听觉训练进阶教程（6-8级） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

内容简介

　　“不好了！听觉测试要开始了！”
　　一旦强调听觉，特别是遇到听觉测试，许多年轻的钢琴演奏者和乐器演奏者就会恐惧万分。然而，听觉训练却是一个不可或缺的、需要持续提高的音乐技能。因为，拥有一副训练有素的耳朵，比起其他任何音乐技能会更好地促使你成为一个音乐家。
　　《听觉训练进阶教程（6-8级）》旨在帮助你消除对听觉的恐惧。这套内含音频二维码的考试手册，通过有趣的听觉训练、填空练习，对英皇考级听觉考试（1-8级）内容进行了着重训练。由于音乐技能的各个方面都相互关联，所以对歌唱、拍手（节奏训练）、演奏乐器、记写音乐、即兴创作、作曲等能力都会有极大的提升，并让你在英皇考级听觉考试中取得高分！

作者简介

　　保罗·哈里斯，曾就读于英国皇家音乐学院及伦敦大学，是一位享有国际盛誉的英国知名音乐教育家。在皇家音乐学院期间，保罗·哈里斯师从约翰·戴维斯教授学习单簧管，曾获奥古斯特·曼斯奖杰出演奏奖。之后，他在伦敦大学继续深造音乐教育学，师从基斯·斯万维克教授。
　　迄今为止，保罗·哈里斯已经出版逾600种主要有关音乐教育的出版物。其中他与理查德·克洛泽合著的《音乐教师指南》（Music Teacher's Companion）获英国MIA新书奖，“提高你的理论”（Improve Your Theory！）系列获音乐教师图书资源奖，“提高你的视奏”（Improve Your Sight-reading！）系列是世界公认的钢琴视奏类辅导教材。保罗·哈里斯写作范围广泛，他撰写了大量有关音乐教育的文章，7篇协奏曲，1个芭蕾舞剧以及1个儿童剧。他还与安东尼·梅雷迪斯合著了马尔科姆·阿诺德爵士（马尔科姆·阿诺德：流氓的天才者）、马尔科姆·威廉斯（淘气的缪斯）与理查德·罗德尼·班尼特的传记。
　　保罗·哈里斯定期为国际知名的高质量音乐杂志提供文章，如《音乐教师》《BBC音乐杂志》《ABRSM剧本》《美国ICA期刊》等，同时也是英国乃至全球的音乐教育科研领军人物及评判专家。保罗·哈里斯还从事有关音乐天才的教育与研究（音乐奇才朱利安·布利斯即为其弟子），并因此足迹遍及全球许多音乐学院。
　　
　　周诗蕾（Maggie Zhou），国际学校音乐课程，国际膏乐考级教师，国际音乐考级演奏、乐理、听力培训师。
　　畅销书《英皇乐理学习手册》《英皇听觉测试辅导手册》《听觉训练进阶教程》编译者,儿童音乐舞台剧《爷爷的乐器店》《老鼠与莫扎特》剑编者。
　　2000年开始先后任教于北京各大国际学校，主要教授音乐课、弦乐课、钢琴课、乐理课同时负责音乐课外活动。先后在北京、上海、天津、贵州、云南、西安、武汉、大连、长春、哈尔滨、威海、济南、青岛、呼和浩特、珠海等地开展过多次英皇课程讲学与教学培训，广受好评。由她编著的《英皇考级乐理学习手册》及《英皇考级听觉测试学习手册》系列丛书是现今国内英皇课程教师的畅销用书之一。
　　2007年创办M&C;儿童音乐项目，组织北京各国际学校学生联合出演重奏、独奏、合奏系列主题音乐会。作为儿童音乐舞台剧导演及创编者，把“绿野仙踪”“雪人”“老鼠与莫扎特”“彼得与狼”“爷爷的乐器店”等传统及原创儿童音乐剧目编排成音乐综合课程并搬上舞台。

内页插图

目录

第6级 听觉技巧为什么很重要？
第一单元 音高
第二单元 视唱
第三单元 终止式
第四单元 聆听音乐
第五单元 节奏
第六单元 建立联系

第7级 听觉技巧为什么很重要？
第一单元 音高
第二单元 视唱
第三单元 终止式
第四单元 转调
第五单元 聆听音乐
第六单元 节奏
第七单元 建立联系

第8级 听觉技巧为什么很重要？
第一单元 音高
演唱（或演奏）三声部乐句的低声部
终止式和弦辨认
第二单元 视唱
第三单元 转调
第四单元 聆听音乐
第五单元 建立联系

音乐理论与实践：从基础到精通的综合指南 第一部分：西方音乐史与风格演变 第一章：古代与中世纪音乐的曙光 本章追溯西方音乐的起源，从古希腊的理论萌芽，到罗马时期的初步发展，重点考察中世纪早期宗教音乐（如格里高利圣咏）的结构、功能及其对后来复调音乐的影响。我们将深入分析九世纪至十四世纪间，复调音乐（如奥尔加农、经文歌）的逐步形成与演变，探讨清晰记谱法的出现如何改变了音乐的传承方式。对早期记谱法（纽姆谱）的详细解读，将帮助读者理解早期音乐的旋律轮廓和节奏处理方式。 第二章：文艺复兴的“人声之美” 文艺复兴时期（约1400-1600年）是音乐史上一次重大的转折。本章将聚焦于人文主义思潮对音乐创作的影响，探讨复调音乐的黄金时期——尤其是在佛兰德斯学派（如若斯坎、帕莱斯特里那）的严格对位技巧。内容涵盖弥撒曲、经文歌的复杂织体构建，以及世俗音乐形式如法国香颂、意大利牧歌的发展。特别分析了“音乐文本关系”的探索，即音乐如何更准确、更富表现力地诠释歌词。 第三章：巴洛克时期的宏伟与激情 巴洛克时期（约1600-1750年）是音乐史上结构化和情感表达达到新高峰的阶段。本章将详尽阐述协奏曲、奏鸣曲、清唱剧和歌剧等新体裁的诞生与成熟。重点分析巴赫的对位艺术（如赋格的结构分析）、亨德尔的庄严清唱剧以及维瓦尔第的协奏曲写作规范。我们将深入探讨“固定低音”（Basso Continuo）在确立和声基础中的核心作用，以及装饰音的使用如何增强了音乐的戏剧性与表现力。 第四章：古典主义的平衡与清晰 古典主义（约1750-1820年）强调清晰、平衡与形式的完美。本章剖析奏鸣曲式作为核心结构如何支配了交响曲、协奏曲和室内乐的写作。海顿的“交响曲之父”地位、莫扎特的歌剧天才及其对旋律线条的精妙处理，以及贝多芬如何突破古典范式，为浪漫主义铺平道路，将是本章的重点。对乐队编制的规范化和奏鸣曲式各部分（呈示部、展开部、再现部）的内部逻辑的细致梳理，是理解古典音乐结构的关键。 第五章：浪漫主义的自我表达与民族色彩 浪漫主义（19世纪）是音乐家追求个性解放、情感深度和叙事性的时代。本章将探讨“艺术歌曲”（Lied）的兴盛，如舒伯特、舒曼的作品中诗歌与音乐的完美结合。同时，对大型管弦乐作品（如李斯特的交响诗）的分析，展示了音乐如何承载文学和哲学的宏大叙事。民族乐派的崛起（如德沃夏克、斯美塔那）及其对民间音乐元素的运用，将作为独立章节进行探讨。 第六章：二十世纪的多元探索与技术革新 二十世纪（20世纪）是音乐风格最为多元和技术变革最为剧烈的时期。本章将涵盖印象主义（德彪西的音色探索）、表现主义（勋伯格的无调性与十二音体系）、新古典主义的回溯，以及斯特拉文斯基的节奏革新。此外，还将介绍序列主义、偶然音乐和电子音乐的早期发展，展示作曲家如何不断挑战传统和声、旋律与节奏的界限。 --- 第二部分：和声学与对位法精要 第七章：功能和声学的深度解析 本章系统性地回顾了西方传统和声学的核心规则。内容包括：三和弦与七和弦的构成与转位；调内和弦的级进关系；以及功能和声（主和弦T、下属和弦SD、属和弦D）在终止式和乐句推进中的作用。重点分析了副属和弦、离调和弦（如那不勒斯六和弦、减七和弦）在色彩变化中的应用，以及如何通过和声进行来构建音乐的张力和解决。 第八章：转调的艺术与实践 转调是赋予音乐色彩和结构动态变化的关键技术。本章详细介绍了平行调转调、关系调转调以及等音转调（如利用三和弦或七和弦的共同音进行转调）的各种方法。内容涵盖了从一个调性平滑过渡到远关系调性的具体技巧，并提供了大量实例分析，指导读者如何在创作中灵活运用转调来构建清晰的乐段结构和制造戏剧性对比。 第九章：对位法的严格原则 对位法是音乐写作的基石，本章专注于严格对位法（据富克斯的五种对位法体系）。我们将从最基础的第一对位法（音对音）开始，逐步深入到第二对位法（二对一）、第三对位法（四对一）等。严格遵循不协和音的处理原则（如经过音、邻音、倚音的运用），确保对位声部在保持独立性的同时，形成和谐的垂直关系。 第十章：自由对位与复调织体 在掌握了严格对位的基础后，本章转向自由对位法，探讨如何将对位技巧应用于更自由的音乐语境中，特别是赋格曲的创作。内容包括：主调的呈示、入进的组织、主题的变形（如倒影、增值、减值）以及中插段（Episode）的写作策略。分析了不同声部（如高音声部与低音声部）在对位关系中的独立性和相互作用，旨在培养读者构建复杂、多层次复调织体的能力。 --- 第三部分：管弦乐配器与曲式分析 第十一章：管弦乐队的声部功能与音域 本章是配器技术的核心。我们将系统考察交响乐队的四大组别：木管组（长笛、双簧管、单簧管、巴松）、铜管组（圆号、小号、长号、大号）、打击组（有固定音高和无固定音高）以及弦乐组（小提琴、中提琴、大提琴、低音提琴）。每种乐器的音色特点、独特表现力、以及在不同音区中的优势与限制都将进行详细的表格化说明。重点分析了移调乐器（如降B单簧管）的记谱与实际发音校准。 第十二章：配器技法：织体与音响设计 本章侧重于“如何”将乐器组合起来。探讨了主旋律的突出（通过音色、力度对比或高音区定位）、和声的填充（如何使用不同乐器组合来创造丰满或透明的和声色彩）、音域的复盖（避免声部间不必要的冲突）。深入分析了和弦的配器布局（如和弦的宽度、密集度）和音响的平衡，帮助学习者理解如何通过配器创造出清晰、有层次感的音乐画面，而非简单的音符堆砌。 第十三章：奏鸣曲式深度剖析 奏鸣曲式是古典主义及以后几乎所有大型器乐体裁（交响曲、奏鸣曲、四重奏）的骨架。本章将以海顿、莫扎特、贝多芬的范例为基础，详细分解奏鸣曲式的三个主要部分： 1. 呈示部： 主题的引入、主调与副调的建立、连接部的功能。 2. 展开部： 调性分析（模态游走）、主题的分解与发展、和声的紧张建立。 3. 再现部： 主副部在主调上的再现、尾声（Coda）的功能与发展。 通过对大量乐章的逐句分析，揭示作曲家如何构建内部的戏剧冲突与逻辑推演。 第十四章：交响曲与协奏曲的结构演变 本章将探讨交响曲这一宏大体裁的四乐章结构（快-慢-小快板/谐谑曲-快），并追踪其从海顿的初期形式到贝多芬的革命性突破，直至后浪漫主义时期规模的扩展。同时，协奏曲的分析将聚焦于华彩段（Cadenza）的历史地位、功能及其在巴洛克、古典和浪漫主义时期写作风格上的差异。 --- 第四部分：二十世纪后的音乐分析与创作思维 第十五章：十二音体系的结构逻辑 本章全面介绍勋伯格建立的十二音体系（Dodecaphony）的原理与实践。内容包括：音列（Series）的构建、基本形式（Prime）、逆行（Retrograde）、倒影（Inversion）和逆行倒影（Retrograde Inversion）的生成规则。重点分析了音列在不同维度上的排列组合，以及作曲家如何使用音列来控制作品的整体结构和局部连接，确保音乐在无调性框架下的逻辑一致性。 第十六章：新音乐的节奏与音色革命 聚焦于二十世纪作曲家对节奏和音色的激进处理。分析了斯特拉文斯基（如《春之祭》）对复合节拍和节奏的突然重音的运用。同时，深入探讨了音色音乐（Klangfarbenmelodie）的概念，即通过快速切换乐器来构建旋律线。对艾略特·卡特等作曲家在复调节奏（Polyrhythm）上的复杂探索也将被纳入讨论范围。 第十七章：现代和声色彩的探索 本章超越传统功能和声，探讨现代作曲家如何拓展和声的边界。内容包括：全音阶、五声音阶在和声构建中的应用；集合理论（Set Theory）在分析无调性音乐中的初步概念；以及和声的垂直化（Chord Clusters）和音响碎片化的写作手法，旨在理解现代音乐中“不协和”如何成为新的稳定或结构元素。 第十八章：小型音乐体裁的结构精炼 本章关注器乐小品的结构精炼与情感表达。分析前奏曲（Prelude）的即兴性和功能性；间奏曲（Intermezzo）的抒情性与内在联系；以及圆舞曲、马祖卡等具有民族色彩的小舞曲的特定结构要求。通过对肖邦、德彪西等人的作品分析，展示如何在有限的篇幅内实现深刻的音乐意境和形式上的完整性。