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中国美术馆 著

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• 艺术史
• 文化

店铺： 广影图书专营店

出版社： 人民教育出版社

ISBN：9787107209307

商品编码：29728388930

包装：精装

出版时间：2008-03-01

基本信息

书名：中国美术馆藏:赵延年(捐赠作品集)

定价：360.00元

作者：中国美术馆

出版社：人民教育出版社

出版日期：2008-03-01

ISBN：9787107209307

字数：

页码：

版次：1

装帧：精装

开本：8开

商品重量：2.361kg

编辑推荐

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内容提要

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赵先生的作品，源于人民大众火热的斗争生活，有感于时代表现时代，有感于生活而表现生活，这是他的信念，良知与使命所至，也是他努力遵循鲁迅先生关于木刻创作是“作者和社会大众的内心一致的要求”教诲的具体实践。

目录

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前言
图片目录
图版
赵延年年表
后记

作者介绍

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文摘

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序言

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中国美术馆藏：二十世纪中国绘画的时代脉络与艺术群像 本书聚焦于中国美术馆馆藏中，二十世纪中国绘画领域的重要作品与艺术家的创作历程。它并非一部单一艺术家的作品选集，而是旨在勾勒出二十世纪中国社会变革背景下，中国画在继承与创新中走过的复杂而精彩的道路。 本书将视角投向了那个风云激荡的百年，那个传统与现代思潮激烈碰撞，艺术观念不断重塑的时代。中国美术馆作为国家级的艺术殿堂，其馆藏是中国近现代艺术发展最集中、最权威的见证。本书的筛选标准，立足于艺术史的宏大叙事，力求展现不同流派、不同地域、不同教育背景的画家们如何应对时代的要求，如何将自身的艺术追求融入民族复兴的宏大主题之中。 全书分为六个主要部分，每一部分都对应着二十世纪中国画发展中的一个关键阶段或一种核心思潮： --- 第一部分：学院规范与早期探索（约1900-1930年代） 这一时期是中国画在“中西融合”的初始阶段。清末民初的教育体系转型，使得传统文人画教育受到冲击，而西方的素描、解剖学等写实方法开始被引入国画领域。 重点关注的艺术群体与现象： “折衷主义”的尝试： 探讨以吴昌硕、齐白石为代表的老一辈画家如何在坚守笔墨传统的同时，吸收民间艺术和写意精神，开创“写意革新”之路。 早期学院派的奠基者： 详细分析由蔡元培倡导的教育改革下，第一批接受现代美术教育的画家，他们如何尝试将西方写生技法融入中国画的线条和造型中，催生出“学院派”的早期形态。这批作品往往展现出扎实的基本功和对中国传统“格物致知”精神的现代性回归。 水彩与水墨的边缘地带： 分析一些画家在探索油画、水彩之余，对水墨材料进行试验性的运用，为后来的“新水墨”埋下伏笔。馆藏中不乏此时期画家对传统山水、花鸟题材进行形体简化和色彩提炼的精品，体现了早期对“现代感”的初步感知。 第二部分：抗战时期的现实主义与时代精神（约1930-1945年） 战争的阴霾深刻地影响了艺术家的创作方向。艺术不再是纯粹的文人雅好，而是被赋予了强烈的社会责任感和民族使命感。 重点关注的艺术群体与现象： 主题性绘画的兴起： 馆藏中关于抗日题材、民众疾苦描绘的作品成为这一时期的重要组成部分。这些作品在构图上吸收了月份牌、宣传画的直观性，但在笔墨上仍试图保持中国画的韵味。 速写与写生的强化： 战地写生成为一种重要的创作方式。本书将分析画家如何将速写瞬间捕捉的动态和结构感，转化为具有史诗气质的中国画作品，打破了传统中国画“不离书房”的局限。 西南联大的艺术传承： 重点展示这一时期坚守在艰苦环境下的艺术教育者和他们的学生，如何通过诗意的笔触，记录时代的苦难与不屈，维护了中国传统艺术的薪火不灭。 第三部分：新中国建立与“为工农兵服务”（约1949-1966年） 新政权的建立带来了艺术创作指导思想的重大转变：艺术必须为政治服务，为人民服务。这催生了中国画史上的又一次大规模的创作转型。 重点关注的艺术群体与现象： “社会主义现实主义”在国画中的体现： 分析画家们如何将宏大的政治叙事（如建设、劳动、英雄模范）融入传统山水、人物画中。这一时期的山水画往往气势磅礴，色彩鲜明，强调“高大全”的审美取向。 人物画的革命性发展： 重点研究人物画如何从传统仕女、历史故事转向描绘工厂工人、农民和解放军战士。许多画家为了准确表现劳动者的形象，深入工厂和农村进行长期写生，极大地拓展了人物画的表现范围和生活气息。 “民族化”的探索与争论： 探讨当时对“怎样画中国画”的深入讨论。这涉及对笔墨的继承（是否要保留文人画的某些“小资”趣味）与题材的革新之间的平衡。馆藏精品展示了画家们在工笔重彩、白描等技法上的精湛回归。 第四部分：文革时期的艺术生态与变异（约1966-1976年） 这是一个特殊的历史时期，传统艺术形态受到了前所未有的冲击。本书将客观梳理这一时期馆藏中具有代表性的作品，展现艺术在特定意识形态下的生存状态与表达方式。 重点关注的艺术群体与现象： 样板戏与“高产”画家： 分析在严格的创作限制下，部分画家如何通过对样板戏人物的描绘，在传统戏曲人物画的基础上发展出一种程式化、高度符号化的“英雄形象”。 “改造”传统： 探讨在特定语境下，一些山水、花鸟画家如何通过对传统题材的“革命性解读”，使其符合当时的政治要求。例如，将高山描绘成坚不可摧的革命堡垒。 地下与沉默： 间接通过对比馆藏中被“封存”或风格相对保守的作品，侧面反映出艺术家的自我保护与对纯粹艺术探索的暂时搁置。 第五部分：改革开放初期的复苏与多元回归（约1978-1990年代初） 随着改革开放，艺术界迎来了思想解放的春天。艺术家们迫不及待地回归学术本位，重新审视传统与现代，并开始吸收国际艺术信息。 重点关注的艺术群体与现象： “重拾笔墨”的激情： 分析画家们如何重新发掘宋元以来的笔墨精髓，特别是对“意境”和“笔法”的回归。这一时期的山水画呈现出对传统意境的重新浪漫化表达。 “新文人画”的萌芽： 探讨一批受“八五新潮”影响的画家，如何在借鉴西方现代艺术的抽象观念后，将其融入中国画的写意传统中，追求一种更富个人性、更少叙事性的笔墨语言。 工笔重彩的复兴： 这一时期，工笔画在色彩运用和装饰性上吸收了西方的色彩理论，使得人物画和花鸟画焕发出前所未有的视觉张力。馆藏精品体现了对“精细”美学的重新肯定。 第六部分：面向世纪之交的跨界与融合（约1990年代中后期至今） 进入新世纪，中国画的边界被进一步拓宽。艺术家们更加自信于自身的文化根基，敢于进行更大胆的实验。 重点关注的艺术群体与现象： 水墨的观念化： 分析水墨材料如何被用于探索抽象结构、空间关系乃至更偏向于装置和行为艺术的观念表达。笔墨不再仅仅是描绘对象的工具，它本身成为了作品的主题。 传统题材的当代性： 研究经典题材（如仕女、古寺、文人雅士）如何在当代语境下被重新诠释，它们不再是历史的简单复制，而是艺术家对当下社会疏离感或文化焦虑的回应。 新材料的介入： 探讨当代画家如何将传统宣纸与现代材料（如丙烯、纤维、拼贴等）结合，拓展了中国画在展陈效果和触感上的可能性。 总结： 本书通过梳理中国美术馆的珍贵馆藏，构建了一个二十世纪中国画的“立体时间轴”。它不仅展示了艺术成就的巅峰，更深入剖析了不同历史阶段艺术家的精神困境与创造动力。阅读这些作品，我们得以清晰地看到，中国画如何在一个动荡而又充满活力的时代，完成了从传统技艺到现代艺术语言的艰难而辉煌的转型。这部选集，是理解当代中国艺术精神图谱不可或缺的钥匙。

评分☆☆☆☆☆

阅读这本书的过程，就像是在经历一场心灵的洗礼。它所呈现的画面，不仅仅是视觉的享受，更是对生命本质的深刻叩问。我常常在深夜独自翻阅，那些静默的画面在幽暗的光线下，会流露出一种特别的震撼力，仿佛直抵人心最柔软的地方。画册中某些作品的构图，大胆而又充满张力，在看似杂乱无章的笔触中，却蕴藏着一种内在的秩序和逻辑，令人回味无穷。它鼓励我用更开放的视角去审视周围的世界，去发现那些被忽略的美好，去理解那些难以言说的情感。每一次的阅读，都像是一次与自我的对话，一次对内心世界的探索。这本书给我带来的，不仅仅是艺术上的启发，更是精神层面的成长和慰藉，它让我更加理解生命的厚重与脆弱，以及艺术所能给予我们的力量。

评分☆☆☆☆☆

这是一次关于“观看”的深度体验。画册的编排逻辑仿佛一场精心策划的观展流程，从宏观的山河壮丽，到微观的草木虫鱼，再到人物情感的细腻描绘，层层递进，引导读者一步步走进艺术家的内心世界。我尤其喜欢它在作品之外所提供的那些留白，那些看似无关紧要的空间，却巧妙地呼应着画作的情感张力，给予了观者极大的想象余地。有时候，我会特意停留在某一页，让自己的思绪随着那片空白自由驰骋，去感受艺术家的笔触下未曾言说的故事。这种“少即是多”的哲学在画册中得到了完美的诠释，它不强迫你接受任何既定的解读，而是邀请你参与到一场关于美的对话之中。每次翻动，都能从中发现新的惊喜，仿佛在同一个熟悉的风景里，看到了不同的光影和色彩。这种沉浸式的阅读体验，是我在其他许多艺术画册中鲜少获得的。

评分☆☆☆☆☆

收到！以下是五段以读者口吻撰写的、风格和内容差异巨大的图书评价，每段约300字，均不包含《中国美术馆藏:赵延年(捐赠作品集)》的具体内容： 这部画册的装帧设计着实令人眼前一亮，从选纸的质感，到封面那低调却极富艺术感的烫金工艺，无不透露着一种沉甸甸的文化底蕴。打开扉页，扑面而来的是一种静谧而又充满力量的氛围，仿佛置身于一个与世隔绝的艺术殿堂。设计师在排版上颇为用心，留白的处理恰到好处，让每一幅作品都能得到充分的呼吸与展示空间，不会因为密集而显得压抑。封底的文字也同样考究，简练的介绍却勾勒出了作品的宏大格局和艺术家的不懈追求，引人遐想。更值得称道的是，画册的整体色彩还原度极高，印刷精良，细节之处纤毫毕现，这对于一本美术类画册而言，无疑是至关重要的。每次翻阅，都能从中汲取到一种纯粹的美感，一种对艺术的敬畏之心油然而生。它不仅仅是一本画册，更像是一件精心打磨的艺术品，值得反复品味和珍藏。

评分☆☆☆☆☆

这本画册的整体格调，散发出一种深沉而又内敛的东方美学气质。它的色彩运用，不是那种张扬外露的鲜艳，而是如同水墨晕染开来的淡雅，却又在不经意间流露出深邃的意境。每一笔、每一划，都仿佛蕴含着千年的文化积淀，带着一种洗尽铅华的从容。即使是对艺术不太了解的读者，也能从中感受到一种宁静致远的力量。画册中对于自然景物的描绘，充满了生命的律动，无论是高山流水，还是幽静竹林，都仿佛跃然纸上，让人心生向往。这种对自然的敬畏与热爱，透过画册的每一个细节得以传递。它不仅仅展示了艺术家的技艺，更展现了一种对生活、对世界的独特哲学观。这种含蓄而深刻的美，如同温润的玉石，越品越有味道，越赏越觉其珍贵。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧仿佛一位严谨的学者，每一个细节都经过深思熟虑，不容丝毫的马虎。从封面的材质选择，到内页的印刷工艺，再到文字的编排布局，都呈现出一种近乎苛刻的专业性。我尤其欣赏它在细节处理上的极致追求，例如那些微妙的色彩过渡，那些精细的纹理展现，都经过了反复的打磨与校准，力求达到最佳的视觉效果。这种对品质的坚守，体现在画册的每一个角落，让人不禁肃然起敬。它不仅仅是一本作品的集结，更是一次艺术的呈现，一次学术的探讨。它用一种沉静而有力的方式，向我们展示了一个艺术家的创作历程，以及他对艺术的执着追求。这种严谨的态度，赋予了整本画册一种庄重而又不失灵动的气质，使其成为了一件值得深入研究和欣赏的艺术文献。