【中信书店】中国美术史·大师原典系列:周昉·簪花仕女图、挥扇仕女图 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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周昉 著

图书标签:

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店铺： 中信书店

出版社： 中信出版集团股份有限公司

ISBN：9787508664224

商品编码：10608781777

包装：精装

开本：小8开

出版时间：2016-07-01

内容简介

《簪花仕女图》描绘的是宫廷仕女在幽静而空旷的庭园里过着嬉戏玩乐的奢靡生活，再现了一幅绚丽的唐代宫廷画卷。
《挥扇仕女图》描绘了13位头挽高髻、细目圆面、长裙曳地的妃嫔和宫女执扇慵坐、解囊抽琴、对镜理妆、绣案做工、挥扇闲憩等生活情景。

作者简介

周昉，字仲朗、景玄，京兆（今陕西西安）人，唐代画家。出身显贵，先后任越州、宣州长史。能书，擅画人物、佛像，尤其擅长画贵族妇女，容貌端庄，体态丰肥，色彩柔丽，为当时宫廷士大夫所喜爱。又工肖像，有兼得神情之誉。亦能画鞍马、鸟兽、草木。

书籍简介：探索中国古代艺术的辉煌篇章 本册精选画集，聚焦于中国美术史上几位至关重要的艺术大师及其代表作，旨在为读者提供一次深入、全面的视觉与学术之旅。它不仅是一部艺术鉴赏录，更是一部关于中国审美变迁、文化精神传承的深度解读。 一、 隋唐盛世的恢弘气象：吴道子与金碧山水 本书的开篇，我们将目光投向被誉为“画圣”的吴道子。他的艺术成就不仅在于技法的革新，更在于他将道家“气韵生动”的哲学思想融入绘画之中，彻底改变了自六朝以来受到外来佛画影响较深的画风。 核心内容聚焦： 1. “吴带当风”的线条艺术： 详细剖析吴道子如何以其奔放、遒劲的线条，塑造出衣袂飘举、气势磅礴的人物形象。我们将通过对传世摹本的细致比对，重构其“如印泥”的笔法特点，探讨这种技法如何体现盛唐时代的自信与活力。 2. 道释画的转型与革新： 梳理吴道子如何将佛道题材世俗化、人情化，使其更贴近汉族本土审美。重点分析其在《八十七神仙图》（或相关摹本）中展现出的对空间处理和人物动态的创新。 3. 山水画的先驱地位： 考察吴道子在山水画领域的贡献，特别是他如何奠定中国山水画的早期格局，并为后世李思训一派的金碧山水风格提供源头活水。 二、 宋代文人画的勃兴与写意精神的萌芽 进入宋代，随着士大夫阶层政治地位的提升和文化自信的增强，绘画开始从纯粹的“匠作”向“言志”的文人艺术转变。本书将重点呈现这一转型期的关键人物。 重点大师及其作品解析： 1. 李唐与南宋山水的雄浑转型 李唐作为北宋末期画家，其画风承接了范宽的雄伟，却又注入了更为强烈的笔墨力量。 斧劈皴法的深度剖析： 详细解读李唐标志性的“斧劈皴”，分析其如何以刚劲的笔触刻画山石的质感，表现出乱世之下北方山河的沉郁和坚韧。 《万壑松风图》的结构分析： 通过对局部细节的放大，研究其如何通过高耸的山体和疏朗的松树，营造出既有压迫感又不失生机的复杂空间。 2. 马远与夏圭的“边角经营” 马远和夏圭是南宋“院体”画的集大成者，他们将视角收缩，以极简的构图表达深远的意境。 “一角两角”的构图哲学： 探讨他们如何通过画面边缘的留白和聚焦于一角或两角的景物，引导观者进入无限的想象空间，体现宋代理学对“有限与无限”的思考。 墨韵的层次变化： 考察马远对淡墨、焦墨的精妙运用，如何通过墨色的干湿浓淡，表现出山川的朝雾、烟岚和幽深。 三、 元代四大家的笔墨高峰：文人画的成熟与独立 元代，因蒙古统治，汉族文人画家脱离了朝廷的直接束缚，绘画真正成为他们抒发胸臆、寄托情怀的主要途径。四大家（黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙）的出现，标志着中国绘画史的一个重要高峰。 专题研究：笔墨即心法 黄公望的“平淡天真”与皴法的融合： 重点解析《富春山居图》所代表的“披麻皴”的运用，探讨其如何将自然山水与个人性情完美融合，达到“不似之似”的境界。 倪瓒的“萧疏寂寥”与空灵之美： 深入研究倪瓒如何通过高度提炼的树法和极简的构图，表达其对世俗的疏离和高洁的人格坚守。其画中大面积的留白，如何象征着精神的自由。 吴镇的“雄秀兼备”与笔力的老辣： 考察吴镇在水墨竹石中展现的酣畅淋漓与雄强之气，探究其如何将书法用笔融入绘画的肌理之中。 王蒙的“层层作晕”与密集的内在秩序： 分析王蒙如何以繁复的笔墨层叠出山峦的厚重感和精神的复杂性，体现出文人内心的深沉思虑。 四、 明清之际的转折：传统精神的回归与创新 本书的收尾部分，将聚焦于明清时期，在继承元代文人画精神的基础上，画家们如何应对新的时代挑战。 1. 吴门画派的雅致与典雅（沈周、文徵明） 沈周的“集大成”： 分析沈周如何融汇宋元诸家之长，形成自己温润、醇厚的画风，尤其在花鸟画和山水画中展现的诗意表达。 文徵明的精工与法度： 考察文徵明对传统规范的坚守与发展，他如何在严谨的笔墨中注入士人情趣。 2. 董其昌的“南北宗论”与文人画的理论构建 董其昌不仅是画家，更是重要的艺术理论家。 “南北宗论”的影响力： 详细阐述董其昌如何划分中国山水画的历史脉络，以及这一理论对后世（特别是清初四王）产生的深远影响。 “以书入画”的极致追求： 研究他如何将书法中的笔意运用到极致，追求墨色的韵味而非描绘对象的形似。 本书通过对这些关键时期和核心大师的深入梳理，旨在揭示中国古代绘画艺术的演进脉络，从唐代的浑厚气象，到宋代的意境营造，再到元代的笔墨自觉，最终抵达明清的理论高峰，为读者构建一个完整、清晰且富有学术深度的中国美术史阅读体验。

评分☆☆☆☆☆

购买这本书的过程本身就充满了一种仪式感，它被妥善地包装在厚实的保护盒中，运送过程中也得到了极好的保护。开箱的一瞬间，那种期待被完全满足的感觉非常美妙。我最喜欢的部分是它对细节的放大处理，有些小幅画作，如果不仔细看，会错过很多隐藏的“彩蛋”。这本书里有专门的版块对特定的局部进行超高清特写，比如人物的眼神、发丝的描绘，或者背景中花草的造型，都展现出令人难以置信的精细度。这让我仿佛能感受到画家笔尖触碰到绢帛时那种微妙的力度和情感的注入。这种对微观世界的关注，极大地提升了欣赏体验，也让我对古代匠人的专注和技艺产生了深深的敬佩。它不愧是大师原典系列，对原作的忠实呈现，是任何电子屏幕都无法比拟的。

评分☆☆☆☆☆

我是一个对艺术史研究有浓厚兴趣的业余爱好者，之前在网上搜集资料时，常常为找不到权威、集中的一手资料而苦恼。这本册子很大程度上解决了我的困扰。它汇集了多幅重要作品的清晰图像和详尽的考证信息，形成了一个相对完整的知识体系。特别是那些关于画作流传、修复历史以及不同学者观点对比的部分，信息量大且极具参考价值，为我的个人研究提供了坚实可靠的支撑点。相比那些只注重画面美感的图集，这本书的学术深度显然更胜一筹。它提供的不仅仅是“看画”，更是“读懂画”的方法论。每一页的文字都像是一位博学的导师在耳边低语，不断地提醒我注意那些肉眼容易忽略的细节，比如衣褶的走向、点苔的技巧，以及构图中的象征意义。这让我对传统绘画的复杂性和智慧有了更深层次的体悟。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，市面上很多艺术画册都存在一个通病：内容泛泛，流于表面。但这一本完全没有这种倾向。它的叙事风格非常成熟和老道，没有那种为了吸引眼球而刻意渲染的浮夸辞藻。相反，它采用了一种沉静、内敛的笔调，仿佛在述说一段经过时间沉淀的往事。书中对特定时期的审美变迁和人物精神风貌的分析，精准到位，一语中的。它成功地将我们从现代的视角中抽离出来，让我们真正站在当时的文化高度去审视这些作品的价值和意义。阅读这本书的过程，对我而言，更像是一次深度的精神漫游，它拓宽了我对中国古典美学的认知边界，并且培养了我更耐心、更细致的鉴赏习惯。这本书的价值，远远超出了它的定价，是一笔值得所有热爱中国艺术的人们投资的宝贵财富。

评分☆☆☆☆☆

这本画册的选材和编排逻辑，展现了编辑团队深厚的学术功底和独到的见解。它不仅仅是简单地将画作堆砌在一起，而是构建了一个清晰的脉络，引导读者循序渐进地理解艺术家的创作思想和时代背景。我尤其欣赏它在介绍每件作品时所采用的那种深入浅出的叙事方式。那些专业的术语和复杂的理论，都被巧妙地融入到流畅、富有故事性的文字描述之中，即使是对中国古代绘画不太熟悉的读者，也能轻松跟上节奏，领略到其中的精妙之处。作者的解读角度非常新颖，没有陷入传统评论中常见的窠臼，而是挖掘出了作品在当时社会文化语境中的多重含义，读起来让人有豁然开朗的感觉。这种平衡了学术严谨性和可读性的处理方式，使得它既能满足专业人士的考据需求，又能服务于大众读者的审美愉悦，实属难得。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是令人眼前一亮，拿到手上就能感受到一种沉甸甸的质感，纸张的选取和印刷的色彩处理都体现了出版方对艺术作品的尊重。我特别喜欢它那种内敛而又不失典雅的封面风格，没有过多花哨的装饰，而是用最简洁的排版勾勒出一种历史的厚重感。内页的图版印刷质量达到了极高的水准，即便是原作中那些极其微妙的色彩过渡和线条的细腻之处，都能被清晰地再现出来，这对于深入研究和欣赏艺术品来说，是至关重要的基础。我对比了之前看过的其他版本，无论是墨色的浓淡变化还是人物肌肤的温润光泽，这本都处理得非常到位，真正做到了“原典”应有的水准。翻阅过程中，那种对艺术珍品的敬畏感油然而生，感觉自己不是在看一本普通的画册，而是在与这些跨越千年的杰作进行一场无声的对话。这种高标准的物理呈现，无疑为阅读体验增添了极大的附加值，让人忍不住想反复摩挲品鉴。