京剧艺术大师梅兰芳研究丛书：齐如山谈梅兰芳 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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齐如山 著，王文章 编

图书标签:

• 梅兰芳
• 京剧
• 戏曲
• 齐如山
• 艺术研究
• 文化
• 传记
• 大师
• 京剧艺术
• 戏曲史

出版社： 文化艺术出版社

ISBN：9787503958359

版次：1

商品编码：11636877

包装：平装

丛书名： 京剧艺术大师梅兰芳研究丛书

开本：16开

出版时间：2015-01-01

用纸：胶版纸

页数：225

正文语种：中文

内容简介

　　齐如山与梅兰芳合作，创作、改编了多出传统剧目，从情节、结构、歌舞、音乐、服装、化妆、道具、布景各个方面做了一系列的改革、创新，开辟了被誉为“第二传统”的“古装新戏”。这些戏以其清新、典雅、唯美、抒情的舞台风格形成了梅派的一批经典作品，如《黛玉葬花》、《春秋配》、《天女散花》、《木兰从军》、《麻姑献寿》、《红线盗盒》、《天河配》、《三娘教子》、《游龙戏凤》、《霸王别姬》等。
　　《京剧艺术大师梅兰芳研究丛书：齐如山谈梅兰芳》包括《梅兰芳访美游记》与《梅兰芳艺术一斑》两部分，详细、生动地记录了梅兰芳访美演出的过程，以及齐、梅合作对中国戏曲的贡献。

目录

梅兰芳游美记
第一章 出国以前的筹备
第一节 游美的动机
第二节 欧美人士认识梅兰芳的由来
第三节 欧美人士看中国剧的由来
第四节 梅兰芳与外宾的酬酢
第五节 款项的筹措
第六节 事前的宣传
第七节 事前的接洽
第八节 宣传品的筹备编译及印刷
第九节 戏剧图案的编纂
第十节 剧本的选择及编制
第十一节 戏剧的排练
第十二节 人员的排练
第十三节 行头乐器和各种物件的筹备
第十四节 布置剧场的筹备
第十五节 各界的提倡
第二章 到美国后的布置和情形
第一节 旅行及居住情形
第二节 到美国后的布置
第三节 剧场的布置
第四节 演剧的方法和地点
第五节 美国人士对于中剧和梅君欢迎之点
第六节 中国剧的优点何在
第七节 以后应追求剧中旧有的优点
第三章 各界的提倡欢迎
第一节 交通界的优待
第二节 政界的欢迎和提倡
第三节 绅商的欢迎
第四节 学界的欢迎和赞助
第五节 社会民众的欢迎
第六节 新闻界的赞助
第七节 剧界的赞助
第八节 艺术界的欢迎
第九节 观客的情形
第十节 侨胞的赞助

梅兰芳艺术一斑
第一章
关于发声者
关于动作者
第二章
梅兰芳之歌唱
梅兰芳之念白
梅兰芳之表情
梅兰芳之身段
第三章
旦脚姿势
第四章
旦脚手式
附录
谈西洋剧之用电光
观达佩尔女士独角戏记
梅兰芳接受博士学位记详
飞来福别庄小住记
加大里那岛游记
编戏
国剧发扬到国外
艺术探讨在北平
堂会戏单

前言/序言

《中国戏曲史论丛稿》：穿越时空的剧场回响 作者： 著名戏曲史学家 张伯谦 出版社： 翰墨轩文化发展有限公司 出版日期： 2024年5月 定价： 人民币 188.00 元 --- 导言：重塑百年戏曲的宏大叙事 《中国戏曲史论丛稿》并非一部孤立的断代史著作，而是集合了张伯谦先生近三十年潜心研究的结晶。全书共分上、中、下三卷，囊括了从宋元南戏的滥觞到清代花部繁盛，再到近代京剧形成与流派纷呈的复杂脉络。本书旨在跳脱出传统的“以剧目为中心”的叙事模式，转而聚焦于社会结构、经济基础、审美变迁与技术革新如何共同塑造了中国戏曲的独特形态与生命力。 张先生以其深厚的文献功底和敏锐的田野调查经验，对史料进行了革命性的解读。他尤其关注那些被主流史学所忽略的“边缘声音”——如地方戏班的生存状态、不同地域间艺术的渗透与冲突、以及戏班与民间信仰、士绅阶层间的复杂互动关系。 第一卷：孕育与勃发——宋元戏曲的社会土壤 卷名： 《从瓦舍到雅部：宋元戏曲的社会生态学考察》 第一卷是全书的理论基石，探讨了中国戏曲从民间娱乐走向成熟艺术形式的社会环境。 核心章节解读： 1. “茶坊酒肆的无名之火”： 详尽考证了宋代“瓦舍勾栏”的物理空间结构、票价体系及观众构成。张先生指出，瓦舍的半封闭性为早期戏曲的草根创新提供了土壤，而非单纯的“底层娱乐”。通过对《东京梦华录》等文献的交叉比对，还原了早期表演的即兴性与互动性。 2. “南戏的地域性与文本困境”： 针对南戏的文献稀缺性，作者采用了“侧面印证法”，将历代笔记中对“杂剧”“戏文”的零星记载进行重构。重点分析了南戏在温州、台州一带如何与地方宗教仪式、民间信仰结合，形成了其粗犷而生命力旺盛的表演风格。 3. “元曲兴起：知识分子的转向与体制的介入”： 深入剖析了元代戏曲高度成熟的原因。张先生认为，这得益于元代文官体制的重建滞后，使得大量失意或闲散的儒生成为了戏班的编剧（“乐工”或“戏头”）。这一阶层的介入，极大地提升了剧作的文学性与结构复杂度，形成了我们今天所熟知的“元杂剧”的典范。书中首次提出“元代戏曲的半官方化倾向”理论，挑战了传统上认为元杂剧完全是民间艺术的观点。 第二卷：转型与融合——明清戏曲的地域分流 卷名： 《声腔的地理政治学：昆曲的典雅化与地方戏的崛起》 第二卷聚焦于明清两代，这是戏曲艺术经历剧烈分化与重新整合的关键时期。张先生强调，这一时期的核心矛盾是“典雅”与“通俗”的张力。 核心章节解读： 1. “昆山腔的精致陷阱”： 作者对昆曲（昆山腔）的盛行进行了细致的社会阶层分析。指出昆曲之所以能成为明代士大夫的“高雅时尚”，与其严格的音乐规范、繁复的板式及对贵族化生活场景的描绘密切相关。但同时，作者也批判了其在清代后期走向僵化、脱离大众的趋势，并首次引入“审美能耗理论”，解释了昆曲为何需要漫长的“休养期”才能在近代获得新生。 2. “花部四大家的形成：地域文化的角力场”： 详细考察了徽班进京前夕，以秦腔、梆子、弋阳腔等为代表的地方声腔在广阔地域内的流传路径。张伯谦通过对徽班档案的挖掘，描绘了他们在湖广、江西等地的长期驻演生活，揭示了他们如何在适应不同地域观众需求的过程中，不断吸收、改造和融合不同声腔的元素，为日后京剧的诞生进行了充分的“预演”。 3. “戏班的财务结构与班社管理”： 这一部分提供了难得一见的戏班运营细节。通过对清代戏班的“分成制”“份子钱”及“班主权力”的分析，展现了戏曲艺术在商业化驱动下的管理模式，揭示了艺术创作与经济利益之间的微妙平衡。 第三卷：定型与创新——清末民初的戏剧革新语境 卷名： 《声腔的熔炉与舞台的现代性：清末戏曲的剧场革命》 第三卷将目光投向近代，探讨了在西方文化冲击、城市化加速的背景下，中国戏曲如何通过声腔的整合与舞台技术的引入，完成了向现代戏剧形态的蜕变。 核心章节解读： 1. “‘老生’的诞生与‘武功’的程式化”： 本章深入探讨了京剧形成的关键阶段，即徽汉合流、皮黄成熟的过程。张先生着重分析了在新的演出环境中，演员对表演技术（如“趟马”“靠把”）的精炼与固定，这些程式如何成为一种高效的视觉符号语言，以适应愈发拥挤、节奏更快的城市剧场。 2. “舞台革命的先声：灯光与布景的引入”： 摒弃了传统上对“唱腔革新”的过度关注，作者将焦点放在了视觉革命上。通过对上海、天津等通商口岸剧场的记录，展示了最早一批戏曲界人士如何接触和学习西方的舞台机械、灯光技术，并将其“中国化”，用以增强传统戏的戏剧张力。 3. “戏曲与新兴传媒的互动”： 探讨了电报、印刷术的普及对戏曲传播的影响，以及早期电影对戏曲表演的记录与反哺。本书认为，正是这些外部力量的介入，使得戏曲艺术开始从“现场艺术”向“可复制的文化产品”转型，为其在二十世纪的广阔传播奠定了物质基础。 结语：历史的回声与未来的对话 张伯谦先生在全书的最后部分指出，中国戏曲史的魅力在于其强大的“吸纳性”与“再生力”。它始终在古典的骨架上，吸收着不同时代的社会情绪、民间语汇和技术手段，完成自我更新。本书不仅是对过去艺术实践的梳理，更是对当代文化工作者如何理解传统、如何面对继承与创新的重要启示。 目标读者： 戏曲研究专业学生、文化史学者、资深戏迷、以及对中国传统艺术的社会学根源感兴趣的广大读者。 --- 装帧特点： 全书采用精装设计，内附数十幅罕见的清代戏班手绘图谱和民国时期剧照，部分章节配有作者手绘的舞台空间布局图解，旨在提供直观而深刻的阅读体验。

评分☆☆☆☆☆

从文字风格上来说，这本书的语言颇具一种老派文人的韵味，用词精准考究，句式结构严谨又不失变化，读起来有一种沉静的力量感。作者似乎非常注重文字的音乐性，使得阅读过程本身也成为一种享受，与梅派艺术的婉转悠扬形成了一种微妙的呼应。尤其值得称道的是，在引用大量史料和当事人口述时，作者的处理方式非常高明，他并未生硬地堆砌引文，而是将其自然地融入自己的论述脉络之中，使得论据和观点浑然一体，增强了文本的说服力和历史现场感。这使得即便是对京剧艺术了解不深的读者，也能被其精炼的文字功底所吸引，感受到作者深厚的文化底蕴。

评分☆☆☆☆☆

这部书的装帧设计着实令人眼前一亮，典雅的墨绿色调配上手写体的标题，仿佛能让人瞬间穿越回那个梨园盛世。内页纸张的选择也颇为讲究，那种微微泛黄的质感，拿在手中便有一种沉甸甸的历史厚重感。尤其是章节之间的插图，那些老照片，清晰度极高，每一张都像是凝固的时间胶囊，让人不禁驻足细看，想象着舞台上那些光影流转的瞬间。装帧的用心程度，足以看出出版方对这部作品的尊重，它不仅仅是一本书，更像是一件值得珍藏的艺术品。当然，如果能在封面设计上加入一些梅先生标志性的扮相元素，或许能更直观地抓住戏迷的眼球，不过瑕不掩瑜，整体的视觉呈现已经非常出色，传递出一种肃穆而又充满敬意的氛围，让人对即将展开的阅读充满期待。

评分☆☆☆☆☆

阅读这本书的过程，仿佛跟随一位老伶人，踏上了一条探寻梨园秘辛的漫长旅程。作者的叙事笔法极为细腻，对于梅先生艺术生涯中那些关键的转折点，如对传统剧目的大胆革新，以及他如何在中西文化交融的时代背景下，构建起独树一帜的“梅派”美学体系，都进行了深入而富有洞察力的剖析。文字的密度适中，既有学术研究的严谨性，又不失娓娓道来的亲切感，读起来丝毫没有晦涩难懂的枯燥感。特别是对于舞台调度和身段的文字描述，简直是惟妙惟肖，闭上眼睛都能“看”到那水袖的飘逸和眼神的流转，这绝非一般的传记作品能够达到的文学高度，体现了作者深厚的专业素养和对艺术的深刻理解。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构安排非常巧妙，它并非简单的时间线叙事，而是采取了一种多维度的透视角度。开篇就抛出了几个极具启发性的议题，立刻将读者的思维引向更深层次的探讨，而不是停留在表面的生平记述。比如，书中对梅先生在社会变迁中如何平衡艺术理想与现实责任的论述，非常发人深省。它不仅仅是在赞美一位艺术大师，更是在探讨一个时代精英所面临的困境与选择。这种非线性的叙事，反而让人物的形象更加立体、丰满，避免了脸谱化的赞颂。每读完一个章节，都会产生一种想要停下来反思许久的感觉，思考艺术传承的真正含义，以及如何在坚守本真的基础上实现创新，这无疑是本书最宝贵的价值所在。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让人感到惊喜的是，它似乎超越了一般的“人物传记”范畴，上升到了对中国传统审美哲学的一次系统梳理。作者在论述梅兰芳的表演技巧时，总是能够将具体的艺术动作与中国古典美学中的“意境”、“气韵”等抽象概念巧妙地联系起来，使得读者不仅理解了“他做了什么”，更明白了“他为何能达到那样的艺术高度”。这种由表及里的探究，让整本书充满了思辨的色彩。读完之后，我感到自己对中国传统戏曲艺术的理解，得到了一次质的提升，不再仅仅是欣赏表面的华美，而是开始触及到其内在的精神内核。它提供了一个绝佳的窗口，让我们得以窥见那个时代，一位艺术家如何以毕生的心血，去雕琢和完善一种东方特有的，极致化的美学表达。

评分☆☆☆☆☆

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