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[美] 朱迪丝·韦斯顿（JudithWeston）著 著

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• 导演技巧
• 演员与导演
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• 戏剧教育

店铺： 文轩网旗舰店

出版社： 北京联合出版公司

ISBN：9787550270350

商品编码：10315383508

出版时间：2016-05-01

作  者:(美)朱迪丝·韦斯顿(Judith Weston) 著；夏明 译 定  价:36 出 版 社:北京联合出版公司 出版日期:2016年05月01日 页  数:281 装  帧:平装 ISBN:9787550270350 ●致谢
●引言
●结果式指导与快速修正
●1.1形容词
●1.2动词
●1.3事实
●1.4印象
●1.5事件
●1.6具体任务
●1.7问题，问题，问题
●第二章时刻当下
●2.1恐惧与抑制
●2.2风险
●2.3诚实
●2.4时刻当下
●2.5特异性
●2.6自由
●2.7专注
●第三章听与说
●第四章演员的选择
●部分目录

内容简介

这是一本导演的案头推荐书，好莱坞明星导师朱迪丝·韦斯顿在书中分享了自己三十余年的授课经验，深入解析了导演和演员在合作当中的心理状态，帮助导演在纷繁的片场保持头脑清醒，向演员提供准确、细致的指导。同时，书中列举了导演经常遭遇的困境及对应措施，帮助你搞定难以沟通的品牌演员，掌握好激励演员的尺度分寸，避免陷入反复重拍的尴尬境地。书中所介绍的剧本分析方法、排练技巧，从选角到拍摄的一系列准则，不仅对于导演具有指导作用，对于演员及编剧而言也能打开视野、激发灵感。
本书自出版以来畅销十余年，已译为德、日、西、韩等语言，被世界各大影视类高校和好莱坞电影公司列为指定读物。
(美)朱迪丝·韦斯顿(Judith Weston) 著；夏明 译 朱迪丝·韦斯顿（Judith Weston），靠前知名的导演与表演教师，多年来在洛杉矶开设独立的工作室，讲授“指导演员”“剧本分析”和“排练技巧”等课程，同时，也向导演和演员提供影片筹备阶段的私人咨询服务。在过去三十年中，朱迪丝指导了大量杰出的电影人，包括连续两届奥斯卡很好导演得主亚历杭德罗·冈萨雷斯·伊尼亚里图、《为奴十二年》导演史蒂夫·麦奎因以及大批在独立电影节和各大电影奖中崭露头角的新人。另著有《导演的直觉》。

好的，这里为您准备了一份关于一本名为《艺海拾贝：表演艺术的现代探索》的书籍简介，这份简介不涉及您提到的《如何指导演员》的内容，并力求详实、自然。 --- 艺海拾贝：表演艺术的现代探索 作者： [此处可填入虚构的资深艺术评论家或导演姓名] 出版信息： [此处可填入虚构的出版社名称] 字数： 约 1500 字 导言：剧场之外的呼吸 在光影交错的舞台之上，演员的每一次呼吸、每一个眼神，都承载着角色的重量与时代的烙印。然而，伟大的表演绝非偶然的灵光乍现，它根植于对人性深处的洞察、对技术边界的不断试探，以及对表演本体论的持续追问。《艺海拾贝：表演艺术的现代探索》并非一本操作手册，它是一部深入剧场肌理、回溯艺术源流、并展望未来可能性的深度研究文集。 本书的核心目的，在于解构现代语境下“表演”这一复杂行为的多个维度。我们试图超越舞台上的瞬间效果，去探究支撑这些瞬间的理论架构、历史演变和跨文化影响。它针对的读者群广泛，无论是初涉戏剧殿堂的学子，浸淫多年的资深从业者，还是对人类表达形式充满好奇的普通读者，都能从中寻得对表演艺术更广阔的理解。 第一部分：历史的褶皱与流派的重塑 表演艺术的历史是一部不断反叛与回归的循环史。本部分着重审视了二十世纪以来，几股关键的思潮如何重塑了我们对“真实”与“虚构”的认知边界。 一、从斯坦尼斯拉夫斯基到后结构主义：系统之辩 我们不会停留在对“方法表演”（Method Acting）的表面解读，而是深入分析其在不同文化土壤中的本土化和异化。重点探讨了契诃夫、格里戈里·索科洛夫等后继者如何继承并修正了这一体系。更进一步，本书对巴尔特（Barthes）的“可读性”理论如何在舞台空间中被转化为“可演性”，进行了细致的论述。我们关注的焦点是：当情感不再是唯一驱动力时，身体是如何成为叙事的载体的？ 二、东方美学在西方的回响：身体的符号学 在全球化的背景下，西方戏剧越来越频繁地借鉴东方剧场的元素，尤其是能剧（Noh）的极简主义和京剧的程式化。本书专门开辟章节，分析了这些看似对立的表演体系在“非日常性表达”上的共通之处。例如，如何理解能剧中的“不在场”是如何构建比“在场”更强烈的戏剧张力？我们探讨了这些符号学元素在当代先锋戏剧中的挪用与滥用现象，旨在区分真正的跨文化对话与肤浅的文化嫁接。 三、空间即媒介：打破“第四堵墙”的革命 自“环境剧场”兴起以来，舞台与观众的传统界限便持续受到挑战。本书细致梳理了从彼得·布鲁克（Peter Brook）到最新的沉浸式戏剧（Immersive Theatre）的发展脉络。我们分析了环境剧场如何利用空间的不对称性来制造观众的“主体性危机”，迫使观众从被动的观察者转变为不可或缺的参与者。这不仅是对剧场场域的改造，更是对戏剧“观看”本质的哲学拷问。 第二部分：技术、媒介与表演的新疆域 数字时代极大地拓宽了表演艺术的疆界，但也带来了新的挑战与伦理困境。本部分聚焦于技术如何介入、并可能颠覆传统的表演实践。 一、数字替身与永恒的表演者 随着高精度动作捕捉和深度伪造（Deepfake）技术的发展，演员的“在场性”受到了前所未有的挑战。本书严肃探讨了“数字永生”的伦理问题——一个已故演员是否可以“永恒”地出现在舞台上？我们考察了如何利用数字技术来拓展表演的物理极限，例如，探讨了虚拟现实（VR）和增强现实（AR）技术如何为独角戏提供一个无限广阔的“内心世界”舞台。 二、屏幕的凝视：电影与电视表演的差异化研究 电影镜头下的表演与舞台上的宣泄形成了鲜明的对比。本书通过对特写镜头和远景镜头的对比分析，揭示了微表情如何成为银幕表演的核心语言。我们深入剖析了表演者如何在极端受限的物理空间内，调动其全部的内心资源来满足“光影的审判”。此外，还关注了流媒体时代下，长篇剧集对演员持续性表演能力提出的新要求。 三、身体的异化与增强：赛博格美学在舞台上的应用 从机械舞（Popping）到对义肢的艺术化处理，当代表演越来越多地拥抱“非人”的身体形态。本书探究了如何将机械运动的精确性与人类情感的模糊性相结合，创造出一种既陌生又熟悉的表演语态。这不仅仅关乎特效，更关乎演员如何接纳自身身体在技术干预下所产生的全新可能性。 第三部分：剧本之外：创作主体与合作的艺术 表演的完成，从来不是演员一个人的独角戏。本部分将目光投向了剧本的解构、排练的化学反应，以及艺术团队内部的复杂关系。 一、解构文本：从语言到潜文本的挖掘 许多现代剧作（如哈罗德·品特、萨缪尔·贝克特的作品）的魅力在于其表面的“无意义”下潜藏的巨大张力。本书提供了一套分析框架，教导艺术家如何阅读“留白”（Silence）和“中断”（Interruption），如何将文本的“潜台词”转化为具体的身体行动，而非单纯的情感宣泄。 二、排练室的生态学：权力、信任与共同创造 排练室是剧场艺术诞生的熔炉，也是最容易产生冲突的“微型社会”。本书详细描绘了在创作过程中，不同艺术领域（导演、舞美设计师、音响师、演员）之间如何进行权力博弈和资源分配。我们强调了“相互倾听”和“建设性质疑”在建立高效创作氛围中的关键作用，主张排练过程本身就应被视为一种具有艺术价值的表演行为。 三、观众反馈与艺术的迭代 表演艺术的生命力在于其“发生性”。本书最后一部分探讨了首演和巡演过程中，演员如何处理和吸收来自不同地域、不同文化背景的观众反馈。真正的成熟，在于将观众的即时反应内化为下一次表演的微调动力，从而实现艺术作品的持续“新鲜感”。 结语：回归人性之光 《艺海拾贝：表演艺术的现代探索》并非试图提供一个终极答案，而是鼓励读者持续提问。我们站在历史的肩膀上，审视着技术变革的浪潮，最终希望回归到表演艺术最核心的命题：如何通过精心雕琢的虚构，更深刻地揭示人类共通的情感与困境。表演艺术的未来，依然系于那份对“人”的永恒关怀。 ---

评分☆☆☆☆☆

这部作品简直是为那些渴望在镜头前展现自我的“素人”量身定做的指南。它没有高高在上的理论说教，而是像一位经验丰富的老朋友，手把手地教你如何从零开始，构建自己的表演基石。我尤其欣赏作者对于“如何观察生活”的细致入微的指导。书中大量篇幅都在探讨如何将日常生活中的细微动作、不经意的表情，转化为舞台上或银幕上具有张力的瞬间。比如，它会详细拆解一个角色在得知坏消息时的身体反应链条，从呼吸的细微变化到眼神的聚焦失散，提供了大量可供实践的练习方法。那些关于如何处理“无对手戏”场景的技巧，更是让我茅塞顿开。我过去总觉得一个人演戏很空虚，但这本书告诉我，你的“对手”其实是你自己内心的冲突和想象力的边界。读完后，我感觉自己看待周围的人和事的方式都变了，世界仿佛成了一个巨大的、充满表演可能性的游乐场。那种由内而外的自信和对角色的理解深度，是任何一本空泛的“表演哲学”书籍都无法给予的。它更像是一本实操手册，而非纯粹的理论探讨，实用性极强。

评分☆☆☆☆☆

这本书最吸引我的地方，在于它对“脆弱性”的拥抱和引导。在当今这个追求“完美人设”的时代，很多表演训练都倾向于教你如何隐藏缺陷、如何展现魅力，但这本书反其道而行之，它鼓励演员去挖掘和展示角色最不愿示人的一面。作者详细描述了如何安全、有效地进入角色的“黑暗面”或“创伤记忆”，并强调了自我保护机制的重要性，避免演员在过于投入后无法抽离。这种对心理健康和艺术探索平衡的关注，体现了作者极高的职业素养和人文关怀。它不仅仅是教你怎么“演得像”，更是教你如何“活得真实”——在虚构的世界里，找到真实的情感出口。我感觉读完这本书后，我不再害怕犯错，因为作者将“错误”视为通往更深层次理解的必然路径。这种宽容和引导，让整个学习过程充满了探索的乐趣和心灵的释放感。

评分☆☆☆☆☆

我必须说，这本书的章节编排设计得非常巧妙，它采取了一种螺旋上升的教学模式。开篇只是建立一些基础的身体觉知练习，比如如何用不同的重量感去行走、如何让声音从身体的不同部位发出，这些初看起来似乎与“表演”关系不大，实则是在为后期的情绪爆发做“承载力”训练。随着阅读深入，你会发现作者总能将前面那些看似无关的练习，与复杂的场景调度或即兴创作联系起来。最让我印象深刻的是关于“空间感”的章节。作者用大量的篇幅解释了如何利用舞台或镜头前后的空间来表达权力关系和情感疏离，而不是仅仅依赖面部表情。我以前总以为“走位”是导演的事，但这本书让我意识到，优秀的演员对空间的运用本身就是一种语言。这种将肢体、声音、空间三者融为一体的整合性训练，极大地拓宽了我对表演艺术的理解边界，它不再是单纯的“演戏”，而是一种身体的、环境的、心理的综合表达。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事风格充满了那种老派戏剧学院的严谨与热忱，读起来有一种扎实的年代感和专业感。它不像当代很多关于表演的读物那样追求“快速出成名”的捷径，而是将重点放在了对“人”的挖掘上。我发现作者在剖析人物动机和潜台词构建方面，有着近乎偏执的细致。书中反复强调，台词只是冰山一角，水面下的冰山才是真正支撑起角色重量的部分。作者提供了一套非常独特的时间线分析法，教导演员如何将角色的过去、现在和对未来的恐惧，通过身体语言的细微调整在同一场戏中“共振”出来。我尝试用书里提到的“三层情绪叠加法”去处理一个微不足道的日常场景，结果发现，原本平淡的对手戏立刻变得充满张力。这种对内在世界的深度挖掘，不仅提升了表演的层次感，也让我对人性的复杂有了更深的敬畏。它迫使你停止“假装”，转而真正地“成为”，这个过程虽然痛苦，但收获是巨大的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格非常直白，带着一种直击人心的力量，少有华丽的辞藻，多的是经验的凝练和直指核心的洞察。它像是一本资深导演的案头笔记，里面充满了被时间检验过的“禁忌”和“秘诀”。例如，书中对“眼神交流”的讨论就颠覆了我过去的一些固有认知。它不只是告诉你“看着对方”，而是精确地划分了十几种不同类型的凝视，每一种凝视背后所代表的情感距离和权力动态都被剖析得淋漓尽致。更棒的是，作者会引用大量的经典案例，通过分析那些伟大演员在特定时刻的反应，来佐证自己的观点，使得理论不再是空中楼阁。这些案例分析的深度和广度，让人能清晰地看到从理论到实践的完整路径。对于那些已经有一定表演基础，但感觉自己停滞不前的从业者来说，这本书无疑是一剂强效的“破壁针”，能有效地打破原有的舒适区，推动表演进入下一个阶段。