正版新书--我要学漫画：服饰造型篇 C.C动漫社 中国青年出版社 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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C.C动漫社 著

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• 中国青年出版社
• 技艺
• 服装设计

店铺： 麦点文化图书专营店

出版社： 中国青年出版社

ISBN：9787515334912

商品编码：29986970380

包装：平装

出版时间：2015-12-01

基本信息

书名：我要学漫画：服饰造型篇

定价：25.0元

作者：C.C动漫社

出版社：中国青年出版社

出版日期：2015-12-01

ISBN：9787515334912

字数：

页码：

版次：1

装帧：平装

开本：16开

商品重量：0.4kg

编辑推荐

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内容提要

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服装是人们生活中不能缺少的重要元素，服装的作用大致可以分为抵御寒冷和美化人体两大类。但是在漫画中，服装的定义就没有那么死板了。根据不同的需要设计出不同的服装，不管是美化的还是丑化的或者是有特殊意义的，题材不受任何限制。因此，大家可以随心所欲地为漫画人物画出自己喜欢的服饰。
　　当然还有一点很重要，漫画虽然不是在做专业的服装设计，但是我们首先要了解，想要表现出好看的服装就要同时考虑到服装的形象美与服装在人体上穿着后的效果是否合适。所以，我们不仅仅只是学习服装设计知识，还要了解一些人体结构、人体与服装的关系等问题哟！
　　那怎样才能画得既随心所欲又不出错呢？
　　别急，下面我就来为大家介绍一下本书的具体内容。
　　本书章讲解怎样为人物选择适当的服饰，也就是通过人体头身比例、结构等具体问题来综合讲解人体与服饰的关系。第二章的内容就很重要了，讲解的是漫画服饰的基础画法。这一章节讲述的都是一些基础知识，也是画好服饰的步。学习后要掌握服装褶皱的种类、褶皱的实际应用以及褶皱的基本画法，之后还要掌握与服装搭配的各种饰品。第三章主要讲解四季服饰的特点。后一章是通过不同类型的服饰来讲解其画法与特点。
　　通过本书四章的内容安排，我们对服饰造型作了初步的讲解。希望大家看了之后能学习到一些有用的知识，提高自己的漫画水平。

 

目录

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作者介绍

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文摘

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序言

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《动漫角色设计：从零开始的视觉叙事》 作者： 知名插画师 零一 出版社： 幻梦文化 页数： 320页 开本： 16开 装帧： 精装，全彩印刷 --- 图书简介 在这本厚重的《动漫角色设计：从零开始的视觉叙事》中，我们深入探讨了如何将一个抽象的概念转化为一个令人难忘、富有生命力的动漫角色。本书不仅仅是一本关于“如何画”的技法书，更是一本关于“如何思考”和“如何表达”的角色构建哲学指南。它面向所有对动漫艺术充满热情，渴望突破现有瓶颈，并希望构建自己独特角色宇宙的创作者。 本书结构严谨，内容涵盖了角色设计从概念发想到最终成品的全过程，侧重于理论与实践的深度结合，旨在帮助读者建立扎实而全面的设计体系。 第一部分：角色的诞生——概念与世界观的构建 (约70页) 1.1 角色设计的核心：信息传达的艺术 本章首先界定了优秀角色设计的标准——即“一秒捕捉人心”。我们将分析角色设计中视觉语言的重要性，如线条的粗细、形状的倾向性（圆形、方形、三角形）如何无声地向观众传达角色的性格、职业和潜在能力。我们着重讲解如何运用“对比原则”和“视觉焦点”来引导读者的视线，确保角色在复杂的背景中依然清晰有力。 1.2 世界观先行：角色与环境的互动 角色并非孤立存在。本部分强调了世界观对角色设计的基础性影响。无论你的故事设定在赛博朋克的未来都市，还是架空的奇幻大陆，角色的服装、配饰乃至身体的形态都必须与其生存环境形成合理的逻辑链条。我们通过多个案例研究，剖析了环境压力（气候、社会阶层、科技水平）是如何塑造角色外观的。内容包含如何设计出具有“时代感”和“地域性”的视觉元素。 1.3 性格深度挖掘：内在驱动外在呈现 角色的“灵魂”才是吸引人的关键。本章引导读者跳出简单的“外貌协会”，深入挖掘角色的核心动机、创伤、恐惧与渴望。我们提供了一套结构化的“角色原型问卷”，帮助作者挖掘出角色的深层矛盾点。设计时，我们会探讨如何将这些内在特质，例如“压抑的愤怒”或“天生的乐观”，转化为具体的视觉符号（如特定的发型、伤疤的位置或服装的材质选择）。 第二部分：形态的塑造——人体结构与动态捕捉 (约100页) 2.1 动漫人体解构：比例的艺术化处理 本章摒弃了传统写实解剖的繁琐，转而聚焦于动漫风格中常用的“简化与夸张”技巧。我们详细拆解了不同画风（日系萌系、美式英雄、国漫写意）下的头部、躯干和四肢的黄金比例。重点讲解了如何根据角色定位（如娇小萝莉、高大骑士）调整“头身比”，并确保夸张后的比例依然符合视觉美学。 2.2 动作的瞬间：动态捕捉与力量感 一个好的姿势胜过千言万语。本部分深入讲解了“动作线”（Line of Action）的运用，这是赋予角色生命力的核心技巧。通过对经典动作（如奔跑、挥拳、持盾）的分解分析，我们展示了如何通过重心、透视和“S形/C形曲线”来构建充满张力的动态草图。此外，还探讨了如何利用角色的身体语言（如手势、肩膀的倾斜）来增强叙事性。 2.3 表情管理：情绪的爆发与克制 面部表情是角色情感最直接的出口。本章系统梳理了基础的七种情绪（喜、怒、哀、惧、惊、厌、蔑）在动漫风格下的具体表现。我们提供了大量的“面部特征模块库”，讲解如何通过眼部（瞳孔、高光、眼睑的开合度）和嘴部（嘴角、牙齿的露出程度）的细微变化，来精确表达复杂、微妙的情绪层次，避免“千人一面”。 第三部分：着装的语言——服装与道具的设计学 (约110页) 3.1 结构与功能：服装的逻辑性设计 服装是角色的“第二层皮肤”，必须服务于故事的功能。本章从功能性角度出发，详细解析了不同类型的服装（盔甲、制服、日常装、魔法袍）的构造原理。我们强调了“形式服从功能”的原则：例如，设计一个潜伏者时，其服装的材质、口袋的数量和配饰的选择都必须符合隐秘行动的需求。 3.2 材质的视觉表现：光影与肌理的模拟 如何让纸面上的布料看起来柔软，让金属看起来坚硬？本章是本书的亮点之一，专注于讲解“材质的绘制技巧”。我们分析了不同材质（皮革、丝绸、金属、粗麻布）对光线的反射特性。通过案例分析，详细演示了如何运用笔触的疏密、渐变的平滑度以及高光的锐利程度，来模拟出真实或幻想材质的视觉肌理感。 3.3 符号化道具：提升角色辨识度的关键 武器、工具、宠物乃至特殊的饰品，都是丰富角色内涵的载体。本部分指导读者如何设计具有“象征意义”的道具。例如，一把断裂的剑可能象征着角色的失败或牺牲。我们教授如何将角色的核心主题融入道具设计中，使其成为角色形象不可分割的一部分，并确保道具的比例和风格与主体角色完美协调。 第四部分：色彩的魔法——情绪渲染与视觉统一 (约40页) 4.1 色彩心理学在角色设计中的应用 色彩是影响观众情绪最快的元素。本章复习了基础的色相、明度、纯度理论，并将其应用于角色设计。我们详细列举了不同颜色组合所代表的常见心理暗示（如红色代表激情与危险，蓝色代表冷静与忧郁），并指导读者如何根据角色的主要性格选择“主色调”和“辅助色”。 4.2 统一性与辨识度：色板的构建 成功的角色设计往往拥有一个高度统一的色板。本章教授如何从世界观的基调中提取色彩，并构建一个和谐的“角色色板”（Color Palette）。重点讲解了如何运用“限制色彩”的策略，在保证视觉统一性的同时，通过少量的高对比度色彩（Accent Color）来突出关键信息点，如眼睛或魔法效果。 --- 结语：设计是不断的迭代与打磨 本书的最终目标是激发创作者的独立思考能力。在掌握了理论与技巧之后，最重要的是不断的实践、反思和修改。我们鼓励读者将书中所学融入到自己的项目实践中，持续探索并最终形成属于自己的、独一无二的动漫角色设计语言。这本书是你旅程中的坚实起点。

评分☆☆☆☆☆

我一直觉得，要想画出真正出彩的漫画人物，光有扎实的绘画功底是远远不够的，对角色的服饰造型有着敏锐的洞察力和设计能力同样至关重要。这本书在这方面给了我极大的启发。它不是那种泛泛而谈的理论书，而是充满了非常实用、可操作的技巧和方法。书中对不同材质的衣服如何表现出不同的质感，比如丝绸的垂坠感、毛料的蓬松感、皮革的硬挺感，都做了非常细致的讲解，并且提供了清晰的图例。我尤其喜欢书中关于“服装的层次感”的讲解，它教会我如何通过服装的搭配、叠加来增加画面的丰富度和立体感，避免了服装看起来“扁平”的问题。此外，书中还包含了大量的不同风格的服饰设计案例，从复古到现代，从写实到幻想，几乎涵盖了漫画创作中可能遇到的所有服装类型，并且都给出了详细的解析。我学会了如何根据角色的特点，设计出既符合情境又极具个性的服装。这本书就像一位经验丰富的服装设计师，时刻在我创作的道路上指引着方向，让我能够不断进步，创作出更具吸引力的漫画角色。

评分☆☆☆☆☆

这本书真是太棒了！作为一名资深的动漫爱好者，我一直对漫画中的人物形象塑造情有独钟，尤其是那些精心设计的服饰，它们不仅仅是角色的外在表现，更是赋予角色灵魂的关键。市面上关于漫画技法的书籍很多，但真正深入探讨服饰造型的却不常见。我之前尝试过一些教学视频和零散的图文资料，但总感觉不够系统，很多细节上的处理总是一知半解。直到我偶然发现了这本书，简直如获至宝！它从最基础的服饰结构、材质表现，到各种风格的服装设计，都进行了非常细致的讲解。我尤其喜欢书中关于不同时代、不同地域服饰风格的研究，以及如何将这些元素巧妙地融入到漫画创作中，形成独特的视觉语言。比如，对于古风服饰的褶皱处理，书中提供了多种方法，并且分析了不同表现方式带来的不同质感；对于现代街头风的服装，则强调了廓形、层次感和配饰的运用。我感觉这本书不仅仅是教授绘画技巧，更是在引导读者去理解服饰背后所承载的文化和美学，从而创作出更具深度和吸引力的漫画角色。我迫不及待地想将学到的知识应用到我的个人创作中，相信这会大大提升我作品的艺术水准！

评分☆☆☆☆☆

作为一个对漫画服饰风格变化一直很感兴趣的读者，我一直在寻找能够深入了解不同时代、不同文化背景下服饰特点，并将它们融入漫画创作的书籍。这本书在这方面做得非常出色！它没有仅仅停留在“画得像”的层面，而是深入探讨了服装的设计理念和文化内涵。例如，书中分析了不同历史时期的服饰演变，如古希纳的垂坠感长袍、中世纪的繁复盔甲，以及近代欧美的时尚变迁，并详细讲解了这些风格在漫画中如何表现，以及如何进行创新。我特别喜欢书中关于“服装的叙事性”的讨论，它让我明白，一件衣服不仅仅是装饰，更是角色个性和故事的载体。通过书中大量的实例，我学会了如何利用服装的色彩、廓形、纹理来暗示角色的性格、社会地位甚至情绪状态。比如，一件破旧但缝补精细的衣服，可能意味着角色的贫困但勤劳；一套华丽但款式老旧的服装，则可能暗示角色的身份尴尬或固步自封。这种对服装的深入理解，让我在创作时能够赋予角色更丰富的层次感和更具深度的故事性。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我一开始是被这本书的封面吸引的，那种色彩鲜艳、充满活力的画风，让人一看就心生向往。我是一个业余的漫画爱好者，平时喜欢在纸上涂涂画画，但总觉得自己的作品在人物造型，特别是服装方面，显得有些单薄和缺乏亮点。很多时候，我能够画出角色的基本轮廓，但要让他们的穿着打扮看起来有吸引力，就显得力不从心了。这本书的出现，恰好解决了我的这个痛点。它没有一上来就讲高深的理论，而是从最实用、最直观的角度出发，用大量的实例和清晰的步骤图，一步步地引导读者掌握服饰造型的要领。我特别欣赏书中关于“元素分解”和“风格融合”的章节，它教会我如何将不同类型的服装元素进行拆解和重组，创造出全新的、富有想象力的服饰。例如，书中讲解了如何将中式旗袍的盘扣、斜襟与日式和服的宽袖、腰带结合，设计出既有东方韵味又不失现代感的服装。这种开放性的设计思路，极大地激发了我的创作灵感。通过这本书的学习，我感觉自己不再只是“画衣服”，而是真正学会了“设计衣服”，并且能够根据角色的性格、故事背景来量身定制最适合他们的服装。

评分☆☆☆☆☆

我是一名对漫画创作充满热情但又有些基础薄弱的学习者，一直希望能找到一本能够系统指导我服装设计技法的书籍。在翻阅了市面上许多同类书籍后，我发现很多都过于理论化，或者只是简单地罗列一些服装样式，缺乏深入的解析和实操指导。然而，这本《我要学漫画：服饰造型篇》彻底改变了我的看法。它最大的特点在于其循序渐进的学习路径，从最基础的比例、结构讲起，然后逐步深入到不同材质的表现，例如丝绸的光泽感、棉麻的粗糙感，以及皮革的硬挺感，书中都提供了非常生动形象的范例和技巧。我印象最深刻的是关于“动态服装”的讲解，如何让衣物在角色运动时产生自然的褶皱和飘动效果，这对我一直以来作品中服装僵硬的问题有了突破性的改善。书中还包含了许多关于不同职业、不同身份角色的服装设计案例，从学生制服到职业套装，从奇幻世界的魔法袍到未来科技的装甲，几乎涵盖了所有常见的漫画类型。这些丰富的案例不仅开阔了我的视野，更教会了我如何根据角色的设定来设计出符合逻辑且富有视觉冲击力的服装。这本书就像一位耐心的老师，时刻在我需要的时候给予我最直接的帮助和指导。