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[美] 希利尔（V.M.Hillyer）著任乐平，葛 著

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出版社： 福建教育出版社

ISBN：9787533467654

商品编码：10069770552

出版时间：2015-09-01

作  者:(美)希利尔(V.M.Hillyer) 著;任乐平,葛笑,刘湟 译 著作 定  价:49.8 出 版 社:福建教育出版社 出版日期:2015年09月01日 页  数:371 装  帧:平装 ISBN:9787533467654 ●绘 画
● 世界上，最为古老的图画
●第二章 这幅画有什么问题吗
●第三章 宫廷拼图
●第四章 愚人之图
●第五章 罐壶上的图画
●第六章 基督画像，以及基督徒之画
●第七章 牧童画师
●第八章 天使一样的兄弟
●第九章 重生之画家
●第十章 邪恶和布道
●第十一章  一个伟大的导师和一个“最伟大”的学生
●第十二章  能绘画的雕刻家
●第十三章  列奥纳多·达·芬奇
●第十四章  六个威尼斯人
●第十五章  裁缝的儿子和光影大师
●第十六章  佛兰德斯人
●第十七章  两个荷兰人
●第十八章  丢勒与小霍尔拜因
●第十九章  忘却与发现
●部分目录

内容简介

《希利尔讲艺术史》将艺术目前数不清的风格流派，什么印象派、后印象派、拜占庭风格、哥特风格……化繁为简，将艺术知识和艺术鉴赏变成了孩子们熟悉的生活片段。艺术来源于生活，每个孩子天生就是艺术家，伟大的艺术家都需要葆有一颗赤子之心。希利尔以平实的方式，揭示出了伟大艺术*平易近人的一面。 (美)希利尔(V.M.Hillyer) 著;任乐平,葛笑,刘湟 译 著作 希利尔（V.M.Hillyer），美国杰出教育家，毕生从事中小学教育，酷爱历史和艺术，喜欢旅行。他有着一颗教师的心——一种天生的异能，了解孩子们需要什么，知道如何讲孩子才能听明白以及孩子成长的规律是什么。希利尔认为，孩子们写作、阅读和数学的基础必须夯实。在此基础上，他认为学生应当接受历史、艺术、地理和科学的系统教育，意在培育熟稔周遭世界各个方面的全面型学生。希利尔痛感传统教科书的枯燥无味，立志为孩子编写一套读起来兴味盎然的历史、地理和艺术读物，积多年当小学校长的教学经验，以五年时间写就此书，这便是《希利尔讲世界史》《希利尔讲世界地理》《希利尔讲艺术史》。

艺术的演进：跨越时空的视觉对话 图书简介 本书并非一部聚焦于某一特定时期或地域的艺术史著作，而是一次广阔而深入的探索之旅，旨在梳理人类视觉表达的脉络，揭示艺术作为文化载体与社会镜鉴的核心作用。我们旨在构建一个宏大的叙事框架，将分散于不同文明和时代中的艺术现象有机地连接起来，探讨艺术的本质、功能及其在人类文明发展中的驱动力。 第一部分：起源与神圣的领域——史前至古典时代的艺术 本书的第一部分将我们带回人类文明的黎明。我们首先考察史前艺术，那些刻画在洞穴岩壁上的动物形象，不仅仅是简单的记录，更是早期人类对世界秩序的理解和对生命力的原始崇拜的投射。从拉斯科（Lascaux）到阿尔塔米拉（Altamira），这些图像如何跨越数万年仍然震撼人心？我们探讨了符号的诞生及其与巫术、生存需求的紧密关联。 随后，目光转向古代近东与埃及。美索不达米亚的浮雕，如《乌尔军旗》，以及尼罗河畔的宏伟金字塔和神庙，展示了权力、永恒与神权的结合。埃及艺术的严格规范——如正面律——并非是缺乏想象力，而是服务于其对“永恒性”和“宇宙秩序”（Ma'at）的追求。我们深入分析了苏美尔、阿卡德、巴比伦、亚述等不同政权下，艺术如何成为国家意识形态的工具。 本篇的高潮在于古希腊与古罗马。古希腊艺术的革命性在于其对“人”的中心化（人文主义的萌芽）。从几何时期的抽象到古风时期的“埃及化”影响，再到古典盛期的和谐、理想化的人体比例（如波留克列特斯的《持矛者》），以及希腊化时期对情感与戏剧性的探索（如《拉奥孔群像》），我们追踪了美学理念的变迁。接着，罗马人继承并发扬了希腊的艺术语言，但更注重实用性、纪实性和帝国荣耀的表达。从奥古斯都的肖像到万神殿（Pantheon）的结构奇迹，罗马艺术是政治宣传与工程学的完美结合。 第二部分：信仰的构建与世俗的觉醒——中世纪与文艺复兴的转型 中世纪的艺术是基督教世界观的视觉体现。拜占庭艺术的马赛克以其对光线的运用和对超越性精神的描绘，确立了东正教的审美标准。而在西欧，从卡洛林王朝的复兴到罗马式（Romanesque）的厚重堡垒式教堂，再到哥特式（Gothic）对垂直升腾与光线（彩绘玻璃）的极致追求，艺术成为“无字之书”，教导不识字的民众信仰的真谛。我们分析了圣像破坏运动（Iconoclasm）对艺术进程的影响，以及修道院生活对艺术生产的塑造。 文艺复兴标志着艺术史上的一个决定性转折点。本书详尽论述了意大利文艺复兴的三个阶段——早期、盛期和晚期——如何重新发现古典的理性、和谐与透视法的科学性。从布鲁内莱斯基的建筑结构到达·芬奇对自然细节的精确观察，从米开朗基罗对人体雕塑的终极探索，到拉斐尔的圆融和谐，艺术不再仅仅是侍奉上帝的工具，而成为了艺术家个人天赋和知识的展现。佛兰德斯艺术家的油画技法革新，以及北方文艺复兴对个人精神世界的关注，也提供了与意大利不同的发展路径。 第三部分：冲突、炫耀与理性的光芒——巴洛克、洛可可与新古典主义 16世纪末至18世纪的艺术领域充满了强烈的对比与冲突。巴洛克艺术是对宗教改革的强力回应（反宗教改革），它通过戏剧性的光影对比（明暗对照法，如卡拉瓦乔）、夸张的动态和强烈的情感冲击力，旨在直接打动观众的心灵。我们探讨了贝尼尼在雕塑和建筑上的综合性成就，以及鲁本斯对生命力的颂扬。在西班牙、佛兰德斯和荷兰，巴洛克呈现出不同的面貌，尤其荷兰黄金时代的风俗画和肖像画，显示了资产阶级文化的兴起。 紧随其后的是洛可可艺术的轻盈与享乐主义，它以精致的装饰、柔和的色彩和对宫廷私密生活的描绘为特征。然而，随着启蒙运动的兴起，对古希腊罗马的理性、道德和公民美德的推崇催生了新古典主义。从雅克-路易·大卫的革命主题到安格尔的精确线条，新古典主义力图用古典的庄严来对抗巴洛克与洛可可的颓靡。 第四部分：情感的爆发与现代的开端——浪漫主义至印象派 19世纪是艺术领域剧烈动荡的世纪。浪漫主义是对新古典主义理性的反叛，它歌颂情感、想象力、对自然的敬畏（崇高感）以及对异域情调的迷恋。从戈雅的黑暗预言到德拉克洛瓦的色彩激情，再到透纳对光与气象的捕捉，浪漫主义将主观体验置于至高无上的地位。 工业革命和城市化带来了社会结构的深刻变化，这直接影响了艺术的题材与媒介。现实主义拒绝了浪漫主义的虚幻，转而关注当代普通民众的日常生活和工人阶级的困境。 本书将重点分析印象派的革命性突破。他们走出画室，将注意力完全转向瞬间的光影变化和色彩的科学分析。莫奈、雷诺阿等人的实践，如何彻底改变了我们观察世界的方式，并为后续所有现代艺术运动铺平了道路？我们同时探讨了后印象派（如塞尚对结构、梵高对情感表现、高更对符号的探索）如何从印象派的经验中提炼出更具个人化的、更具结构性的艺术语言。 第五部分：碎片化与重构——20世纪及以后的艺术图景 20世纪的艺术是爆炸性的，它彻底颠覆了数千年来的再现传统。野兽派对色彩的解放、表现主义对内心焦虑的嘶吼，以及立体主义对三维空间的解构，标志着对“真实”的重新定义。 我们详细考察了抽象艺术的诞生——从康定斯基的精神诉求到蒙德里安的几何秩序。两次世界大战对人类精神的冲击，催生了达达主义的荒谬与反艺术，以及超现实主义对潜意识梦境的挖掘。 二战后，艺术的中心转移到美国。抽象表现主义（行动绘画与色域绘画）将画布变成了一个行动场域。随后，对精英主义的反抗催生了波普艺术，它拥抱大众文化和商业符号，模糊了高雅艺术与日常物品的界限。 本书的收尾部分将聚焦于当代艺术的多元化趋势：极简主义对艺术本体的追问、观念艺术（Conceptual Art）对艺术品物质性的超越、大地艺术（Land Art）对场所的介入，以及行为艺术对身体与时间的利用。我们探讨了全球化、数字技术和身份政治如何继续塑造和挑战着“艺术”的定义，展望未来视觉表达可能走向的未知疆域。 通过对这些跨越数千年、横贯东西方的艺术现象的系统梳理，本书旨在向读者展示：艺术史并非是一条平顺的线性发展轨迹，而是一系列不断对话、反叛、继承和重构的复杂过程，它始终是人类思考自身、认知世界的最深刻体现。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我感到振奋的一点是，它对艺术史的边界进行了令人耳目一新的拓展。它没有固步自封于传统西方艺术史的主线，而是巧妙地引入了许多以往被边缘化的地区和文化视角，使得整个叙事框架更加丰满和具有全球视野。这种包容性的处理，提醒着读者艺术的创造力是跨越地理和文明的普遍现象。通过这些新的对照和参照，我对于“何为艺术”的定义也随之被挑战和深化了。它不仅仅是一部关于过去的记录，更像是一面映照我们当下文化困境与未来艺术可能性的镜子。每一次翻阅，都像是在进行一场关于人类创造力极限的深度对话。

评分☆☆☆☆☆

坦率地说，这本书的深度是令人敬畏的，但更难得的是，它在处理复杂概念时所展现出的克制与清晰。面对一些晦涩难懂的哲学思潮或前卫的艺术理论，作者总能找到恰当的比喻或清晰的逻辑链条来加以阐释，确保即便是初次接触相关概念的读者也不会感到迷失。这种平衡——既保持学术的严谨性，又不牺牲可读性——是极其考验作者功力的。书中对一些争议性艺术史观点的讨论，也处理得非常公允，呈现了多方观点，鼓励读者形成自己的独立判断，而不是盲目接受单一的权威解释。这种开放性的讨论态度，让整本书读起来充满活力，而非教条主义的灌输。

评分☆☆☆☆☆

这部著作的阅读体验简直是一场穿越时空的思想漫步。作者以其深厚的学识和敏锐的洞察力，构建了一个宏大而又细腻的艺术史图景。我尤其欣赏它在梳理不同时期艺术流派演变脉络时的那种抽丝剥茧的功力。它没有停留在对作品风格的简单罗列，而是深入挖掘了艺术思潮背后的社会文化动因，让人理解了为什么在特定的历史节点，艺术家们会选择特定的表达方式。那种将艺术史置于广阔的人类文明背景下去考察的视角，极大地拓宽了我的认知边界。读完后，我感觉自己对西方乃至世界艺术的发展脉络有了一种结构性的把握，不再是零散的知识点堆砌，而是一个相互关联、互相影响的有机整体。这种系统性的梳理，对于想要建立扎实艺术史知识体系的读者来说，无疑是极具价值的。

评分☆☆☆☆☆

初捧此书，我本以为会面对的是一本枯燥乏味的学术专著，然而，作者行文的流畅与激情却完全打破了我的预设。文笔犹如涓涓细流，时而激昂澎湃，时而低回婉转，紧紧抓住了读者的心神。特别是作者在描述那些标志性艺术事件或人物生平时，所展现出的那种旁征博引、信手拈来的能力，让人由衷佩服。他仿佛是我们的向导，带着我们穿梭于画廊和工作室之间，不仅让我们看到了作品的美，更让我们体会到了艺术家创作时的挣扎与狂喜。这种叙事性的力量，将原本冰冷的史实赋予了鲜活的生命力，使阅读过程充满了发现和惊喜。对于艺术爱好者而言，这本书与其说是教材，不如说是一部引人入胜的艺术传奇集锦。

评分☆☆☆☆☆

我必须强调这本书在对艺术“语境”的阐释上所下的苦功。许多艺术史书籍往往聚焦于“是什么”和“如何看”，但这本书更进一步探讨了“为什么会这样”。它详尽地剖析了赞助人制度、宗教改革、启蒙运动等重大历史转折点如何直接或间接地塑造了艺术的形态与功能。这种对艺术与时代关系的深入探讨，帮助我构建了一个多维度的理解框架。例如，通过分析某个特定时期宫廷艺术的奢华与民间艺术的朴素之间的张力，我得以窥见当时社会阶层固化的微妙体现。这种深层次的解读，使得艺术不再是孤立的美学对象，而是社会变迁的忠实记录者和批判者。对于希望进行批判性阅读的读者来说，这本书提供的工具箱是非常实用的。