钢琴教学法 修订版 应诗真著钢琴教师教学用书理论教材 人民音乐出版社 pdf epub mobi txt 电子书 下载 在线阅读 2026

内容简介

《钢琴教学法（修订版）》作者增加了诸如论述风格等重要问题的若干章节，使本书内容更加充实和全面，相信对广大钢琴莘莘学子将有更大的指导意义。
《钢琴教学法（修订版）》的出版“必将有助于我们提高钢琴专业教学的质量。同时，对于普及钢琴业余教学也是同样适用的”。  

目录

序言
修订版序言
修订版前言

章 钢琴教学与钢琴教师
为人师表
严师良友
严肃求实的治学精神
培养学生的学习自觉性和独立工作的能力
一把钥匙开一把锁

第二章 关于钢琴
钢琴的由来和发展
钢琴的结构
三角钢琴和直立式钢琴的主要差别

第三章 初学阶段的教学
“音”的基本知识
坐的姿势
手 型
几种基本弹奏方法
初学阶段教学应注意的几个问题
介绍几种初级入门教学的方法

第四章 钢琴演奏的技术训练
钢琴演奏技术的发展历史
钢琴演奏技术的训练
练习曲的弹奏

第五章 演奏多声部音乐的训练
弹奏多声部音乐的几个要点
如何培养学生演奏多声部音乐的能力
训练多声部音乐弹奏能力的教材

第六章 钢琴教学中踏板的训练
制音器踏板的使用
柔音踏板的使用
保留音踏板的使用

第七章 音乐风格的表现
巴罗克时期
古典乐派时期
浪漫派时期
20世纪音乐时期

第八章 教学大纲的制订与实施
教学大纲
授课计划
教学原则
教学方式和方法

第九章 备课——乐谱的研究
表情术语记号
曲式结构
……
第十章 演奏心理的训练

精彩书摘

严肃求实的治学精神
钢琴演奏专业与其他专业一样，需要教师有渊博的知识，有全面的修养。钢琴演奏是演奏者一切知识的终结晶，演奏者的学问、修养都将凝聚在演奏中。要演奏好一首作品，除了高超的技术以外，演奏者必须了解历史，了解作曲家，懂得作品的风格、内容以及作曲家是通过哪些形式和手段（曲式、和声、旋律、织体、调性等等）来表现作品内容的。这些知识虽然学生可以在许多别的课程中学到，但是，将其融汇于钢琴演奏艺术之中，尚须钢琴教师的指点。如果钢琴老师自己也是一知半解或对它们之间的联系认识得不很透彻，就无法真正认识作品，更无法有效地帮助学生在主科学习中有目的地、综合灵活地运用他们已经学过的知识。所以，钢琴教师的修养越高，逻辑思维能力越强，分析判断得越清晰，他才有可能真正理解和发掘乐谱中的真实含义，才有可能达到真正高质量的教学。在教学中，只靠狭义的钢琴弹奏是不够的，必须依靠综合知识。一个钢琴家应该同时是一个艺术家、一个知识渊博的学者。培养钢琴演奏家的钢琴主科教师，必须高度认识这个问题的重要性，在长期的教学实践中，坚持严肃求实的治学精神，才能成为合格的钢琴主科教师。
培养学生的学习自觉性和独立工作的能力
一个钢琴主科教师还必须培养学生学习的自觉性、主动性以及独立工作的能力。要具有这种能力，绝不只是对音乐学院的学生或对中等音乐专业学校高年级学生而言。我认为只要开始学习钢琴，哪怕他们还是幼儿或少年，就必须培养他们这方面的能力。当然采取的方法和内容则因年龄、学识不同而异。
不少家长和教师把“陪学生练琴”视为金科玉律，特别是对比较年幼的学生。当然，他们确实从陪伴中得到了好处。譬如陪孩子练琴，孩子比较容易专心，可以及时地、不断地提醒他们去完成各种要求，弹错一个音或一个指法，可以马上要求孩子改正，少走弯路。从一时的效果看，也容易见成效。我曾看见过一些家长，甚至自己是钢琴老师，他们坐在钢琴旁边也陪孩子练琴，孩子一边弹，他们一边在旁边喊叫“手指抬起来，手腕太高了，力量不对，渐强、渐弱、错音，降号、三指”等等。他们一年、两年，甚至三年、五年地陪着孩子练琴，并洋洋得意地“欣赏”着孩子的进步。但是，他们却没有看到，学生长期在这种学习方法的培养下，失去了自觉学习的愿望和习惯，失去了独立学习的能力以及可贵的性。我们在现实生活中，看到不少学生一旦离开了家长和老师的陪伴，既不肯练琴，也不会练琴，他们练琴时坐不住，没有几分钟就想离开钢琴；他们读谱时通篇错音、错节奏；练琴只会从头至尾地一遍遍过；不去听自己的演奏，也不会听。更可怕的是他们对音乐毫无感受，冷漠、无动于衷，似乎演奏的终目的，只是为了去完成别人的各种各样的要求而已。这些后遗症，如不是有意识地、及时地去纠正和克服的话，它将被一直带到学生进入大学后的生活中，乃至他一生的工作和艺术生涯中去。
……

精选西方音乐史精要：从巴洛克到浪漫主义 本书简介 本书旨在为音乐学、音乐教育以及热爱西方古典音乐的读者提供一部深入浅出、脉络清晰的音乐史通览。它并非对浩瀚音乐史的全面罗列，而是精选了自巴洛克早期至浪漫主义晚期最具代表性的作曲家、流派、作品及风格演变，力求在有限的篇幅内，展现西方艺术音乐从严谨的对位结构到自由的个体情感表达的宏大叙事。 一、 巴洛克时期：秩序与激情（约1600-1750年） 巴洛克时期是西方音乐史上一个极为重要的转折点。这一时期的音乐强调情感的表达（affects），并确立了严格的对位和声体系。本书首先从蒙特威尔第（Claudio Monteverdi）的歌剧改革切入，阐述“第二实践”（seconda pratica）如何挑战文艺复兴时期的规范，将戏剧冲突置于音乐结构之上。 随后，重点分析了数字低音（Basso Continuo）的实践及其对巴洛克音乐织体的决定性影响。我们详细剖析了器乐形式的成熟，包括协奏曲（Concerto Grosso与Solo Concerto）的发展脉络，尤其侧重于维瓦尔第（Antonio Vivaldi）在协奏曲写作上的创新，以及他如何将自然意象融入音乐叙事。 本书的重头戏聚焦于两位巨匠：巴赫（Johann Sebastian Bach）和亨德尔（George Frideric Handel）。对于巴赫，我们不仅仅停留在介绍其《平均律键盘曲集》或《赋格的艺术》，而是深入探讨了复调思维在其所有作品，尤其是宗教清唱剧（如《马太受难曲》）中的逻辑构建。对于亨德尔，则着重分析了其英国时期清唱剧（Oratorio）的戏剧张力与公众接受度，以及他如何将意大利歌剧的宏大气势融入英式合唱传统。 二、 古典主义时期：清晰、平衡与结构（约1730-1820年） 古典主义是“理性之光”在音乐中的投射。本书清晰地界定了这一时期与巴洛克风格的区别，即从复杂的复调转向清晰的主调（Homophony），追求旋律的清晰性、结构的平衡感和情感的节制。 我们详细介绍了早期古典主义（如“曼海姆乐派”）在管弦乐配器和节奏处理上的革新，以及“交响曲”这一核心体裁的诞生与确立。重点探讨了海顿（Joseph Haydn）作为“交响曲之父”的角色，分析他如何通过主题发展手法（Thematic Development）和奏鸣曲式（Sonata Form）的规范化，奠定了古典器乐的结构蓝图。 莫扎特（Wolfgang Amadeus Mozart）的章节则侧重于其音乐中“自然流露的美感”与内在的深刻性之间的完美结合。我们分析了他在歌剧创作上的突破，特别是如何通过角色配器和音乐性格来刻画人物的复杂性，并审视了其后期交响曲和协奏曲中技艺的成熟。 贝多芬（Ludwig van Beethoven）被置于古典与浪漫的桥梁位置。本书不将他视为一个简单的过渡人物，而是分析了他是如何通过对既有形式的“拓展”和“重构”，注入前所未有的个人意志和英雄主义精神。特别关注其中期“英雄”风格的形成，以及晚期作品中对复杂对位和精神探索的回归。 三、 浪漫主义时期：情感的解放与个性的张扬（约1815-1910年） 随着社会思潮对个人情感和想象力的推崇，音乐进入了浪漫主义的黄金时代。本书强调了浪漫主义音乐中“标题音乐”（Program Music）的兴起，以及对民间音乐、文学叙事和异域风情的迷恋。 舒伯特（Franz Schubert）的“艺术歌曲”（Lied）是本章的起点。我们探讨了钢琴伴奏如何从简单的和声支持转变为与人声对话的叙事伙伴，以及他对德语诗歌旋律性的精妙处理。 对于肖邦（Frédéric Chopin）和李斯特（Franz Liszt），本书聚焦于键盘音乐的革新。肖邦的“民族化”与“室内化”——如何将波兰舞曲和玛祖卡提升至艺术殿堂，以及他对钢琴音色（Timbre）和踏板运用的开拓性探索。李斯特则被视为“浪漫主义演奏家”的典范，分析了他如何通过“交响诗”（Symphonic Poem）这一单乐章管弦乐队体裁，实现了音乐与文学叙事的深度融合。 中后期浪漫主义的分析转向了“民族乐派”和“德奥晚期浪漫主义”。我们考察了德沃夏克（Antonín Dvořák）和斯美塔那（Bedřich Smetana）如何运用民族旋律和节奏元素，构建具有地方色彩的音乐身份。最后，本书以马勒（Gustav Mahler）的交响曲作为终结。马勒的巨型结构、对“世界尽头”的哲学反思，以及对人声与器乐的融合尝试，标志着传统浪漫主义形式的极限，预示着二十世纪的来临。 本书特色 1. 聚焦核心概念： 每一章节均提炼出对应时期的核心音乐术语（如对位、主调、奏鸣曲式、变奏、标题音乐），并结合实例进行解析。 2. 强调风格演变： 结构上注重逻辑连续性，清晰勾勒出风格从巴洛克的“控制”到浪漫主义的“解放”的内在动力。 3. 避免冗余列表： 摒弃了作曲家生平的流水账记录，将重点放在他们的音乐思想和对后世的实际贡献上。 本书是音乐爱好者、非专业音乐学生以及希望系统回顾西方古典音乐发展主线的读者的理想参考读物。它不仅是历史的记录，更是理解经典音乐作品背后思维逻辑的钥匙。