跟巨匠学名画之所以成为名画的奥义（经典套装共2册） pdf epub mobi txt 电子书 下载 在线阅读 2026

产品特色

编辑推荐

　　名画为什么会是名画？
　　绘画大师的构图究高明在哪？
　　我该如何学习绘画构图？
　　本书以大师画作为例，用生动的语言讲述解名作的动人之处，让你领悟大师的构图诀窍！

内容简介

　　名画为什么会是名画？大师的作品的高明在哪里？问题的答案都在这本书中。这是一本有趣的绘画构图设计书，带你轻松学习绘画巨匠们的构图技巧。
　　全书分为5部分。首先讲解了名画之所以成为名画的3个条件，之后通过4个章节，以几十幅大师画作为例，分别讲解了名画构图的基本型、画面构图的元素、突出主体的方法和肖像画的构图要诀。每幅画作除了展示大师的构图技巧外，还举出另一种构图方案作为对比。读者通过阅读本书，能直观地感受到构图技巧的效果，深入理解其中的原理，并举一反三，在赏析其他作品时灵活地运用。
　　本书适合绘画爱好者和专业人士阅读使用，也可用作培训机构的授课参考书。

作者简介

　　内田广由纪，是日本知名的艺术教育家，主要研究画面的配色和构图，中文译作有《配色基础原理》等。

目录

① 版面率率 52
版面率低的时候可以表现宁静的效果
② 信息量 56
画面内容丰富的时候可以表现出热闹活跃的气氛
③ 非水平性 58
倾斜的构图可以让画面生动活现
④ 跳跃率 62
低跳跃率表现柔和稳重
⑤ 比例 64
比值高的画面更显时尚美丽
⑥ 疏密对比 66
对比而来充实
⑦ 曲直对比 68
突出曲线的优雅柔和
⑧ 锐钝对比 70
细锐而来的鲜明
⑨ 胖瘦性 72
瘦可以强调出纤细的效果
⑩ 人物的气度 74
气魄低时表现安静的精神性
?群组化 76
构图清晰是基础中的基础
??均衡 78
构图的稳定性也是基础技术
?重点 80
生动、轻快、爽朗
?视线的高低 82
降低水平线后视角会变窄
第3 篇 突出主角 84
绘画是由5 种角色和4 种布景所组成 86
① 中心位置要大而强 88
强调画面中的主角
② 减弱反面角色 90
增强主角在画面中的分量
③ 增色 92
让主角更加清晰明确
④ 扩大空间 96
强化弱势的主角
⑤ 集中视线 100
让视线集中在较小的主角身上
专栏 用视线来表现 102
主角是谁？
专栏 主角的表现特技 104
眼前一亮的构图
专栏 没有主角的3 种构图 106
全景型、均一型、分散型
专栏 用背景深化故事性 108
把想要表达的气氛清晰地传递出来
第4 篇 人体传递出的信息 110
人体表现出的信息“视线” 112
视线是表现情感的关键
① 相思和对决的视线 114
交叉表现出相思
② 诱导的视线 116
接受起始的视线，然后到结束
③ 美人回眸一般的多层视线 118
令人心跳的效果
④ 视线的后方 124
表现对过去的感谢
⑤ 视线的三种型式 128
对立、集中、分散
肢体语言“手脚” 130
手脚的收拢与放开
专栏 绘画追求的并不是画技水平的高低 132
梵高创作制的浮世绘
专栏 “不可思议的情景”在心中回想 134
暗示着表演的开始

艺术的殿堂：一部关于绘画史与鉴赏的深度探秘 这部卷帙浩繁的艺术通史，旨在为读者构建一个清晰、深入的西方绘画发展脉络，并辅以详实的个案分析，使其不仅能够“看”画，更能“懂”画。全书严格遵循时间顺序与艺术流派的演变逻辑，从古典主义的萌芽到现当代艺术的多元探索，力求展现艺术之为人类精神表达的深层意义。 第一卷：从神圣到人性的觉醒——文艺复兴至巴洛克 第一章：黑暗中的微光——中世纪晚期的过渡 本章首先回溯了拜占庭艺术的庄严与宗教色彩，指出其程式化表达如何成为早期艺术的基石。随后，笔锋转向14世纪的意大利，重点剖析了乔托（Giotto）在空间透视和人物情感表达上的革命性突破，探讨“人”开始重新进入艺术视野的社会文化背景——城市商业的兴起与人文主义思潮的酝酿。 第二章：文艺复兴的黎明——早期与盛期（15世纪初至16世纪初） 此部分是全书的基石之一。我们将细致考察佛罗伦萨画派的精湛技艺。马萨乔（Masaccio）的“科学透视”如何彻底改变了二维空间的描绘方式；波提切利（Botticelli）作品中对古典神话的重新演绎，体现了美第奇家族的文化品味与新柏拉图主义的影响。 盛期文艺复兴部分，聚焦于“三杰”： 达·芬奇（Leonardo da Vinci）： 不仅是天才的画家，更是科学的实践者。重点分析其“晕染法”（Sfumato）在营造神秘感和捕捉瞬间表情上的效用，剖析《蒙娜丽莎》的技术与心理深度。 米开朗基罗（Michelangelo）： 论述其雕塑家思维对绘画的影响，尤其在西斯廷天顶画中，如何将神圣叙事转化为宏大的人体史诗，探讨“扭曲”（Figura Serpentinata）的动感美学。 拉斐尔（Raphael）： 研究其如何在古典平衡与和谐中，达成教廷所需的理想化表达，分析《雅典学院》中构图的严谨与群像的个性化塑造。 第三章：北方的细腻与精神性 本章将视线转向阿尔卑斯山以北，考察尼德兰地区对油画媒介的掌握。凡·艾克（Jan van Eyck）的“油画光泽”技术如何实现前所未有的细节描摹，探讨《根特祭坛画》中隐藏的象征体系。随后，引入丢勒（Albrecht Dürer）对透视学和人体解剖的研究，对比意大利文艺复兴的宏大叙事与北方艺术对日常生活的虔诚观察。 第四章：信仰的张力——风格主义的过渡 随着盛期和谐的瓦解，欧洲进入一个充满焦虑的时代。风格主义（Mannerism）应运而生。本章分析帕尔米贾尼诺（Parmigianino）和丁托列托（Tintoretto）如何故意拉伸比例、使用非自然的光线和复杂的空间结构，表达对古典理想的质疑与不安。 第五章：光影的戏剧——巴洛克艺术的辉煌 巴洛克时期是情感表达的极致。卡拉瓦乔（Caravaggio）的“明暗对照法”（Tenebrism）如何通过极端的光影对比，将神圣事件拉入凡尘，创造出强烈的戏剧张力。同时，我们将深入探究欧洲其他中心的成就： 佛兰德斯： 鲁本斯（Rubens）对生命力、肉体与运动的赞颂，其饱满的色彩与动态构图。 西班牙： 委拉斯开兹（Velázquez）对真实光线和心理捕捉的登峰造极，特别对其作品《宫娥》中观察者与被观察者关系的探讨。 荷兰的市民艺术： 伦勃朗（Rembrandt）的内省与光线运用，如何将肖像画提升至对人内心世界的深刻挖掘。 第二卷：启蒙、革命与现代的开端——古典主义至印象派 第六章：理性的光芒与情感的回溯——新古典主义与浪漫主义 18世纪中期，启蒙运动推动了对古希腊罗马秩序的回归。大卫（Jacques-Louis David）以其清晰的线条和道德说教式的题材，成为新古典主义的旗手，探讨艺术在社会变革中的作用。 然而，这种过度理性引发了反弹。浪漫主义（Romanticism）强调直觉、情感、异域风情与对自然的敬畏。戈雅（Goya）对战争残酷性的揭露，德拉克洛瓦（Delacroix）对色彩与激情的运用，以及透纳（J.M.W. Turner）笔下自然伟力的不可抗拒，标志着艺术主体性的进一步转移。 第七章：工业时代的风景——现实主义的诞生 随着社会结构的变化，艺术家的目光转向了工厂、农田和普通工人。库尔贝（Gustave Courbet）高举“反对学院派”的旗帜，主张描绘“他能看见的”真实世界，即使它是粗粝和不美的。米勒（Jean-François Millet）的作品则展现了对劳动人民的同情与尊严。本章探讨现实主义如何挑战了传统艺术金字塔的等级制度。 第八章：色彩与光线的革命——印象派的诞生与发展 印象主义是艺术史上最引人注目的转折点之一。本章详细分析了户外写生（Plein Air）的实践如何改变了对色彩的理解。 莫奈（Claude Monet）： 聚焦于对特定时刻光影的捕捉，其对“瞬间印象”的执着如何使其作品从具象转向对光波的抽象探索。 雷诺阿（Pierre-Auguste Renoir）与德加（Edgar Degas）： 分别探讨了对现代巴黎生活场景（咖啡馆、剧院、舞会）的描绘，以及德加在借鉴日本浮世绘后对构图的革新。 第九章：印象后的探索——后印象主义的多元路径 印象派对客观光影的迷恋，促使下一代艺术家寻求更深层次的主观表达和结构重建。本章将介绍三位关键人物： 塞尚（Paul Cézanne）： 探讨他如何试图“用圆柱体、球体、圆锥体来处理自然”，为立体主义奠定了解构的基础。 梵高（Vincent van Gogh）： 分析其如何利用强烈的、非自然的面幅（Impasto）和扭曲的线条，将内在情感转化为视觉能量。 高更（Paul Gauguin）： 研究他对“原始性”的追寻，以及“色块”和平涂技法在表达象征意义上的潜力。 第十章：通往现代的桥梁 本章将初步介绍20世纪初的艺术先声，如象征主义的余波，以及野兽派（Fauvism）对色彩的纯粹解放（马蒂斯），为下一阶段的现代艺术爆发做好铺垫。全书在此处戛然而止，留下对“名画奥义”更深层次解读的广阔空间，引导读者在理解了历史脉络与技术演变后，自行进入对20世纪前卫艺术的思辨。 总结： 本书并非单纯的名人传记或技巧手册，而是通过对特定历史语境、哲学思潮和绘画材料的耦合分析，旨在揭示每一幅“名画”是如何在其诞生的时代，以其独特的方式回应了人类对美、真理和存在的永恒追问。读者将学习如何辨识构图的平衡、色彩的张力、以及笔触下隐藏的时代心声。