史蒂芬·史匹柏的光與影：從《第三類接觸》到《慕尼黑》 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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奈吉·莫里斯（Nigel Morris） 著

图书标签:

• 史蒂芬·史匹柏
• 电影
• 导演
• 光影
• 电影史
• 美国电影
• 类型片
• 艺术电影
• 电影分析
• 慕尼黑

出版社： 時周文化

ISBN：9789866217173

版次：1

商品编码：16033787

包装：平裝

丛书名： 世界名導系列

出版时间：2011-11-01

用纸：胶版纸

页数：680

正文语种：繁体中文

编辑推荐

《史蒂芬·史匹柏的光與影：從<第三類接觸>到<慕尼黑>》以史匹柏第四部電影《第三類接觸》開頭，依照時間順序檢視他每一部作品，重新檢視史蒂芬·史匹柏全部作品，並提供一個條理清楚的理論評價。
「史蒂芬·史匹柏的電影」有多種含意，其中包括：
一個留鬍子、戴眼鏡的美國猶太人導演的電影，他於一九四○年代末出生於辛辛那提，膝下有七名子女。
由他自己擔任編劇、製片、監製或大老闆的電影，以及他所導演的影片。
對這位電影工作者來說，電影的意義；形塑他的作品及作品的世界觀的影響及品味。
他非凡的商業成功推動了當代通俗電影的誕生，其中包括觀眾的期待與態度。
他的作品或多或少已自成批評研究的議題，這些作品的主題、風格與視野具有獨特性，並可以冠上「史蒂芬·史匹柏」的導演頭銜來辨識，無論是參與的編劇、攝影師、作曲家、剪接師、藝術指導、演員等等（無論是有意或無心），都被貼上了史蒂芬·史匹柏的標籤。
史匹柏積極參與其他電影工作者的作品，而且為數不少；他扮演導師、出資者、或是「幕後」導演這種頗具爭議性的角色（據說是每天都到片場操控導演）。然而，分不清楚「史匹柏有參與的電影」與「史匹柏執導的電影」，已經讓批評界與大眾對他導演理念的理解只是霧裡看花，因此時常導致過度簡單的詮釋；尤其當他的電影牽涉到在政治上敏感的議題時，過度簡單的詮釋就會造成嚴重的後果。在電影的本質、功能、與現實和其他電影的關係上，史匹柏的電影所表達的電影視野太常被忽略，以致於影響到他在批評界裡的聲望。因此，要理解他電影的意義，必須要先瞭解他的電影視野。

内容简介

《史蒂芬·史匹柏的光與影：從<第三類接觸>到<慕尼黑>》以史匹柏第四部電影《第三類接觸》開頭，因為它是史匹柏早期作品中最能在視覺上展現後來反覆出現議題的電影，接下來從《飛輪喋血》開始，我們將依照時間順序檢視他每一部作品。本書結尾將探討在個別電影分析中尚未解決的理論意涵。因此每一章相對地都是完整的論述，儘管這些章節不可避免地會互相引用參考，而前面的章節則會介紹後面章節會討論的概念。本書應該要能幫助讀者，他們可自己決定這本書是否有用。因此作者藉此研究重新檢視史蒂芬·史匹柏全部作品，並提供一個條理清楚的理論評價。
史匹柏的特色之一，就是廣泛地拼貼（pastiche）與引用其他電影，包括好萊塢經典、歐洲藝術電影以及他自己的作品。對很多嚴肅的評論者來說，這個特色很令人討厭，然而在更受尊崇的文化形式中，這種遊戲趣味被頌讚為後現代主義，如果通俗出版品鉅細靡遺地追索電影裡這些典故可以做為可靠的參考，這種特色確實取悅了影迷。但找出典故來源所產生的愉悅──提醒觀眾這部電影正在被觀賞──似乎與被動性與逃避主義的簡單概念並不相容。相反地，無論觀眾沒注意到這些典故，或是意識到這些典故，都可以享受史匹柏的電影；這再度顯示觀影愉悅不只一種，史匹柏電影的魅力比那些說他操控大眾的斷言要來得更複雜。
史匹柏作品的另一特色是特殊的打光風格：「朦朧的影像……背光強烈，與微弱的補光成對比。」 稍後我會論證，這種風格向來都是與角色之慾望和幻想連結，並鼓勵觀者去認同。光束（在攝影棚內燃燒汽油而成）看起來像是電影放映機的光束，它把電影裝置銘刻在底片上。 在許多電影片段中，都用了象徵攝影機、銀幕、放映機、觀眾與電影的隱喻來呈現。典型的史匹柏認同角色（identification-figure）是觀者，也常是導演代理人。
史匹柏電影的感染力，很多都與反覆出現的敘事結構有關，重點是家庭的分離最終總會團圓，或得到精神上的替代品。透過此願望實現（wish-fulfillment）的主題，再加上電影暗示與象徵性的打光法，史匹柏的電影既反思又展現了評論者宣稱的通俗電影的逃避功能。

作者简介

　　奈吉·莫里斯（Nigel Morris）
　　英國林肯大學媒體製作系之媒體理論首席講師。他發表的論文與著作評析美國、英國、德國與威爾斯電影，以及文學改編電影、電影與現代主義文學的種種面向。

精彩书评

本書是史蒂芬·史匹柏電影傳奇最好的呈現
——Empire

目录

第一章 《第三類接觸》：與奇幻光影共舞
第二章 《飛輪喋血》：曼恩（男人）遇難
第三章 《橫衝直撞大逃亡》：一部輕喜劇？
第四章 《大白鯊》：搜索深處
第五章 《一九四一》：對好萊塢開戰
第六章 《法櫃奇兵》：打燈、開攝影機、開演
第七章 《E.T.外星人》：打開你的愛之燈
第八章 《陰陽魔界：電影版》：使魔術燈籠技師黯然失色
第九章 《魔宮傳奇》：一切百無禁忌
第十章 《紫色姐妹花》：兄弟姊妹們
第十一章 《太陽帝國》：上海的表演技藝
第十二章 《聖戰奇兵》：剪接到追逐場景
第十三章 《直到永遠》：點燃我心中的愛火
第十四章 《虎克船長》：超大型彼得潘（納維遜寬螢幕）冒險
第十五章 《侏儸紀公園》：又一部怪獸般的賣座片
第十六章 《辛德勒的名單》：看得見的黑暗
第十七章 《侏儸紀公園：失落的世界》：更多數位特效操控
第十八章 《勇者無懼》：彩色影片中的黑與白
第十九章 《搶救雷恩大兵》：好萊塢處理戰爭題材
第二十章 《A.I.人工智慧》：大開眼界
第二十一章 《關鍵報告》：昏暗地透過玻璃
第二十二章 《神鬼交鋒》：捕捉在賽璐珞上
第二十三章 《航站情緣》：爵士春秋（all that jazz）
第二十四章 《世界大戰》：鏡中光線
第二十五章 《慕尼黑》：橄欖枝上的苦澀果實
第二十六章 觀眾、主體性與愉悅

光影的交织与时代的刻痕：一部横跨半世纪的电影史诗 本书导读： 本书以宏大而细腻的笔触，深入剖析了全球电影史上最具影响力的导演之一——维姆·文德斯（Wim Wenders）的创作历程。不同于聚焦于好莱坞黄金时代的传统影史梳理，本书将目光投向了这位德国电影大师，探寻他如何在后现代主义的浪潮中，以其独特的“漫游者”视角，构建起一个充满疏离感、追寻与记忆的电影宇宙。 我们不谈论斯皮尔伯格，而是深入文德斯构建的德意志美学与美国公路文化的交汇地带。 --- 第一章：战后德国的影像胎记与欧洲新浪潮的召唤（1960s - 1970s 初） 本章追溯了文德斯艺术萌芽的土壤——二战后破碎的德意志精神面貌。在被美国流行文化强势渗透的文化夹缝中，年轻的文德斯如何拒绝继承魏玛时期的表现主义，转而拥抱法国新浪潮的自由与反传统叙事？ 我们将详细考察他早期短片中流露出的对“缺席”和“景观”的迷恋。重点分析了文德斯在慕尼黑电影学院的学习经历，以及他如何通过对美国电影（如约翰·福特、尼古拉斯·雷）的热爱，反向构建对欧洲身份的质疑。这一阶段的叙事探索，奠定了其作品中角色普遍存在的漂泊感和寻找“家园”的徒劳。 第二章：公路、凝视与时间的延宕——“德国三部曲”的诞生 “德国三部曲”——《夏日之旅》（Summer in the City, 1970）、《守门员的扑救》（The Goalkeeper's Fear of the Penalty, 1972）、《疑云密布的爱》（Alice in the Cities, 1974）——标志着文德斯电影语言的成熟。本章将深入解析这三部曲中反复出现的母题： 1. 空间的异化： 城市景观不再是叙事的背景，而是角色的情感投射。我们考察文德斯如何运用广角镜头和长镜头，将柏林、法兰克福等城市描绘成迷宫般的疏离场域。 2. 失语的沟通： 角色之间的交流往往是无效的，甚至是沉默的。通过对《守门员的扑救》中主角布鲁诺·蒙塔格的心理侧写，探讨文德斯对社会规范与个体情感冲突的揭示。 3. “美国化”的焦虑： 在《爱丽丝漫游城市》中，美国元素的出现并非赞美，而是一种参照系。小女孩的出现如何短暂地打破了成年男性世界的僵局，成为文德斯早期作品中罕见的“连接点”。 第三章：跨越大陆的旅程：公路片中的形而上学追寻 《公路之王》（Kings of the Road, 1976）是文德斯公路美学的集大成之作。本章着重分析： 电影院的隐喻： 影片中那些濒临倒闭的乡村电影院，不仅仅是时代的产物，更是文德斯对电影艺术自身衰落与延续的深刻反思。 伴侣关系与孤独： 布鲁诺和罗伯特这对修理放映机的搭档，他们的关系是友谊、依赖还是相互的孤立？文德斯如何通过他们的对话和沉默，探讨现代社会人际关系的脆弱性。 音乐与景观的耦合： 对美国摇滚乐和乡村音乐的运用，如何成为构建德国漂泊者精神世界的声音地图。 第四章：视觉的重构与记忆的碎片——对好莱坞体制的“去中心化”尝试 1977年的《事物的状态》（The State of Things）标志着文德斯开始尝试跨越文化和语言的界限，同时也暴露出其在尝试好莱坞式叙事结构时所遭遇的困境。 随后，对美国文化的深度致敬与解构在《巴黎，德州》（Paris, Texas, 1984）中达到巅峰。本章将细致分析： 1. 罗伊·沙利文的形象： 影片中 Travis 的失忆与回归，如何成为对美国“西部精神”的后现代重写。他不再是征服者，而是迷失的浪子。 2. 罗比·穆勒的摄影艺术： 对暖色调、大面积天空和空旷地景的运用，如何将德州提升为一种具有神话色彩的象征空间。 3. 音乐的灵魂： 莱·库德（Ry Cooder）的吉他旋律，如何成为连接人物内心世界的唯一语言，超越了对白本身的叙事功能。 第五章：跨越时空的对话：对电影本体论的探问 文德斯的作品从未停止对“电影是什么”这一问题的追问。本章聚焦于《寻找小津》（Tokyo-Ga, 1985）和《柏林苍穹下》（Wings of Desire, 1987）。 对小津安二郎的致敬： 《寻找小津》是一部充满敬意的纪录片/散文电影。文德斯如何通过对东京现代化的观察，试图重现他所理解的小津式的“静谧”与“家庭核心”，以及这种尝试的局限性。 天使的视角与人间烟火： 《柏林苍穹下》是文德斯对欧洲精神史的一次抒情总结。天使观测人类的上帝视角，是对“全知叙事”的颠覆。布鲁诺·冈茨饰演的天使卡维尔，其渴望变成凡人的动机，体现了文德斯对“体验性存在”的终极渴望。 色彩的转型： 影片从冷峻的黑白（天使的视角）过渡到温暖的彩色（人类的视角），这种视觉语言的切换，本身就是对生命感知层次的哲学阐释。 结语：漫游者的遗产与永恒的追寻 本书最后一部分总结了文德斯作为一位“文化译者”的独特地位。他既是植根于欧洲战后创伤的叙事者，又是痴迷于美国神话的观察者。他的电影语言——慢节奏、环境细节的饱和描绘以及对内心世界的倾斜——为后来的独立电影制作人提供了不同于主流商业叙事的可能性。文德斯的作品揭示了一个核心命题：在现代性的巨大景观中，真正的“家”不是地理上的坐标，而是记忆与情感连接的瞬间积累。 本书旨在为读者提供一个深入理解文德斯电影哲学的指南，领略他如何在光影的编织中，捕捉时代精神中那份挥之不去的迷惘与诗意。

评分☆☆☆☆☆

令人称奇的是，他对于“未知”的描绘总能保持一种恰到好处的距离感，既不过分神秘到脱离现实，也不至于阐释得太过详尽而削弱了想象的空间。无论是宇宙中尚未被完全理解的现象，还是人类内心深处那些难以言喻的恐惧与渴望，他都留给观众足够的解读余地。这种叙事上的“留白”，恰恰是其作品生命力持久的关键所在。很多导演急于在结尾给出所有答案，但他的作品更像是提出一个宏大的问题，然后邀请我们一同踏上寻找答案的旅程。他的配乐选择也极其高明，常常是那种能瞬间抓住你灵魂深处的旋律，与画面配合得天衣无缝，将那种敬畏感推向极致。

评分☆☆☆☆☆

这部电影史上的巨作，光影的魔术师，他的作品总是能在最平凡的叙事中挖掘出最深层的人性挣扎与社会议题。我尤其欣赏他处理宏大场面时所展现出的细腻情感，那种将史诗般的背景与个体命运紧密结合的叙事手法，常常让我感到震撼。他似乎拥有一种近乎天赋的能力，能够精准地捕捉到历史洪流中个体所经历的恐惧、希望与迷茫。比如他对于光线的运用，简直是教科书级别的展示，每一次光影的交错都不仅仅是为了视觉上的冲击，更是为了烘托人物的内心世界，或者暗示着某种即将到来的命运转折。他的镜头语言充满了力量感，即使是最安静的场景，也能让人感受到潜藏的张力。这种对电影本体语言的深刻理解和娴熟运用，使得他的作品在艺术性和商业性之间找到了一个近乎完美的平衡点，让人在享受视觉盛宴的同时，也能进行深刻的反思。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我很少看到有哪位导演能像他一样，将对“希望”这一主题的探讨贯彻得如此彻底且复杂。他笔下的人物，无论是面对外星文明的未知，还是身处政治漩涡的绝境，始终都保留着一抹微弱却坚韧的光亮。这种“微光”并非盲目的乐观主义，而是建立在对现实深刻洞察之上的选择——选择去相信、选择去探寻、选择去记忆。他的叙事节奏控制得极其精妙，擅长在紧张的对峙中插入一段温暖人心的家庭片段，或者在宁静的画面中突然爆发出无法抗拒的戏剧性冲突。这种对“张弛有度”的掌握，使得观众的情绪完全被他牵引着走，从心潮澎湃到潸然泪下，都仿佛是自然而然的发生，毫不做作。这种功力，绝对是大师级别的标志。

评分☆☆☆☆☆

我总觉得，他的电影更像是某种时代的编年史，只不过是用胶片和数字媒介记录下来的。他有一种近乎偏执的对历史细节的还原度，即便是虚构的情节，也总是建立在一个极其坚实、可信的时代背景之上。这种对“真实感”的追求，不仅仅体现在布景或服装上，更深层次地，是体现在他对人物行为逻辑的理解上。他不会简单地将角色塑造成非黑即白的符号，而是让他们活生生地陷在那个特定历史时期所要求的道德困境之中，让人不得不去思考：如果是我，我会怎么做？这种代入感是极强的，每一次重温，都会因为自己心境的变化而对角色的选择产生新的理解和共鸣。他用镜头搭建了一个个可以穿越时空的剧场。

评分☆☆☆☆☆

谈到技术层面，这位创作者无疑是走在时代前沿的探路者，他似乎从未停止过对电影制作新可能性的探索。从早期的特效创新，到后来对数字影像的驾驭，每一次的技术革新都被他巧妙地服务于故事本身，而非炫技。他深知，最顶尖的技术也必须是隐形的，是为叙事服务的仆人。这种务实的创新精神，使得他的作品即使跨越数十年，在视觉上依然能保持极强的冲击力和现代感。更不用说他对群像戏的处理，调度能力简直是惊人的，场面庞大，但每一个演员的表演层次感都清晰可见，这体现了导演对细节把控的强大功力。