音乐特有的那种内敛、写意的情绪表达。我尤其欣赏作者对于“留白”艺术在协奏曲配器中的运用的论述，这与西方音乐强调的饱满音响形成了鲜明的对比，却又达成了和谐统一。这本书的视野开阔，既有扎实的音乐理论基础，又有对民族音乐灵魂的深刻把握，非常适合对民族音乐现代化进程感兴趣的研究者和创作者。

评分☆☆☆☆☆

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