基本信息
书名:表演艺术教程:演员学习手册
定价：29.80元
作者：林洪桐
出版社：中国传媒大学出版社
出版日期：2000-03-01
ISBN：9787810048293
页码：564
版次：1
装帧：平装
开本：32
商品重量：0.522kg
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《表演艺术教程(演员学习手册)》由林洪桐所著，对表演实践（操作性）与理论；教学与创作；传统与现代；基础与创新；话剧表演与电视表演；中国表演教学与前苏联表演教学，以及英美表演教学体系等内容进行了系统论述。本书是一本优秀教材，曾多次获奖。
内容提要
本书对表演实践（操作性）与理论；教学与创作；传统与现代；基础与创新；话剧表演与电视表演；中国表演教学与前苏联表演教学，以及英美表演教学体系等内容进行了系统论述。本书是一本优秀教材，曾多次获奖。
目录
序言
引言 ��
绪论 ��
上篇 表演理论篇
第一章表演作为一门艺术
一表演的实质
演员与角色的统一
三位一体
双重生活——两个自我
表演天性与游戏感
体验表现匠艺
斯派梅派布派
二表演的基础元素
注意力集中
肌体控制
真实感与信念
想象
第二章舞台人物形象的创造〖HT〗〖JY〗
第三章影视人物形象的创造��
第四章几篇当代电影表演的论文
下篇教学实践篇��
第一章表演基础教学
第二章舞台人物形象的塑造��
第三章影视实践与论文撰写��
附录一表演理论专著索引
附录二表演〖ZK(〗理论、评论部分文章索引〔1952—1998〕
代跋
后记
作者介绍
林洪桐，1937年生，福州市人。1960年毕业于北京电影学院表演系，现任北京电影学院教授、院务、学术、艺术委员会委员。青年电影制片厂导演。中国艺术研究院影视培训中心艺术总监。另中国电影家协会、电影导演、文学、评论学会等会员，中国电影表演学会副会长。
《舞台的秘密：从身体到心灵的表演艺术探索》 图书简介 本书旨在为对表演艺术抱有浓厚兴趣的初学者和希望提升技艺的进阶者提供一套全面而深入的理论与实践指南。我们深信，真正的表演艺术并非仅仅是模仿生活，而是对人类经验的深刻洞察、对情感的精准捕捉，以及对自我表达的无尽探索。 本书的结构精心设计，循序渐进地引导读者穿越表演艺术的复杂领域，从最基础的身体控制与发声技巧，到高阶的情感调动与角色构建，再到舞台呈现的整体把握。我们力求构建一座坚实的桥梁，连接理论的深度与舞台的实践，让晦涩的艺术概念转化为可操作的训练方法。 第一部分：身体的觉醒与基础塑形 表演的基石在于演员的“工具”——身体。本部分将重点探讨如何解放被日常习惯束缚的身体，使其成为一个敏感、灵活且富有表现力的载体。 1. 身体的感知与释放： 我们将从基础的身体扫描和放松练习入手，教授如何识别并消除肌肉中的不必要张力。这不仅仅是物理上的放松，更是一种对自我身体边界的重新认知。我们会引入源自梅尔兹和拉班动作分析的元素，教导读者如何清晰地界定动作的重量、时间、空间和流动性，理解“如何移动”比“移动什么”更为关键。深入探讨身体的“中心点”及其在舞台上的平衡感和指向性，这对于构建舞台形象的稳定性和力量至关重要。 2. 呼吸与声音的科学： 声音是情感的直接载体。本书将详细剖析正确的呼吸机制，摒弃浅层胸腔呼吸的弊端，转而强调腹式和膈肌呼吸的深度与控制力。我们将提供一系列针对性的发声练习，旨在拓宽音域、增强音量、提升音质的穿透力，同时保护声带。重点内容包括元音的清晰化训练、辅音的咬合精准度，以及如何根据不同的角色和情绪状态，调控声音的音色、速度和节奏，使声音成为情绪的自然流淌。 3. 舞台运动学： 舞台空间并非一个简单的平面。本章将教授如何有效利用舞台空间，理解舞台的方位（上、下、左、右、中）对观众感知的影响。我们将探讨走位（Blocking）的艺术性，如何通过步伐的快慢、轻重和方向变化，揭示人物的内心世界和权力关系。特设章节专门讨论非语言交流的力量，包括面部表情的细微变化、眼神的聚焦与散焦技术，以及如何让身体的姿态本身成为一种叙事语言。 第二部分：心灵的触碰与情感的激活 表演的核心魅力在于情感的真实性与感染力。本部分着重于挖掘演员的内心世界，学习如何安全、有效地提取和运用情感资源。 4. 记忆与想象力的构建： 成功的表演需要演员能够调动内在资源。我们将深入研究情感记忆（Affective Memory）的审慎运用，强调其局限性与替代方案。重点在于培养强大的替代性想象力（Substitution and Imagination），学习如何通过构建具体、可感知的外部环境和情境，来激发真实的情感反应。这要求演员掌握“当下性”（Being in the Moment）的技巧，将注意力完全聚焦于舞台的即时情境。 5. 情感的层次与过渡： 真实的人生情感是流动的，而非静止的。本书提供了一套分析情感轨迹的方法，帮助演员理解和表达情感的复杂性、矛盾性以及微妙的过渡。我们将讨论如何处理强烈情感爆发前后的“间隙”与“后效”，避免表演的平面化。对于核心情绪（如恐惧、愤怒、爱、悲伤）的内在触发机制进行细致解析，并提供个性化的排练工具。 6. 潜台词的艺术： 剧本的文字只是冰山一角，水面下涌动的是潜台词——人物在说话时真正想表达的内容。本章将聚焦于文本分析，教会演员如何通过分析对话的节奏、停顿、重复和选择性遗漏，来挖掘角色未说出口的动机和欲望。我们会通过场景分析练习，强化演员对“行动动词”（Action Verbs）的捕捉能力，确保台词的输出是基于强烈的内在驱动。 第三部分：角色塑造与戏剧结构 优秀的表演需要与剧本的宏大结构紧密结合。本部分将带领读者进入角色的内心世界，并将其放置于戏剧的整体脉络中进行考量。 7. 角色分析的深度透视： 我们将超越传统的人物小传（Biography）的表面描述，采用更具动态性的角色结构分析法。重点在于界定角色的核心“驱动力”（Driving Need）、“障碍”（Obstacle）以及在特定情境下的“选择”（Choice）。我们将探讨角色在剧目不同阶段的“转变弧线”（Transformation Arc），理解角色如何被事件塑造并最终做出决定。 8. 动机与目标的确立： 每一个舞台行为都必须有明确的动机。本章教授如何为角色的每一个行动、每一句台词确立清晰、可实现的舞台目标（Objective）。目标必须是积极的、行动导向的，并需要区分“终极目标”与“阶段性目标”。我们将演示如何通过不断的“目标叠加”和“目标升级”，来维持表演的内在张力与新鲜感。 9. 戏剧性冲突与节奏控制： 戏剧源于冲突。本书详细分析了不同类型的冲突（人与人、人与自我、人与环境）在舞台上的呈现方式。同时，探讨了如何与对手演员建立有效的“给予与接收”（Give and Take）关系，这是实现真实互动的基础。节奏控制方面，我们将讨论如何根据场景的紧张度，调整对话的速度、停顿的长度和身体的反应速度，以最大化戏剧的感染力。 第四部分：排练、技术与舞台呈现 表演艺术的最终实现离不开严谨的排练过程和对舞台技术的理解。 10. 排练的有效性： 排练不应是机械的重复，而应是持续的发现过程。本章提供了从首次阅读到技术彩排的系统化排练流程建议。强调“问题导向式排练”，即每次排练都应针对性地解决特定的技术或情感难题。同时，鼓励演员在排练中保持开放的心态，接受导演的建议，并学会自我观察与记录。 11. 舞台技术元素的应用： 现代舞台表演离不开灯光、音效和布景的配合。演员需要理解这些技术元素是如何被用来强化或干扰其表演的。我们将讲解灯光设计对演员面部表情和空间感知的影响，以及如何利用音效的变化来增强角色的情绪环境。这有助于演员在技术走位和彩排中，更精准地掌握表演的外部条件。 12. 独白与即兴的平衡： 本书最后部分将回归到对个体表达能力的训练。我们提供了深入的独白解析方法，教导演员如何从文本中提取最核心的动机，并在有限的时间内完成角色的完整陈述。同时，即兴表演（Improvisation）被视为维持创造力与反应活力的重要手段。通过一系列结构化即兴练习，帮助演员在面对突发状况时，依然能保持角色的内在逻辑与舞台的开放性。 结语：表演作为一种生活方式 表演艺术的旅程是无止境的。本书不仅是技能的传授，更是一种对“观察世界”和“感受自我”的哲学引导。通过对本书所提供方法的持续实践与反思，读者将能够构建起一套扎实的表演体系，使每一次舞台呈现都成为一次真诚而深刻的人性交流。
翻开这本书的目录，我就能感受到编排者的良苦用心，它不像许多教材那样只是机械地罗列知识点，而是似乎在引导读者进行一次探索之旅。我推测，作者一定在教学一线积累了丰富的经验，才能如此精准地把握学习者的痛点和需求。我特别期待关于“角色分析”的那几个章节，那往往是区分“业余”与“专业”的关键所在。一个好的分析能让演员在舞台上拥有超越文本的深度和层次感，让人物活起来。我希望这本书能教会我如何挖掘文本背后的潜台词和人物动机，让每一次表演都充满生命力。