作 者:(美)乌尔里希·伯泽尔(Ulrich Boser) 著;张海龙 译 定 价:49 出 版 社:中信出版社 出版日期:2018年02月01日 页 数:380 装 帧:精装 ISBN:9787508684291 ●作者说明
●序言 有效学习,让你爱上学习
● 学以致用
●动机是学习活动的动力
●价值感和意义是人类创造的本能
●主动发现事物的价值感和独特意义
●建立知识和我们自身的强关联
●追求价值感是人类的本质特征
●学习的过程就是对知识的探求过程
●社交活动是追求价值感的途径之一
●学习活动就是思维活动
●学习活动塑造我们的思维模式
●主动参与的学习方法可以激发深层思维
●学习意愿决定思维活动的积极程度
●教师在学习活动中应该发挥促进作用
●第二章 循序渐进
●每个人都需要有目标导向的学习方法
●学习活动需要聚焦学习目标
●新知识的学习需要已有知识做基础
●学习活动要找到的机会窗口
●部分目录
内容简介
在终身学习的时代,如何有效学习与坚持学习一样重要。而我们自己所习得的学习技巧,可能都不再适应当下的处境,尤其是在这样一个时间靠前碎片化的时代,如何系统化学习,成为每个人必须解决的问题。
乌尔里希·伯泽尔著的《有效学习(精)》是一项出色的研究成果,美国重量智库不错研究员伯泽尔将向你展示,靠前上关于“如何学习”这一学科的新成果,并展示了相应的简单、易操作的技巧。这些观点和技巧都采用具有启发性的故事和语言进行讲解,将会颠覆你之前所接受的方式,把学习改造成一个人人可以掌握的过程。 (美)乌尔里希·伯泽尔(Ulrich Boser) 著;张海龙 译 乌尔里希·伯泽尔,美国国家智库美国进步中心不错研究员,致力于学习能力方面的研究。他的相关论述发表在《纽约时报》《华盛顿邮报》《华尔街日报》等靠前一线媒体。
《光影流转:百年中国电影的视觉叙事变迁》 内容简介 本书将带领读者穿越百年中国电影的光影长河,深入探究不同时代下,中国电影如何通过视觉语言的演进,讲述时代的故事,反映社会变迁,并塑造民族的集体记忆。我们并非仅仅聚焦于故事情节或导演的艺术风格,而是将视角投向更深层的视觉叙事层面:镜头如何构图?光影如何塑造情绪?色彩如何传递信息?剪辑如何构建节奏?演员的表演如何融入视觉表达?这些构成电影灵魂的“无声之语”,共同编织了中国电影独有的视觉图景。 本书分为四个主要部分,层层递进,力求呈现中国电影视觉叙事的全景图: 第一部分:奠基与探索(1905-1949)—— 从无声到有声,从模仿到初步自觉 这一时期是中国电影的萌芽与成长阶段,也是西方电影文化深刻影响的时期。我们将从早期电影的粗粝影像入手,分析其在模仿西方经典叙事手法的基础上,如何尝试融入中国本土的审美趣味与叙事习惯。 早期默片时代的视觉特征: 关注黑白影像的质感,以及如何通过夸张的表情、肢体语言和字幕来传达信息。分析早期电影对戏剧化表演的依赖,以及如何在有限的技术条件下进行场景调度和镜头运用。我们将探讨早期中国电影如何借鉴西方默片技巧,例如对蒙太奇手法的初步尝试,以及如何通过场景布置和道具来暗示人物身份和社会背景。 “国片”的本土化探索: 随着民族工业的兴起,一批电影人开始尝试拍摄更具中国特色的故事。我们将研究这一时期电影在服装、道具、建筑布景等方面的民族化元素,以及如何通过这些视觉符号来构建中国特有的文化氛围。例如,阮玲玉等演员的表演风格,如何融合了中国传统戏曲的程式化表演与现代电影的写实需求,形成独特的银幕魅力。 有声电影的诞生与初期探索: 分析有声技术引入后,中国电影在对话、音乐、音效与画面配合上的早期实践。探讨方言电影的出现如何丰富了视觉与听觉的表达,以及如何通过音乐和歌曲的运用,进一步增强影片的情感感染力。我们将考察早期有声电影在镜头运动、画面构图上如何开始摆脱舞台化的束缚,尝试更具电影感的表达。 战争与抗战时期的视觉语言: 尤其关注抗战时期电影在视觉上的特点。分析纪录片和故事片如何通过写实的镜头语言、强烈的对比性画面、以及富有感染力的音乐,来激发民族情感,凝聚抗战力量。探讨如何在宣传和艺术之间寻求平衡,并通过视觉叙事来传递爱国主义精神。 第二部分:革命与塑造(1949-1976)—— 红色叙事的视觉体系构建 新中国成立后,电影被赋予了重要的政治和社会教育功能。这一时期,中国电影形成了独特而强大的红色叙事视觉体系。 现实主义的“典型环境中的典型人物”: 深入分析这一时期电影如何通过精心设计的画面构图、明亮的色彩运用、以及人物造型的“脸谱化”,来塑造革命英雄形象和反面人物。我们将考察如何通过“高大全”的人物设定,以及“工农兵”的典型形象,在视觉上强化阶级观念和政治立场。 宏大叙事的视觉呈现: 探讨如何通过广阔的场景、大规模的群众场面、以及充满力量感的镜头运动,来表现社会主义建设的宏伟成就和革命斗争的艰苦卓绝。分析“战斗的号角”、“前进的步伐”等视觉隐喻在电影中的运用。 “样板戏”电影的视觉创新与局限: 重点分析“样板戏”电影在舞台艺术移植到电影银幕上的视觉实践。探讨如何通过程式化的表演、夸张的光影效果、以及精心设计的色彩搭配,来营造强烈的戏剧冲突和革命浪漫主义氛围。同时,也分析其在视觉表现上存在的模式化和程式化的局限性。 纪录电影的写实力量: 关注这一时期纪录电影在记录时代变迁、展现人民生活方面的贡献。分析其简洁、直接的镜头语言,以及如何通过朴素的影像,传递时代的信息和情感。 第三部分:反思与转型(1977-2000)—— 重新审视与多元探索 改革开放以来,中国电影迎来了新的发展机遇,也面临着前所未有的挑战。视觉叙事开始出现多元化的趋势,并逐渐向国际化靠拢。 “伤痕电影”与“反思电影”的视觉语言: 分析这一时期电影如何通过压抑、阴郁的光影,以及写实的画面风格,来表现历史创伤和个体命运的沉浮。探讨如何通过人物的眼神、肢体语言以及对生活细节的捕捉,来传递复杂而深刻的情感。 “第五代导演”的视觉革新: 重点研究第五代导演在视觉语言上的突破。分析他们如何借鉴西方电影的摄影、剪辑、色彩等技巧,创造出具有强烈个人风格和民族特色的影像。例如,《黄土地》中独特的黄土地色调,《霸王别姬》中京剧美学与电影语言的融合,《活着》中克制的镜头语言所带来的震撼力。我们将深入分析其在镜头运用、画面构图、色彩表达等方面的创新之处。 “第六代导演”的都市景观与街头现实: 关注第六代导演对城市生活、青年亚文化以及边缘人群的关注。分析他们如何通过手持摄影、晃动镜头、以及对现实场景的直接呈现,来捕捉都市的脉搏和个体在时代洪流中的迷茫与挣扎。探讨其在视觉上追求的纪实感和个人表达。 商业电影的兴起与视觉元素的借鉴: 随着市场经济的发展,商业电影逐渐占据主导地位。分析这一时期商业电影在视觉上的借鉴西方成熟模式,例如港片对动作场面、节奏剪辑的追求,以及好莱坞对视觉特效的运用。探讨其在光影、色彩、构图上如何服务于商业叙事和娱乐性。 第四部分:全球化与创新(21世纪初至今)—— 多元文化碰撞与技术革新 进入21世纪,中国电影在国际舞台上扮演着越来越重要的角色,视觉叙事也呈现出前所未有的多元与创新。 类型片的成熟与视觉风格的演变: 细致分析科幻、奇幻、悬疑、动画等各种类型片在中国的发展,以及它们各自独特的视觉语言。例如,如何运用CG技术构建虚拟世界,如何通过光影和色彩来营造紧张、惊悚的氛围。 “新一代导演”的艺术探索: 关注新生代导演在视觉叙事上的个性化表达。分析他们如何结合东西方美学,探索新的叙事模式和视觉风格,并尝试在艺术追求与市场接受之间找到平衡。 技术革新与视觉的可能性: 深入探讨数字技术、3D、IMAX等新技术的应用,如何拓展了电影的视觉表现力。分析这些技术如何影响了摄影、后期制作、以及观众的观影体验。 中国电影的文化输出与视觉符号的全球化: 探讨中国电影如何在保持本土特色的同时,通过视觉语言来吸引全球观众。分析中国传统文化元素如何在现代电影叙事中得到创新性运用,以及中国电影的视觉符号如何走向世界。 纪录影像的多元化表达: 关注新时期纪录片在视觉呈现上的多样性,从更加主观、个人化的视角出发,探索新的影像语言和叙事方式。 本书并非简单罗列中国电影史,而是通过对大量经典影片的视觉细节进行细致的分析,勾勒出中国电影在不同历史时期,其视觉语言如何随着社会、文化、技术的发展而演变。我们期望通过本书,让读者能够更深入地理解电影的“形”与“神”,体会中国电影在光影流转中所蕴含的独特魅力与时代精神。本书将为对中国电影史、电影美学、视觉文化感兴趣的读者提供一次深刻的阅读体验。
这本书给我的感受,更像是在一个喧嚣的集市上,忽然有人拉着你走进了一个安静、光线充足的私人图书馆。作者的叙事风格非常沉稳,用词考究,没有为了吸引眼球而使用浮夸的修辞,反而是在平实的陈述中蕴含着深刻的洞察力。我之前总是在追求“量”的积累,认为只要花够时间,知识自然就会沉淀,但这本书彻底颠覆了我的这种“时间投入等于产出”的线性思维。它通过大量的案例和实验数据,证明了“如何学习”远比“学习多久”重要得多。尤其是关于“提取练习”的论述,让我明白了为什么我总是考前突击有效,而长期记忆却很差——因为我一直在进行低效的“再认”而非高阶的“回忆”。读完这本书,我开始有意识地在每次阅读结束后,合上书本,强迫自己用语言或思维导图来重构刚刚学到的内容,这种主动的“提取”行为带来的知识巩固效果是立竿见影的,感觉大脑对新信息的抓取力都增强了。