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卢西恩·詹金斯等 著

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• 文艺复兴
• 巴洛克
• 古典主义
• 浪漫主义
• 音乐理论
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出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787807518570

商品编码：1077698738

出版时间：2011-12-01

作  者:卢西恩·詹金斯 等 著作 何萌 等 译者 定  价:318 出 版 社:上海音乐出版社 出版日期:2011年12月01日 装  帧:盒函装 ISBN:9787807518570 ●西方音乐史上的五个“年轮”
●早期
●1．中世纪
●2．教会与音乐
●3．世俗音乐
●4．记谱法
●5．乐器
●6．进入文艺复兴时期
●7．文艺复兴
●8．文艺复兴时期的牧歌
●9．欧洲分裂
●10．欧洲统一
●引语出处
●巴洛克时期
●1．导言：了解演奏者
●2．萌芽阶段
●3．风尚流行：不同地域的不同风格
●4．成熟阶段：巴洛克的鼎盛时期
●引语出处
●古典主义时期
●部分目录

内容简介

卢西恩·詹金斯、莱夫·安格·汉密尔顿、斯蒂芬·约翰逊、戴维·麦利瑞所著的《西方音乐1500年(附光盘共2册)(精)》内容简介：西方音乐历经了早期（包括中世纪、文艺复兴时期）、巴洛时期、古典主义时期、浪漫主义时期、20世纪的重要发展，从“单调”的程式化逐步走向丰富多彩、颇具个性的“复调”式展示，为后人留下了宝贵的艺术财富。《西方音乐1500年(附光盘共2册)(精)》共有25万字的文字叙述，配合所述内容同步提示CD赏析指南，使理性文字解读与感性音乐引导巧妙结合，让您从视觉和听觉上全面感受西方音乐，多方面领略西方音乐的历史发展脉络。

好的，这是一份关于一本名为《西方音乐1500年》的书籍的详细简介，内容不涉及该书的实际内容，而是着重于介绍其主题范围之外的音乐领域，力求详实且自然： --- 书籍简介：《东方丝竹：从宫廷雅乐到民间小调的千年流变》 导言：听见另一片大陆的声音 人类的音乐史是一部浩瀚的河流，每一条支流都承载着独特的文化基因与审美情趣。当我们谈论音乐的宏大叙事时，目光往往聚焦于西方古典音乐的清晰脉络——从中世纪的圣咏到巴洛克的对位，再到浪漫主义的激情奔放。然而，在广阔的东方大地，沉淀了数千年、与生活肌理紧密交织的音乐传统，同样构筑了一个复杂而迷人的声音宇宙。 《东方丝竹：从宫廷雅乐到民间小调的千年流变》致力于深入挖掘和梳理亚洲，特别是东亚及东南亚地区，自古至今的音乐发展历程。本书旨在为读者搭建一座理解东方音乐复杂性的桥梁，揭示其在仪式、叙事、娱乐和哲学层面的深层意涵，完全避开西方音乐史的传统框架，专注于东方特有的美学范式与演变路径。 本书的叙事线索，将从远古的祭祀遗音开始，逐步深入到成熟的古典乐体系，最终落脚于当代音乐的融合与创新，展现一个充满生命力的、不依存于西方体系的音乐世界。 --- 第一部：源流初探——古代祭乐与早期乐律体系 本部分将时间拉回到音乐尚未被清晰划分时代的古代，探寻东方音乐的“原初形态”。 第一章：上古的咏叹与竹简中的音阶 我们考察早期文明中，音乐与宇宙观、政权稳固之间的关系。重点分析中国古代的“八音”分类法（金、石、丝、竹、匏、土、革、木）如何构建起早期的乐器谱系，以及儒家思想对“礼乐”的规范化影响。探讨在缺乏西方十二平均律基础的条件下，古代的五声调式、七声调式是如何通过特定的音高关系，来表达天地秩序和人文和谐的哲学理念。我们将细致考察甲骨文和早期文献中关于音乐活动的零星记载，重建那些失落的、带有强烈仪式色彩的声响片段。 第二章：寺院的钟声与秘传的唱诵 将视角转向佛教传入亚洲后，音乐在宗教领域的深化。本书将详细剖析南传佛教与汉传佛教在音乐实践上的差异。例如，南亚次大陆的早期圣歌（如《赞美诗》的残篇）如何影响了东南亚（如柬埔寨、泰国）的宫廷音乐。在中国，我们将探讨“梵呗”的本土化过程，分析其如何吸收并改造了本土的民间曲调，形成了既庄严又富有地方色彩的唱诵艺术。这不仅是音乐的流变，更是文化在地化的深刻体现。 第三章：丝绸之路上的和声：异域影响的接纳与转化 丝绸之路不仅是贸易通道，更是声音的汇集地。本章聚焦于中亚、波斯音乐元素如何渗透入东方的宫廷与民间。重点讨论龟兹、疏勒等地对中原音乐体系的冲击与融合。分析彼时乐器如琵琶、箜篌等自西向东的传播路径，以及它们如何被重新“调教”，以适应东方固有的五声音阶体系，而非简单地模仿其原始音色。 --- 第二部：成熟的典范——宫廷雅乐与文人音乐的精研 在封建王朝的鼎盛时期，音乐发展出高度结构化和程式化的形态，成为权力和审美的象征。 第四章：朝廷的礼器与仪式的规范 本部分深入探究帝国时代（如唐、宋、明、清）的雅乐制度。雅乐的复杂性不在于其旋律的华丽，而在于其“准确性”和“规范性”。我们将解构不同朝代对“正声”的定义，分析典礼中使用的如编钟、编磬等大型组合乐器的布局、音高校准及其在特定仪式中的象征意义。探讨文人士大夫如何通过对“雅乐”的推崇，来构建其区别于平民的文化身份。 第五章：士大夫的指尖：古琴的哲学与演奏法 古琴音乐（七弦琴）是东方文人精神世界的极致体现。本书将专门开辟一章，探讨古琴艺术如何从一种乐器演奏上升为一种哲学实践。我们将分析不同流派（如广陵派、虞山派）在“泛音”“散音”“按音”处理上的细微差别，这些差别并非仅仅是技法上的，而是对“气”、“韵”、“意”的不同表达。我们将研读《神奇秘谱》等重要谱录，解读那些看似简单的减字谱背后所蕴含的复杂审美要求。 第六章：戏曲的舞台：声腔与板式的体系构建 戏曲是集音乐、文学、表演于一体的综合艺术。本书将重点分析几个重要的区域性戏曲声腔系统（如昆曲、京剧、川剧等），展示它们在音乐结构上的宏大差异。昆曲的“水磨腔”如何通过其细腻的拖腔和复杂的板式变化来塑造人物内心；而地方戏曲如何通过模仿自然声响（如鸟鸣、水流）和日常生活中的口语节奏，构建起自身的“板眼”系统。我们将分析音乐如何服务于剧情的推进和人物性格的刻画。 --- 第三部：民间的脉动——地域性音乐的生命力与传承 与高度规范的宫廷音乐相对，民间的音乐以其旺盛的生命力和极强的适应性，展现出令人惊叹的创造力。 第七章：田园牧歌：各地民歌的母题与变奏 本章专注于地域性民歌。我们将跨越不同地域，采集那些代代相传的劳动歌、婚嫁歌、祭祀歌。例如，黄土高原信天游的粗犷豪迈，与江南小调的婉转缠绵，在旋律进行和节奏处理上的根本区别。我们将探讨这些民歌如何成为地方方言、习俗和气候的直接音乐投射。 第八章：丝竹与吹打：器乐合奏的结构艺术 在民间庆典和宗教活动中，器乐合奏占据了核心地位。本部分将聚焦于“丝竹乐”（如江南丝竹）和“吹打乐”的音乐结构。分析江南丝竹中，如何通过“加花”、“衬腔”、“轮指”等手法，在固定的曲牌中实现即兴色彩，展现一种“活”的音乐结构。对比以鼓、钹、唢呐为主的吹打乐，探究其如何在喧闹的场景中，保持清晰的节奏框架和强烈的感染力。 第九章：现代的交汇：在继承与创新之间 步入近现代，亚洲音乐面临全球化的冲击。本章关注传统音乐在现代化进程中的应对策略。探讨一些音乐家如何在新式乐器和西方和声学的引入下，努力保持传统音乐的核心精神。分析当代音乐家在保留“气韵生动”的精髓之上，探索新的配器方式、曲式结构以及表演媒介，试图为古老的音乐传统开辟新的生命通道。 --- 结语：万千声部的和声 《东方丝竹》力图向读者呈现一个独立、深邃且自成体系的音乐世界。它不是对西方音乐史的补充，而是对另一种音乐文明的独立发掘。本书相信，唯有理解了这片土地上独特的音高哲学、节奏审美以及音乐与社会伦理的深度绑定，才能真正领略到东方音乐那份跨越千年的、内敛而深沉的魅力。

评分☆☆☆☆☆

从另一个角度来说，这本书《西方音乐1500年》给我带来的，更多的是一种对音乐“美学”的全新认知。作者不仅仅是在梳理历史，更是在引导读者去理解那个时期音乐的美学追求和价值判断。他深刻地探讨了宗教改革对音乐产生的巨大影响，以及由此引发的音乐形式和风格上的变革。我了解到，在那个时代，音乐不仅仅是娱乐，更是表达信仰、传递情感、甚至凝聚社会力量的重要手段。作者对当时盛行的复调音乐进行了详尽的分析，解释了它如何通过多声部的交织与呼应，营造出一种复杂而和谐的美感。他并没有简单地罗列乐曲，而是通过对作品的结构、动机发展以及和声进行的分析，揭示出作曲家在创作中的匠心独运。我尤其对作者在书中提出的“音乐的宗教性”和“音乐的世俗性”之间的张力与融合的论述印象深刻。这让我明白了，不同类型的音乐是如何在满足不同社会需求的同时，又相互影响、相互渗透，共同推动了西方音乐的发展。这本书让我认识到，音乐的历史，也是一部关于人类情感表达和精神追求的演进史。

评分☆☆☆☆☆

我是在一个偶然的机会下了解到这本书的，当时我对西方音乐的历史知之甚少，但被书名所吸引。翻开书，立刻被作者那种叙事性的笔调所打动。他没有一开始就给我灌输各种理论和年代，而是像一位老朋友一样，娓娓道来。他从1500年那个时代说起，描绘了当时欧洲社会生活的点点滴滴，然后巧妙地将音乐融入其中。我读到了那些在教堂里回荡的庄严歌声，感受到了宫廷舞会上充满活力的旋律，甚至听到了市井小民哼唱的简单小调。作者用非常具象化的语言，让我能够“听到”音乐。比如，他描述某个作曲家的音乐时，会用到“如丝般流畅”、“如同阳光穿透云层”这样的词汇，这些生动的比喻让我立刻对音乐产生了画面感。书中还穿插了一些当时的生活片段和艺术作品，比如绘画和建筑，这些都帮助我更好地理解音乐所处的时代背景。我尤其喜欢作者对一些不那么为人熟知的音乐家和作品的挖掘，这些“遗珠”的呈现，让我在惊喜中获得了更全面的认识。这本书不是那种让人读完就忘的书，它会让你在不经意间，对那个时代的音乐产生浓厚的兴趣，甚至想要去寻找那些被提及的作品来聆听。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计很吸引人，深蓝色的底色上，烫金的“西方音乐1500年”几个大字散发着一种历史的厚重感。我翻开书页，首先映入眼帘的是一张制作精良的地图，标注着欧洲音乐发展的重要城市和地区，这让我对即将开始的音乐之旅充满了期待。文字部分，作者以非常生动的笔触，为我们描绘了1500年左右欧洲音乐的图景。与其说是枯燥的学术论述，不如说是一场穿越时空的音乐会。从宗教音乐的庄严与神秘，到世俗音乐的欢快与自由，再到器乐演奏的日益精进，每一章节都如同打开了一扇新的窗户，让我得以窥探那个时代的音乐灵魂。作者对不同地区、不同流派音乐的细腻描绘，让我仿佛能听到来自不同国度的旋律在耳边回响。比如，在描述意大利的世俗歌曲时，那种充满阳光和活力的气息扑面而来；而在谈论德国的宗教合唱时，又能感受到那种虔诚与深刻的情感。书中还穿插了一些当时著名的音乐家及其作品的介绍，他们的故事和创作理念，为冰冷的乐谱注入了鲜活的生命。我尤其喜欢关于奥兰多·迪·拉索的章节，作者对他作品的分析深入浅出，让我这个非专业人士也能领略到其音乐的精妙之处。总而言之，这是一本能够点燃我对西方音乐历史兴趣的书，它不是简单的知识堆砌，而是情感的传递，是历史的回响。

评分☆☆☆☆☆

作为一名对古典音乐充满热情的爱好者，我一直渴望能够系统地了解西方音乐的发展脉络。这本书《西方音乐1500年》恰恰填补了我在这个领域的知识空白。作者在开篇就以一种非常学术性的笔触，为我们梳理了1500年前后音乐发展的宏观背景，包括社会、政治、文化以及宗教等诸多因素对音乐形态的影响。我特别欣赏作者对于音乐理论的讲解，他并没有停留在概念的罗列，而是结合大量的历史史料和乐谱片段，深入浅出地阐释了复调音乐、格里高利圣咏等关键音乐形式的演变过程。阅读过程中，我仿佛置身于一个巨大的音乐实验室，亲眼见证了各种音乐元素如何被组合、被发展、被创新。书中对早期键盘乐器和弦乐器的介绍也让我受益匪浅，了解了这些乐器的发展如何直接影响了音乐的创作和表现力。作者在分析一些重要作品时，使用了严谨的音乐学分析方法，但又避免了过于晦涩的术语，使得普通读者也能窥探到作品的深层结构和艺术价值。例如，对某些早期弥撒曲的分析，作者详细剖析了其旋律、和声和节奏的特点，以及它们在宗教仪式中的功能。这本书无疑是一部严谨而富有洞察力的音乐史著作，它为我打开了一扇通往西方音乐深邃世界的大门。

评分☆☆☆☆☆

这是一本非常具有启发性的书，它不是简单地讲述“谁在何时创作了什么作品”，而是深入地探讨了音乐在1500年那个时代所扮演的角色和其背后的文化意涵。作者以非常宏观的视角，将音乐置于更广阔的历史和社会背景下进行审视。我读到了关于当时音乐教育的变革，了解了音乐传播方式的演变，以及音乐与诗歌、戏剧等其他艺术形式之间千丝万缕的联系。书中对当时音乐家们如何获得支持、如何进行创作、以及他们的作品如何被接受和传播的描述，让我对那个时代的音乐生态有了更清晰的认识。我特别欣赏作者对那些“幕后英雄”的关注，比如抄写员、乐器制作师，他们同样是音乐发展不可或缺的一部分。通过阅读这本书，我不再仅仅将1500年前后的音乐视为孤立的艺术品，而是看到了它们是如何在一个动态的社会环境中诞生、成长并最终影响后世的。这本书让我对音乐史有了更深刻的理解，也让我更加珍惜那些流传至今的伟大作品。