正版 流行歌曲创作实用教程 房晓敏 上海音乐学院出版社 歌曲创作教程教材书 作曲书籍 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

图书标签:

• 流行歌曲创作
• 歌曲创作
• 作曲
• 音乐教材
• 房晓敏
• 上海音乐学院出版社
• 音乐教学
• 创作教程
• 流行音乐
• 音乐书籍

店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787806924488

商品编码：29867162885

丛书名： 流行歌曲 创作实用教程

巨牛图书专营店

音乐理论与实践深度探索：一部现代作曲技法的全景式教程 本书旨在为有志于深入学习和实践现代音乐创作的读者提供一套系统、全面且极具前瞻性的理论框架与实用指导。它将带领学习者穿越传统和声的边界，探索二十世纪以来的音乐语汇的丰富性和多样性，最终构建起一套属于自己的、符合时代精神的创作方法论。 --- 第一部分：音乐的结构与逻辑——从音高组织到宏大叙事 本部分将聚焦于音乐作品的骨架搭建，探讨如何有效地组织音高、节奏和织体，以构建具有内在逻辑和情感张力的音乐结构。 第一章：超越传统调性的音高组织策略 传统的调性体系（如大小调）虽然仍是音乐表达的重要工具，但现代作曲家需要掌握更广阔的音高材料组织方式。本章将深入探讨： 十二音体系的严谨性与灵活性： 分析勋伯格、贝尔格等作曲家如何运用音列（Tone Row）进行创作，重点讲解音列的各种变换形式（逆行、倒影、逆行倒影）及其在音乐动机发展中的实际应用。讨论如何使十二音作品摆脱僵硬的数学感，注入人性化的音乐表达。 非调性（Atonality）的界限与自由： 区分无调性与十二音技法，探讨如何通过控制音高集合（Pitch Set Theory，如Allen Forte的理论基础）来构建具有内在统一性的非调性音乐段落。我们将分析如何通过集合的对称性、包含关系来形成听觉上的连贯性，而非随机的音符堆砌。 集合与模态思维的融合： 介绍如何借鉴民族音乐和中世纪音乐中的“调式”（Modes）概念，结合现代音高集合理论，创造出具有独特色彩的新调式或音高模态。重点案例分析将涵盖德彪西晚期作品及一些当代极简主义音乐中模态的巧妙运用。 第二章：节奏的维度拓展与时间感重塑 节奏不再仅仅是节拍和速度的简单组合，现代音乐对时间流逝的感知有着更复杂的处理方式。 复节奏与多重节拍（Polyrhythms and Polymeter）： 详细解析如何在同一时间段内叠加不同的节拍结构，以及如何通过改变小节划分来制造听觉上的“不稳固感”或“向前推进感”。这部分将辅以大量打击乐谱例，展示复杂节奏的记谱法和演奏技巧。 非周期性节奏与自由时间： 探讨如何使用非整数比例（如3:2、5:4）的细分来打破规则的周期性，以及引入“自由时间”（Tempo Rubato的极端化）的概念。我们将研究如何通过记号指示演奏者对节奏的即兴处理，以增强音乐的呼吸感和生命力。 时间块与延展性： 介绍如“时间块”（Time-blocking）等概念，即不是基于传统的小节进行组织，而是基于音响的密度、持续时间和织体变化来划分音乐段落，从而构建出宏大、停滞或极速的时间体验。 第三章：织体、音色与空间感的构建 音乐织体是声音的“皮肤”和“骨架”。本章将深入探讨如何运用丰富的织体手法来塑造音乐的深度、广度和质感。 密度与层次控制： 详细解析对位法（Counterpoint）在现代语境下的应用，不再局限于巴赫式的严格对位，而是探讨如何运用自由对位、集群对位（Cluster Counterpoint）来构建密不透风的音响墙，或是稀疏、透明的线条。 音色作为核心要素： 讨论音色（Timbre）如何从伴随旋律的元素转变为作品的主导驱动力。我们将介绍配器法中对乐器特殊技巧（如泛音、噪音、超吹、拨弦等）的精确运用，以及如何利用电子合成或声音处理技术来创造前所未有的音响色彩。 空间化与声场设计： 针对室内乐、管弦乐队乃至电子音乐，本章将指导读者如何利用乐器在舞台上的布局、演奏技巧的差异性，以及残响（Reverb）的运用，在听众心中构建出明确的三维声场，使音乐“可触摸”且具有空间感。 --- 第二部分：现代创作技法的多元探索与实战运用 这一部分将聚焦于当前音乐创作领域最活跃的几个方向，提供理论指导和案例分析，帮助学习者将理论转化为具体的创作实践。 第四章：极简主义的内省与递进逻辑 极简主义音乐（Minimalism）以其重复、微小变化和过程导向的特点，深刻影响了当代音乐。 过程音乐的生成原理： 剖析莱利的“相位差”（Phasing）技术，以及史蒂夫·赖克的“渐进性变化”逻辑。学习如何通过极其细微的节奏或音高偏移，来制造出听觉上缓慢而不可逆转的演变过程。 循环与叠加： 探讨如何构建稳定、冥想性的音乐循环（Loop），并通过层次的不断叠加（Addition）或减弱（Subtraction）来控制作品的能量流动，这在电影配乐和装置艺术音乐中尤为重要。 调性与非调性的交汇点： 分析部分极简主义作品如何巧妙地在清晰的调性中心和开放的模态音高之间游走，创造出既有根基感又充满空间感的独特音响。 第五章：电子音乐与声音设计的融合 在数字音频工作站（DAW）普及的时代，作曲家必须掌握声音合成与处理的知识。 合成器基础与波表技术： 介绍模拟合成、减法合成、加法合成及频率调制（FM）的基本原理，重点讲解如何根据音乐需求，设计出具有特定“性格”的音色。 采样与声音景观构建： 学习如何高效地运用采样技术，不仅仅是播放预先录制的声音，而是如何通过拉伸、变调、逆放等技术，将自然界或工业环境中的声音“去语境化”，转化为纯粹的音乐材料。 实时处理与交互性： 探讨音乐的“即时性”——如何利用效果器链和MIDI控制器在现场演奏中实时改变声音的参数，为音乐作品增添不可预测性和动态的生命力。 第六章：音乐叙事与情感的非线性表达 如何在一首现代作品中讲述故事或传达强烈的情感，而不依赖传统的曲式结构？ 动机的碎片化与重组： 学习如何将一个核心音乐动机（Motive）进行极端分解、扭曲、色彩化处理，然后在作品的不同阶段以全新的面貌重新呈现，以此来引导听众的情感轨迹。 戏剧性张力的塑造： 分析如何运用配器突然的静默、极端的动态对比（如从ppp到fff的瞬间切换），以及不和谐音的堆积与解决（或不解决），来制造出强烈的戏剧冲突感。 观众的参与与感知设计： 探讨当代音乐对听众主动参与性的要求。这包括如何设计作品中的不确定性元素，引导听众的注意力在不同的声部、音色或空间位置之间进行切换，从而完成一次完整的、个人化的“聆听体验”。 --- 本书的最终目标是激发学习者对声音的无限好奇心，提供坚实的理论工具，并鼓励他们勇敢地打破既有限制，探索属于自己的、富有时代烙印的音乐语言。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计得非常醒目，色彩搭配很和谐，让人一看就知道这是一本关于音乐创作的专业书籍。内页的纸质也挺不错的，印刷清晰，字体大小适中，阅读起来非常舒服。我刚拿到手的时候，就被那种严谨又不失活泼的排版吸引了。作者的语言风格很亲切，不像那种枯燥的教科书，读起来很有代入感，感觉就像是有一位经验丰富的老师在手把手地教你一样。这本书的目录结构也很清晰，从最基础的和声学知识到复杂的曲式分析，循序渐进，非常适合零基础的初学者入门。我特别欣赏书中穿插的一些实际案例分析，这些案例都是当下非常流行的歌曲，作者会把这些歌曲的创作过程拆解得非常细致，让你明白为什么这个旋律会这么抓耳，为什么这个和弦进行会带来这种情绪。对于想要快速上手实践的读者来说，这本书简直是宝藏。我试着按照书中的练习去做了一些简单的旋律创作，效果立竿见影，感觉自己的创作思路一下子打开了，不再是东拼西凑的感觉，而是有章可循了。这本书不仅讲理论，更注重实践，这点非常难得。

评分☆☆☆☆☆

这本书的实用性绝对是超乎我的预期的。我本来以为这只是本理论书，没想到里面竟然包含了大量的实操技巧和“秘籍”。比如，书中有一个章节专门讲如何利用色彩和声来提升歌曲的情感张力，作者列举了好几种非常实用的和弦替换方案，并且配有清晰的五线谱示例。我立刻去尝试了一下，效果惊人，原本平淡的副歌部分立刻变得大气磅礴起来。对于那些经常在歌曲高潮部分“卡壳”的创作者来说，这本书绝对能提供及时的灵感和技术支持。作者在讲解技巧时，非常注重“语境化”，他会告诉你，这个技巧在什么情绪下使用效果最好，而不是孤立地讲解。还有一个让我印象深刻的地方是，书中提到如何处理歌词与旋律的契合度，这个细节在很多教材中往往被忽略。这本书的讲解非常到位，让我明白了为什么有些歌词听起来很“拗口”，而有些则行云流水。总而言之，这本书是一本真正意义上能让你“带着它去创作”的书，而不是“读完它就束之高阁”的书。

评分☆☆☆☆☆

我花了很长时间才找到一本能够平衡“艺术性”和“技术性”的音乐创作书籍。很多书要么过于偏重学院派的和声结构分析，让人觉得创作像是在解数学题；要么就是过于追求“速成”，教一些肤浅的技巧，结果作品听起来千篇一律。这本书的厉害之处在于，它巧妙地将创作的“科学”与“艺术”结合起来了。作者对音乐史和当代音乐趋势有着深刻的理解，在讲解具体技法时，总能将其置于一个更宏大的背景下去考察。例如，在分析节奏型时，它不仅教你如何构建节奏，还让你思考这个节奏型是如何与特定文化背景下的人们的听觉习惯产生共鸣的。这种深度的剖析让我对“好听”背后的逻辑有了更深层次的认识。书中的语言风格非常老练，句式结构多变，时而严肃严谨，时而幽默风趣，读起来一点也不觉得累。我已经把这本书当作我的工具书了，时不时翻阅其中的章节，每次都能找到新的启发点。对于希望从“会写歌”提升到“有自己风格”的创作者来说，这本书的引导作用是巨大的。

评分☆☆☆☆☆

我是一名在校的音乐系学生，接触过不少作曲相关的教材，但说实话，大部分都偏学术化，读起来非常晦涩难懂，很多概念需要反复查阅其他资料才能理解。直到我遇到了这本书，简直是如获至宝。这本书的逻辑性非常强，它没有一开始就抛出复杂的理论，而是从最基础的“动机”和“乐思”的培养开始讲起，这点做得特别好。作者非常注重培养创作者的“耳朵”和“思维”，而不是单纯地教你套公式。我特别喜欢书中关于旋律线条构建的章节，它用非常形象的比喻来解释如何让旋律更有生命力，比如把旋律比作一个人说话的语气和节奏，一下子就明白了其中的微妙之处。此外，书中对于不同音乐风格的创作特点也有涉及，虽然篇幅不长，但点到了很多关键性的区别，让我对流行音乐的多元化有了更深的认识。这本书的排版上，留白很多，显得很清爽，方便我在阅读时随时做笔记，这是很多传统教材做不到的。对我来说，这本书更像是一位导师，时刻在旁边提醒我，创作的本质是表达，技术是手段。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计虽然朴实，但内容却极其扎实，简直是满满的干货。我最欣赏的一点是，作者在教授基本功的同时，非常强调“个人风格的建立”。他花了专门的篇幅来探讨如何从模仿走向超越，如何提炼自己最擅长的音乐元素并形成标记。这对于目前市场上同质化严重的音乐创作环境来说，无疑是一剂清醒剂。书中对于“情感张力”的把控有非常独到的见解，比如如何通过音区、速度和配器的细微变化来营造情绪的递进，这些都是需要长期积累才能领悟的经验，现在作者用清晰的文字和图表把它总结出来了，大大缩短了学习曲线。我尤其喜欢书后附带的一些“创作练习清单”，这些清单非常具有启发性，能够迅速激活我的创作潜能。而且，这本书的用词非常精准，无论是技术术语还是艺术描述，都恰到好处，没有一句废话。对于一个自学成才的音乐人来说，这本书就像是一个无声的、高水平的“陪练”，它不仅教会我怎么写，更教会我为什么要这么写。