正版中国歌剧音乐剧通史唱段精粹美声唱法卷教程 歌剧教材 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 安徽文艺出版社

ISBN：9787539647159

商品编码：29867577242

丛书名： 中国歌剧音乐剧通史 中国歌剧音乐剧唱段精粹美

开本：16开

出版时间：2014-01-01

目录 丛书总序
本书序言
歌剧《秋子》
创演概况
入选唱段
思乡
挽歌
歌剧《草原之歌》
创演概况
人选唱段
飞出苦难的牢笼
单等着阿布扎来到我身旁
歌剧《阿依古丽》
创演概况
入选唱段
辽阔的草原
歌剧《伤逝》
创演概况
入选唱段
不幸的人生
金色的秋光
歌剧《白蛇传》
创演概况
入选唱段
才给你爱
歌剧《原野》
创演概况
人选唱段
啊!我的虎子哥
现在已是夜深深
歌剧《马可·波罗》
创演概况
人选唱段
永别了!美好的人生
歌剧《孙武》
创演概况
人选唱段
丹心一片
歌剧《苍原》
创演概况
人选唱段
情歌
你是草原上美丽的太阳
……
歌剧《屈原》
音乐剧《中国蝴蝶》
歌剧《安重根》（汉城版）
歌剧《张骞》
歌剧《我心飞翔》
小剧场歌剧《再别康桥》
歌剧《雷雨》
歌剧《钓鱼城》

内容推荐 本丛书以近百年来我国歌剧音乐剧不同体裁和风格的数百部剧目为研究重心，对剧本和音乐创作、理论与思潮、表导演艺术和演出历史、专业院团历史沿革和体制机制改革的现状和问题等做了系统梳理、深入分析和全面总结，并精选其中剧目的精彩唱段和场面编入唱段精粹和场面精粹，由此构成《中国歌剧音乐剧通史》4部学术专著、1部咨询报告书、3本乐谱和3张光碟的宏大结构与规模。  

好的，这是一份关于一本聚焦于中国歌剧与音乐剧发展史中，精选美声唱法唱段的教材的详细简介，内容侧重于其未包含的领域，旨在提供一个清晰的对比视角。 --- 《中国戏曲声腔体系研究：从传统科层到现代转化的跨文化考察》 图书简介 本书《中国戏曲声腔体系研究：从传统科层到现代转化的跨文化考察》并非一本侧重于单一艺术形式——如歌剧或音乐剧——的唱法教程，而是旨在提供一个宏大且深入的学术视角，探讨中国传统戏曲（包括京剧、昆曲、越剧、川剧等）的声腔系统在历史长河中的演变、结构及其文化内涵。本书的核心目标是超越对特定唱段技巧的解析，转而关注声腔背后的理论框架、美学理念以及社会文化功能。 本书聚焦的独特领域与核心议题： 一、 传统戏曲声腔的科层结构与内化机制 本书深入剖析了中国传统戏曲中，如京剧的“板式结构”、昆曲的“水磨腔”等不同声腔体系的内在组织逻辑。我们不讨论具体的美声唱法如何应用于某一首特定唱段，而是着重于探讨： 1. 韵律与腔体的耦合关系： 分析不同地方剧种的板眼、节奏如何与舞台表演和角色情绪进行精确的耦合，形成独特的听觉符号系统。例如，如何通过对“二黄”或“西皮”等核心腔体的掌握，实现“一字千金”的艺术效果，这与西方美声唱法中对音高、音准的绝对追求有着本质的区别。 2. “以情带声”的哲学基础： 探讨戏曲声腔美学中，情感表达如何优先于纯粹的声学效果。内容包括传统戏曲中对“气口”、“擞音”、“翻高腔”等技巧的哲学理解，这些技巧往往是内化于表演者的身体记忆和文化语境之中，而非通过标准化的声乐技术手册传授。 3. 口传心授的传承模式： 详细描述了传统戏曲行当中，师徒之间如何通过口传心授的方式，将声腔技巧和舞台经验代代相传。本书收录了对多位老一辈艺术家的访谈记录，揭示了这种非标准化教学体系的复杂性与有效性。 二、 中国戏曲声腔的跨文化互动与理论构建 本书的另一个重要维度，是考察中国传统戏曲声腔在近代以来与西方声乐理论的碰撞、吸收与再创造过程，但其视角并非聚焦于“融合”的成果（如现代歌剧或音乐剧），而是侧重于“互动”的理论构建： 1. 西方声乐理论的本土化误读与重构： 考察二十世纪初，当西方声乐教学法（如发声器官训练、共鸣腔的物理分析）首次被引入中国时，它们是如何被传统戏曲教育家们选择性地接纳或拒绝的。内容包括对早期声乐教育文本中，对“气息支撑”、“头腔共鸣”等概念的本土化诠释偏差的学术分析。 2. 音高系统与五声音阶的张力： 深入对比了西方十二平均律体系与中国传统戏曲中更具弹性和装饰性的音高概念（如“小二度”、“滑音”）。本书通过乐理分析，论证了传统戏曲对音高精确度的处理方式如何服务于戏剧目的，而非纯粹的音乐结构需求。 3. 音乐性与戏剧性的辩证关系： 区分了戏曲声腔中“唱”与“做”、“念”的不可分割性。本书认为，戏曲的“唱”是高度综合的艺术行为，其美学价值不能仅以“美声”的标准来衡量，因为每一个“腔”的价值都嵌入了特定的动作、手势和舞台调度之中。 三、 地方戏曲声腔的非主流变体研究 本书致力于挖掘被主流学术界忽视的、具有高度地域性和独特性的声腔形式： 1. “叫”、“喊”的艺术： 专门设立章节探讨了秦腔、碗碗腔等西北剧种中，对高强度、爆发性“叫”的运用，分析其生理基础、心理投射以及在田园祭祀或民间仪式中的原始功能。 2. 叙事性唱腔的语言学分析： 以闽南语系的地方戏（如歌仔戏）为例，分析其独特的“气音”和“气韵”，如何服务于快速、密集的叙事功能，以及这与需要长时间保持稳定气息的抒情性美声唱法形成了怎样的对比。 总结 《中国戏曲声腔体系研究：从传统科层到现代转化的跨文化考察》是一部面向戏曲学者、民族音乐学家以及对中国传统文化有深度兴趣的读者的专著。它拒绝将中国传统声腔简化为“民族歌剧”的预备阶段，而是将其视为一个独立、完整且极富生命力的艺术系统进行严谨的学术梳理。本书的价值在于，它提供了理解中国本土声乐美学的钥匙，而非一套通用的、适用于所有中外唱法的技术指南。读者将从中获得对中国艺术声音世界更深层次的认知，领略其超越单一“美声”范畴的博大精深。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计非常大气，那种深沉的宝石蓝色调配上烫金的标题，立刻就给人一种权威感和厚重感。我特别喜欢它在版式上的处理，那种对细节的考究，能感觉到编者在排版上花了不少心思。拿到手后，我首先关注的是纸张的质量，触感是那种略带哑光感的，印刷色彩饱满，即便是早期歌剧的剧照或是乐谱示例，都能清晰地呈现出细节，这对于我们这些需要长时间阅读和参考的专业书籍来说，至关重要。装帧结实，翻阅起来非常顺手，不会有那种新书特有的僵硬感。而且，装帧的工艺处理得很精良，侧边书脊的部分也很平整，体现了出版社对这套“通史”系列应有的水准。我个人认为，光从物理形态上来看，这本书就值回票价了，它绝对称得上是书架上的一件艺术品，让人忍不住想时常拿出来把玩，感受那种对经典艺术的敬畏之心。它散发出来的那种沉静而坚实的气质，让我对后续内容的期待值又提高了一个层次。

评分☆☆☆☆☆

关于这本书的实用性，我想特别强调一下它在教学资源整合上的独到之处。很多同类教材往往只停留在乐谱和文字描述层面，但这本书似乎做了更深层次的拓展。我注意到它在某些关键的转调或高难度处理上，似乎暗示或提供了某种辅助性的参考路径，虽然没有直接附带音频，但那种文字引导的指向性非常明确，能引导读者去寻找正确的示范，从而避免了初学者在理解复杂情感表达时走弯路。这种“授人以渔”的理念贯穿始终，体现了作者对教育目标的深刻理解。它不仅仅是知识的传递，更是一种方法的论证，教会我们如何科学、系统地去分析和掌握这些伟大的艺术作品，而不是盲目模仿。对于想要建立自己演唱体系的进阶学习者来说，这种深层次的思维训练是无价的。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我的整体感受是，它具有一种令人信服的“时代感”与“跨越性”。它既是对中国歌剧和音乐剧发展历程的忠实记录，又在某些章节流露出对未来发展方向的审慎思考，绝非一份简单的历史回顾。特别是对于那些研究本土化声乐风格的学者而言，这本书无疑提供了一个极具价值的参照系。它没有回避不同历史阶段的争议和探索，反而将其作为艺术发展中不可或缺的一部分来呈现，这种坦诚的态度非常难得。读完之后，我感觉自己对“中国声乐美声唱法”的理解不再是碎片化的，而是有了一个完整、有机的知识框架。它成功地将艺术史的厚重与舞台实践的鲜活完美地结合在了一起，是一部值得反复研读，并期待未来能有后续进阶篇章的优秀作品。

评分☆☆☆☆☆

这本书的阅读体验是充满惊喜的，因为它似乎一直在努力打破传统教材的刻板印象。我发现其中穿插了一些极为珍贵的历史资料图片，有些是我在其他更专业的文献中都未曾见过的幕后花絮或是早期舞台布景的描摹。这些视觉元素不仅极大地丰富了阅读的趣味性，更重要的是，它们为文字描述提供了强有力的历史语境支撑，让人在学习唱段的同时，仿佛能“穿越”回那个时代，去感受原汁原味的艺术氛围。这种多维度的信息呈现，使得学习过程不再枯燥乏味，反而变成了一种沉浸式的探索。作者在叙事上非常擅长营造一种娓娓道来的氛围，既有学者的严谨，又不失故事家的魅力，让人欲罢不能，恨不得一口气读完，再回过头来反复品味那些精彩的细节。

评分☆☆☆☆☆

作为一名严肃的声乐学习者，我最看重的是内容的严谨性和逻辑的清晰度。初翻这本书的目录和章节划分，我立刻感受到了一种宏大的结构感。它不是简单地罗列唱段，而是似乎在构建一条清晰的时间脉络，从早期的里程碑作品一直梳理到近现代的创新实践。更让我眼前一亮的是，它没有止步于对已有名作的重复介绍，而是巧妙地引入了一些学术研究的前沿视角，比如对特定历史时期审美变迁的分析，或者对不同学派演唱技法差异的深度探讨。这种由表及里的分析方式，远超出了普通“精选唱段集”的范畴，更像是一部带有实用指导性质的学术专著。我尤其欣赏作者在介绍某些复杂技巧时所采用的类比手法，非常形象，能够帮助处于瓶颈期的学习者找到突破口。这种编排既满足了理论深究的需求，也兼顾了实践操作的指导性，展现了极高的专业素养。