具体描述
● 泉瀑结构与笔法
●第二章 泉瀑画法（勾线法）
●第三章 泉瀑画法（勾皴法）
●第四章 泉瀑画法（空白法）
●第五章 泉瀑画法（结网法）
●第六章 泉瀑画法（湿画法）
●第七章 泉瀑画法（泼墨法）
●第八章 长泉的画法
●第九章 叠泉的画法
●第十章 断泉的画法
●第十一章 隐泉的画法
●第十二章 深谷瀑布的画法
●第十三章 断桥下瀑布的画法
●第十四章 水口画法
● 一、大瀑布及水口的画法
● 二、流泉水口的画法
●第十五章 树木、山石、泉瀑综合运用
●第十六章 云雾功能与作用
●第十七章 云的画法（勾线法）
●部分目录
内容简介
由钱桂芳编著的《中国山水画教程》分为上、下两册，是一套比较系统完整的山水画教材。从传统到现代，由浅入深，对山水画各种技法做了详尽论述，并有345幅插图和范画作品，基本涵盖了从基础到提高，再到研修的全部课程，既是教科书，又是技法书，还是一部画谱参考书。为了便于临摹和学习，书中不仅配有范画，还对每种技法步骤进行分解，图文并茂，使学画者看得懂，学得会，少走弯路，尽快掌握绘画技巧。《中国山水画教程（下传统中国画技法详解）概括了泉瀑、云水、染色、临摹、写生等共45章。
钱桂芳 钱桂芳，字石峰，1948年生，天津市人，大学学历。中国美术家协会天津分会会员、一级画师、天津市艺术学会理事、天津市老书画家协会理事、天津市政协书画研究会会员、天津市永乐书画院副院长、天津市老年人大学教师。
自幼酷爱丹青，1989年毕业于中国书画函授大学国画系。先后师从孙纲、赵松涛、刘止庸、白庚延、吕云所、于後千、叶东旭诸先生。并深研傅抱石、魏紫熙等现代山水名家的绘画技法，无所不师，无所必师，博采众长，取其精华，逐步形成自已的绘画风格。作品多次参加性美展和靠前书画交流展并获很好奖、特别金奖。多等
用户评价
这本书的深度和广度，绝对是我阅读过的中国画教程中的佼佼者！下册内容，关于“不同山石、树木、水、云的处理技法详解”，让我感觉自己仿佛真的置身于中国山水画的创作实践之中。往往很多教程会笼统地讲“画山”，“画树”，但这本书却将这些元素进行了细致入微的拆解。首先，在“山石”的处理上，书中不仅仅讲解了不同的皴法，更深入地探讨了如何根据山石的形态、质地，选择最恰当的皴法来表现。例如，如何表现陡峭的岩石，如何表现绵延的山峦，如何表现山脚下的缓坡，以及如何通过墨色的浓淡干湿来表现山石的体积感和光影效果。然后，“树木”的处理，也让我大开眼界。书中详细介绍了中国画中各种树的画法，如松树的苍劲、柳树的柔美、枫树的火红，以及如何通过树叶的点染来表现季节的变化和树木的繁茂程度。尤其让我印象深刻的是，书中关于“枝干”的描绘，强调了“骨法用笔”，如何通过一笔一画来体现树木的生命力和生长态势。再者，“水”的处理，也并非简单地几笔勾勒。书中讲解了河流、瀑布、湖泊等不同形态的水，如何通过笔墨的韵律和流动感来表现水的动态和质感。例如，瀑布的飞流直下，需要用奔放而有力的笔触；而平静的湖水，则需要用细腻而平和的笔墨。最后，“云”的处理，也让我领略到了中国画的写意之美。书中介绍了云的多种形态，如行云、流云、雾气等等，以及如何通过墨色的渲染和飞白的运用，来表现云的飘逸和变幻莫测。书中大量的示范图例，清晰地展示了每一种元素的具体画法，让我能够事半功倍地学习。这本书让我明白，中国山水画的魅力，恰恰体现在这些看似细微的元素处理之中，而这些元素的巧妙组合，才能最终构成宏大的意境。
评分这本书，真的是我多年来寻觅不得的珍宝！下册内容，对于“传统山水画的笔墨演变与发展”的梳理，让我对中国山水画的历史脉络有了清晰的认识。往往很多教程都只侧重于当下的技法，而忽略了技法背后的历史传承和发展。这本书则弥补了这一遗憾。它从魏晋南北朝时期的朦胧写意，到唐宋时期工笔与写意并存、山水画成熟，再到元明清时期个性化、文人化的发展，以及近现代的革新与探索，对各个时期山水画的特点、代表画家以及代表作品都进行了深入的剖析。我特别欣赏的是，作者在讲解笔墨演变时，并没有仅仅罗列历史事件，而是深入分析了不同历史时期社会文化、哲学思想、审美观念对山水画发展的影响。例如，唐代山水画的雄浑壮丽，很大程度上受到了当时社会积极向上精神的影响；而宋代山水画的精谨细腻，则与当时的理学思想有着密切的联系；元代文人画的兴起，更是对传统山水画注入了更强的个人情感和精神追求。书中还对历代山水画的代表性技法，例如“五代荆浩的皴法”、“北宋范宽的笔墨”、“元代黄公望的淡墨”、“明代董其昌的笔法”等等，进行了系统的梳理和阐释。这让我能够清晰地看到，中国山水画的笔墨技法是如何在历史的长河中不断丰富、发展和创新的。让我感到惊喜的是，作者还探讨了不同地域、不同画派的山水画特点。例如，北方山水画的雄浑壮阔，与南方山水画的秀丽温润，在笔墨运用和画面风格上都有着明显的差异。这本书的梳理，让我对中国山水画的博大精深有了更深刻的理解，也让我能够站在巨人的肩膀上，更好地学习和传承这份宝贵的艺术遗产。
评分这本书简直是中国山水画学习者的福音！特别是下册，关于“构图”的讲解，让我醍醐灌顶。在中国画中，构图是画面的灵魂，是决定一幅画是否成功的关键。以往我学习构图，往往是零散的、不成体系的，这本书则为我构建了一个清晰而系统的构图理论框架。书中详细介绍了中国画构图的黄金法则，例如“留白”、“虚实”、“主次”、“疏密”、“开合”等等，并结合大量的实例图进行讲解。我尤其欣赏的是，作者在讲解构图时，并没有仅仅停留在理论层面，而是深入分析了每一种构图法则背后的艺术原理和视觉效果。例如，为什么“留白”能够增强画面的空间感和意境，为什么“虚实”的对比能够增加画面的动感和趣味，为什么“主次”分明能够突出画面的中心，等等。书中还介绍了几种常见的山水画构图模式，例如“全景式”、“散点透视式”、“高远式”、“平远式”、“深远式”等等，并详细讲解了每一种构图模式的特点、适用范围以及在实际创作中的运用方法。让我感到惊喜的是，书中还探讨了“意境”与构图的关系。在中国画中，意境是高于技法的存在，而构图则是实现意境的重要手段。作者通过分析历代名家的作品，揭示了他们是如何通过巧妙的构图来营造出高远、深邃、宁静、雄浑等不同的意境。这让我明白，构图不仅仅是为了好看，更是为了传达画家的情感和思想，是实现艺术创作的重要途径。书中还提供了一些实用的构图练习方法，例如“取景练习”、“意境构思练习”、“笔墨构图练习”等等，让我能够将所学的构图理论应用到实际的创作中去。这本书的构图讲解，让我彻底改变了以往那种“想到哪画到哪”的随意性创作方式，让我开始有意识地去思考、去经营画面的整体布局，这对我来说是一个质的飞跃。
评分这本《传统中国画技法详解·中国山水画教程(下)》实在是太棒了！我一直对中国山水画有着浓厚的兴趣，也尝试过一些入门级的教程，但总感觉缺少了点什么，直到我翻开了这本书。下册的内容，简直是打开了我通往中国山水画世界更深层次大门的一把金钥匙。首先，书中对于“皴法”的讲解，我必须给予高度赞扬。不同于以往那种简单罗列几种皴法的教程，这本书深入剖析了每一种皴法的形成原理，例如披麻皴如何表现山峦的层叠与柔缓，斧劈皴如何刻画岩石的坚硬与险峻，以及雨点皴、豆瓣皴、解索皴等各自的独特韵味。它不仅仅是告诉你“怎么画”，更重要的是告诉你“为什么这么画”，让你理解每一种皴法的背后，蕴含着画家对山石纹理、质感和光影的深刻观察与艺术提炼。书中提供的示范图例，更是精美绝伦，不仅有高清的局部放大，还有清晰的笔墨走向指示，让我能够一步一步地模仿，并从中体会大师们运笔的节奏与力度。尤其让我印象深刻的是，作者在讲解每一种皴法时，都会结合古代名家的经典作品进行赏析，指出这些作品中皴法的妙用之处，这不仅是对传统的致敬，更是对我学习之路上的明灯。此外，对于“点苔”的讲解也十分到位。点苔看似简单，却能极大地丰富画面的层次感和生机。书中详细介绍了点苔的多种形式，如介字点、圆点、蟹爪点等等，并阐述了在不同山石、树木环境下点苔的学问。让我明白，点苔绝非随意为之，而是与山石的结构、树木的生长姿态紧密相连，是烘托意境、增添灵动的重要手段。书中对这些细节的处理，让我感受到了中国传统绘画的严谨与细腻，也更加坚定了我要认真学习、精益求精的决心。这本书我已经反复研读了多次，每一次都能从中发现新的体会和启发。
评分这本书的质量，真的超出了我的预期。尤其是下册内容，对于“设色”的讲解，简直是一场视觉的盛宴，也是我学习中国画色彩运用的一个巨大飞跃。传统的中国山水画，虽然以水墨为主，但设色也是其重要的组成部分，能够极大地增强画面的表现力和感染力。这本书在这方面做得非常出色。它并没有简单地罗列几种颜色，而是深入分析了中国画色彩的哲学意蕴和审美取向。例如，如何运用“青绿”的厚重与明快来表现山峦的壮丽，如何运用“赭石”的古朴与苍润来烘托山体的坚实，以及如何运用“花青”、“藤黄”等矿物和植物颜料来营造出丰富多变的色彩效果。书中对色彩的搭配与调和也有非常独到的见解，让我明白，好的设色不仅仅是简单的调色，而是需要对色彩的冷暖、深浅、明暗有深刻的理解，并能够根据画面的整体需求进行恰当的运用。我特别喜欢书中关于“烘染”技法的讲解。烘染是中国画中常用的赋彩方法，通过层层烘染，能够使色彩更加丰富、厚重，并营造出一种朦胧、深远的空间感。书中详细介绍了烘染的步骤和技巧，例如如何先用淡墨打底，再层层叠加颜色，以及如何运用不同的染法（如罩染、点染、统染）来达到不同的艺术效果。书中还结合了大量古代名家的作品，对他们的设色进行了深入的剖析，让我能够从大师的作品中学习到最精妙的色彩运用之道。让我印象深刻的是，作者在讲解设色时，并没有回避“留白”的重要性。在中国画中，留白也是一种重要的色彩元素，它能够起到“计白当黑”的作用，让画面更具呼吸感和想象空间。书中恰当地阐述了如何通过留白来突出主体、烘托意境，以及如何处理色彩与留白之间的关系，达到虚实相生、意境深远的效果。总而言之，这本书关于设色的讲解，让我从一个色彩的“门外汉”变成了一个对色彩运用有了初步理解的“门内人”。
评分这本书的出现，可以说是解决了我在学习中国山水画过程中长期存在的困惑。下册的内容，尤其是对“用墨”的阐述，让我豁然开朗。传统的中国画，讲究“墨分五色”，这句话说起来容易，真正做到却难上加难。这本书没有流于表面，而是深入浅出地讲解了焦、浓、重、淡、清这五种墨色的运用技巧，以及它们在不同层次、不同质感表现上的差异。例如，如何通过墨色的浓淡变化来表现山峦的远近层次，如何利用墨色的干湿枯润来塑造岩石的粗糙或光滑，甚至是如何运用焦墨来制造苍劲古朴的视觉效果。书中不仅提供了大量的示范图，还配以详尽的文字说明，解释了每一种墨色在画面中起到的具体作用。我尤其欣赏的是，作者在讲解用墨时，并没有忽视“飞白”的运用。飞白是中国画中一种非常独特的技法，它能产生一种苍劲、有力的美感。书中详细讲解了如何通过控制笔头的含水量和运笔的速度来形成自然的飞白，以及飞白在表现树木的枝干、岩石的棱角时的妙处。这让我明白，飞白不仅仅是一种偶然的笔触，而是画家刻意追求的一种艺术效果。此外，关于“用笔”的探讨，也让我受益匪浅。中国画的用笔，讲究“骨法用笔”，即用笔要有力度、有方向、有形体。这本书从最基本的“点、线、面”的运用开始，循序渐进地讲解了各种不同的笔法，例如勾、皴、擦、点、染等，并强调了每一种笔法在表现不同物象时的特点。比如，勾线如何体现山石的轮廓和起伏，皴擦如何表现山石的纹理和质感，点苔如何为画面增添生机。书中对笔法的讲解，不仅停留在技法层面，更融入了对笔墨精神的理解，让我感受到中国画的笔墨不仅仅是表现形式，更是画家内心世界的流露。这本书的出现，让我觉得我之前的学习都是在“摸索”，而这本书则为我指明了方向，让我能够更系统、更深入地学习中国山水画的精髓。
评分这本书，简直是打开了我对中国山水画认知的新维度！尤其是下册，关于“写意山水画的创作理念与实践”的论述，让我彻底颠覆了以往对“写意”的浅层理解。我一直以为写意就是随意挥洒，但这本书让我明白，真正的写意，是建立在深厚功力基础上的“胸有成竹”和“得心应手”。书中深入阐述了写意山水画的核心在于“以形写神”，即通过对物象的艺术概括和变形，来捕捉其内在的精神和韵律。作者通过大量古代名家的写意作品进行赏析，详细分析了他们是如何通过简练的笔墨，寥寥数笔，便能勾勒出山水的神韵和意境。让我印象深刻的是，书中对“笔墨意趣”的探讨。它不仅仅是笔墨的技巧，更是画家在运笔用墨过程中所倾注的情感和心绪。一笔的顿挫，一墨的枯润，都能传递出画家的喜怒哀乐。书中还详细介绍了写意山水画的创作过程，从构思立意，到笔墨的选择，再到整体的布局，都进行了细致的讲解。尤其让我受益匪浅的是，作者关于“气韵”的阐释。气韵是中国画的灵魂，是画家生命力和情感的流露。书中通过大量的实例，揭示了气韵是如何通过笔墨的韵律、色彩的和谐、构图的巧妙以及意境的深远来体现的。这让我明白，写意山水画的最高境界，在于能够传达出一种“活”的生命力，一种能够触动观者心灵的艺术感染力。书中还提供了许多写意山水画的练习方法，例如“写生与写意结合”、“意境构思练习”、“笔墨实验练习”等等，让我能够将所学的理论知识运用到实际的创作中去。这本书让我明白，写意山水画不是“不画”山水，而是“画”出山水的精神，是“画”出自己对山水的理解和感悟。
评分我必须说，这本书简直是为我量身定做的！尤其是下册，对于“山水画的意境与精神”的阐释，让我看到了中国山水画的灵魂所在。以往我学习山水画，更多地停留在技法层面，而这本书则将我引向了更深层次的精神追求。作者在书中深入探讨了中国山水画“天人合一”的哲学思想，以及这种思想如何体现在具体的笔墨之中。它不仅仅是描绘山川的形态，更是通过山川的描绘来表达画家对宇宙、对人生的感悟。我特别欣赏的是，作者在讲解意境时，并没有空泛地谈论，而是通过分析历代名家的经典作品，具体地揭示了他们是如何通过构图、用笔、用墨、设色等多种手段来营造出不同的意境。例如，如何通过高远式构图来表现山峦的雄伟壮丽，如何通过留白来营造出宁静致远的氛围，如何通过飞白来体现山石的苍劲古朴。书中还探讨了“气韵生动”在中国山水画中的重要性。气韵是中国画的最高境界，它指的是画面所传达出的生命力、活力和精神气质。作者通过分析大量名家作品，揭示了气韵是如何通过笔墨的韵律、色彩的和谐、构图的巧妙以及意境的深远来体现的。这让我明白，一幅好的山水画，不仅仅是形似，更应该是神似，能够触动观者的心灵。让我感到惊喜的是，书中还探讨了“写意”在中国山水画中的地位。写意并非随意涂抹，而是通过简练的笔墨，抓住物象的本质，表达画家的主观情感。作者通过对比“工笔”与“写意”山水画的特点，让我更深刻地理解了写意山水画的艺术魅力。这本书的讲解，让我不仅仅学会了如何画山水，更学会了如何去“感受”山水，如何去“表达”对山水的理解和感悟。它将我的学习从“技术层面”提升到了“精神层面”，让我对中国山水画的理解上升了一个全新的高度。
评分这本书简直是中国山水画学习者的“葵花宝典”！下册的内容，对于“名家作品临摹与解析”的编排，让我感觉自己仿佛拥有了一位位大师的贴身指导。往往很多教程都是空泛的讲解，而这本书则将理论与实践紧密结合，通过对历代名家经典作品的深入解析，让学习者能够直观地感受到传统山水画的魅力和精髓。书中精选了一系列具有代表性的山水画作品，例如范宽的《溪山行旅图》、董源的《潇湘图》、黄公望的《富春山居图》、王蒙的《葛明山居图》等等，并对每一幅作品进行了细致入微的解析。我特别欣赏的是，书中不仅仅是简单地介绍作品的背景和画家，而是从构图、用笔、用墨、设色、意境等多个角度，对作品进行了深入的剖析。例如，在解析范宽的《溪山行旅图》时，书中详细讲解了其雄浑壮阔的构图，以及粗犷有力的皴法如何表现山石的坚实厚重。在解析董源的《潇湘图》时，书中则侧重于其温润秀丽的笔墨，以及如何通过墨色的变化来营造出江南水乡的朦胧美。书中还提供了大量的临摹范例，例如同一幅作品的不同局部放大，以及详细的笔墨走向指示，这对于初学者来说，简直是福音。我曾经尝试过临摹一些古代山水画，但往往不得其法，而这本书的解析，让我能够更准确地把握原作的笔墨精髓。让我感到惊喜的是，书中还探讨了不同画家的用笔用墨特点，以及他们是如何通过这些特点来形成自己独特的风格。例如，王蒙的笔法多变，董其昌的笔墨腴润，这些都让我能够更好地理解和学习不同画家的风格。通过对名家作品的临摹与解析，我不仅学到了具体的绘画技巧，更重要的是，我开始能够体会到中国山水画的意境和精神。这本书让我明白，临摹不仅仅是简单的模仿，更是通过模仿来学习大师的艺术思想和创作方法，最终形成自己的艺术语言。
评分这本书的价值，真的不可估量！尤其是下册，对于“点景人物与题款”的讲解，更是画龙点睛之笔。在中国山水画中，点景人物虽然占画面比例不大，但其作用却不容小觑。他们不仅能够增加画面的生动性和趣味性，还能够烘托出山水的意境，表现出画家对人与自然关系的思考。这本书在这方面的讲解十分细致。它从点景人物的类型（如渔夫、樵夫、隐士、行旅之人等），到人物的姿态、衣着、神情，再到如何将人物巧妙地融入山水之中，都进行了详细的阐述。我特别喜欢书中关于如何通过人物的活动来表现山水的意境的讲解。例如，一个在江边垂钓的老者，能够营造出一种宁静致远的氛围；一群行吟的文人，则能表现出山水的清幽雅致。书中还结合了大量的实例图，让我能够直观地感受到点景人物在画面中的点缀作用。让我印象深刻的是，作者在讲解点景人物时，并没有忽视“大小”的比例问题。在中国画中，点景人物的大小需要与山水的尺度相协调，既不能过大喧宾夺主，也不能过小失其作用。书中详细讲解了如何根据山水的规模来确定人物的大小，以及如何通过人物的位置来引导观者的视线。此外，关于“题款”的讲解，也让我受益匪浅。题款在中国画中不仅仅是署名，更是画面的一个重要组成部分。这本书从题款的位置、大小、字体、内容等方面，都进行了详细的讲解。它强调了题款应该与画面风格相协调，既要清晰可辨，又要不破坏画面的整体美感。书中还介绍了一些常见的题款形式，例如落款、引首、押印等等，以及它们在中国画中的作用。让我感到惊喜的是，作者还探讨了题款与画面意境的结合。例如，一首恰当的诗句作为题款，能够极大地增强画面的文化内涵和艺术感染力。这本书对点景人物和题款的讲解，让我明白了这些看似“小细节”的重要性，也让我能够更全面地去理解和创作中国山水画。
评分挺好的书 适合新手阅读
评分对学习水墨山水画者来说,绝对物有所值.
评分很好，还没有看，应该不错
评分宝贝不错，非常实用，好评
评分好正版
评分可以我喜欢
评分好正版
评分好
评分帮别人买的，很喜欢，十分满意的一次购物！
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