影视视听语言(第2版) pdf epub mobi txt 电子书 下载 在线阅读 2026

作  者:张菁；关玲 著 定  价:35 出 版 社:中国传媒大学出版社 出版日期:2014年02月01日 页  数:222 装  帧:平装 ISBN:9787565708237 张菁编著的《影视视听语言(第2版21世纪电视文艺编导专业系列教材)》为广播电视编导专业本科生基础教材，采用理论结合影片实例分析的方法，具体讲解影视视听语言包括的画面造型语言、剪辑以及声音和画面的关系等。全书结合近期新案例，充分考虑学生的接受能力和实践能力，适合本科生专业学习。 ●绪论 光影声色世界的语言假说
● 画面造型语言
● 景别
●第二节 景深与焦距
●第三节 角度
●第四节 视点
●第五节 构图
●第六节 光线
●第七节 色彩色调
●第二章 镜头形式
● 固定镜头
●第二节 运动镜头
●第三节 长镜头
●第四节 场面调度
●第三章 剪辑和蒙太奇
● 剪辑工作的意义
●第二节 电影叙事的剪辑形式――经典剪辑
●第三节 苏联蒙太奇理论
●第四节 风格化剪辑
●第五节 匹配的剪辑
●部分目录

内容简介

张菁编著的《影视视听语言(第2版21世纪电视文艺编导专业系列教材)》旨在帮助喜爱影视编导专业的读者尽快建立专业思维，培养分析和创作影像作品的基本功，靠前版自出版以来已重印11次，获得了很好的市场反应。
本次修订时考虑和尊重了读者的反馈意见，在靠前版基础上调整了某些框架，修改了一些内容，增加了大量片例，《影视视听语言(第2版21世纪电视文艺编导专业系列教材)》以期为使用本教材的教师和同学们提供更新、更严谨的知识。

电影的结构与诗意：探索光影叙事的深度美学 一本关于电影理论、美学分析与创作实践的深度指南 --- 导言：超越屏幕的凝视 本书旨在为电影爱好者、学生以及专业从业者提供一套系统且深入的理论框架，用以解构和欣赏电影艺术这一复杂而迷人的媒介。我们不满足于停留在对技术层面的简单描述，而是力求挖掘隐藏在蒙太奇、景别、运动和声音背后的深层文化意涵、叙事逻辑与情感张力。电影，作为一种综合性的艺术形式，其力量不仅在于“它说了什么”，更在于“它如何说”。 本书将引领读者从“被动接受”转向“主动解码”，理解每一帧画面、每一次剪辑选择背后蕴含的创作者意图，以及这些选择如何精准地作用于观众的心理感知。我们将把电影视为一种结构精密的语言，探讨其语法、修辞及其在不同文化语境下的演变。 --- 第一部分：电影的物质性与结构基础 (The Materiality and Foundational Structure) 本部分聚焦于构成电影经验的基本元素及其组合方式，奠定坚实的理论基石。 第一章：光影的物质性——摄影机与物理现实的协商 电影的起点是光。本章深入探讨摄影机如何将三维世界的连续性转化为二维平面的时间序列。我们详细分析了焦距、光圈、景深对空间感和主题强调的决定性影响。从广角镜头的扭曲与沉浸感，到长焦镜头的压缩与疏离，再到超现实的移轴效果，每一种光学选择都是一种叙事宣言。 我们特别关注曝光、感光度与色彩科学在营造氛围和表达心理状态中的作用。如何通过冷暖色调的对比，暗示人物的内心冲突？如何利用高光和阴影的分布，构建“光明”与“黑暗”的象征体系？本章将结合经典案例，展示光学选择如何从技术层面跃升为美学层面。 第二章：空间的构建：场域、景别与运动的几何学 电影空间并非自然环境的简单记录，而是被精心构建的“场域”。本章细致剖析了不同景别（特写、中景、全景等）如何界定人物与环境的关系，以及它们在叙事中承担的信息密度和情感权重。 运动是电影的灵魂。我们对摄影机运动（推、拉、摇、移、跟拍、手持等）进行了详尽的分类与功能分析。运动不仅是场景的转换工具，更是角色情绪的延伸和叙事节奏的调节器。例如，一段平稳的轨道推镜头如何营造“不可抗拒的宿命感”？一次突然的手持晃动又如何瞬间打破观众的沉浸，引入焦虑和不确定性？本章力图将运动转化为一种可读的“语法”。 第三章：时间的艺术：剪辑的逻辑与非线性叙事 剪辑是电影制作中最具魔力的环节，它定义了电影的时间观。本章的核心是蒙太奇理论的现代应用。我们追溯了爱森斯坦的“碰撞式蒙太奇”与库里肖夫的“心理蒙太奇”的经典原理，并将其置于当代叙事语境下进行审视。 除了传统的叙事剪辑（连续性剪辑），我们重点探讨了节奏剪辑、主题剪辑和非线性叙事结构（如闪回、闪现、碎片化时间）对观众认知的影响。如何通过不规则的剪辑点来制造悬念或表达创伤记忆的破碎性？本章将引导读者理解“剪辑点”的精确选择如何重塑我们对事件顺序和因果关系的认知。 --- 第二部分：声音、叙事与感知 (Sound, Narrative, and Perception) 声音是常常被低估的电影要素。本部分将声音提升到与画面同等重要的地位，探讨其如何与视觉元素交织，共同完成叙事的复杂任务。 第四章：不可见的力量：电影声音的设计与层次 电影声音远不止对话和配乐。本章系统地解构了声场的构建，从画内声（Diegetic Sound）到画外声（Non-Diegetic Sound）的划分，以及它们之间的动态关系。 我们深入分析了音效设计（Sound Design）的复杂性，包括环境音的层次叠加（Soundscape）、拟音的艺术性，以及特定音效（如心跳、呼吸声）如何成为叙事焦点。如何利用声音的立体感、空间方位感来定位观众的视角？如何通过声音的缺失（寂静）来制造极端的心理压力？ 第五章：音乐的隐形叙事者：情绪的编码与解码 电影音乐不仅仅是背景装饰，它是一种强大的情感暗示工具。本章着重探讨电影配乐的结构功能：它如何预示情节转折（Foreshadowing）、强化人物主题（Leitmotif），以及在没有对白的情况下推动情节发展。 我们将比较学院派交响配乐与现代电子、环境音乐在营造氛围上的差异，并分析风格的混搭如何服务于特定类型的电影（如黑色电影的爵士乐、科幻片的环境电子乐）。本章强调识别音乐何时在“说谎”，何时在“揭示真相”。 第六章：视听的交响：同步、非同步与感知错位 真正的电影魔力发生在视听元素交汇的瞬间。本章的核心在于探讨视听同步（Synchronization）与非同步（Asynchronization）的运用。 当声音与画面完美契合时，增强了现实感；而当声音与画面故意错位（如人物口型与声音延迟，或画面内容与背景音乐的巨大反差）时，则能产生强烈的疏离感或讽刺效果。本章通过对特定场景的细致解剖，展示创作者如何通过这种“失调”来引导观众进行更深层次的哲学或情感思考。 --- 第三部分：风格、类型与文化语境 (Style, Genre, and Context) 电影艺术的表达是多元的，本部分将分析风格的形成、类型的运作规律及其在特定文化环境中的意义。 第七章：风格的指纹：导演的作者论与视觉签名 每位伟大的导演都拥有一套可识别的“视觉指纹”。本章探讨作者论（Auteur Theory）在当代电影批评中的延续与发展。我们分析了特定导演如何在其作品中一贯地使用某种景别偏好、光线设置、空间调度或叙事节奏，从而形成独特的风格签名。 我们将从形式主义的角度出发，考察风格如何超越内容，成为作品本身的主题。例如，某位导演对对称构图的痴迷，是否反映了其对秩序或控制的内在追求？本书鼓励读者建立“风格档案”，去识别并解析这些隐藏在表象之下的创作驱动力。 第八章：类型的解构与重塑：叙事模板的潜能 电影类型（Genre）是观众期待与创作者框架的结合。本章对主要的电影类型（如西部片、黑色电影、科幻片、恐怖片）的核心符号、结构惯例和意识形态基础进行深入剖析。 我们不仅要学习如何识别类型特征，更要研究当创作者如何“打破”或“混合”这些类型时所产生的张力与创新。例如，将黑色电影的视觉风格融入浪漫喜剧，会产生怎样的解构效果？类型是限制，也是解放叙事潜能的跳板。 第九章：图像政治学：电影中的意识形态与权力景观 电影是社会意识形态的重要载体。本章转向更宏观的批判性分析，探讨电影如何再现、挑战或固化社会中的权力结构、性别角色和种族观念。 我们将考察“凝视”（The Gaze）的概念，分析谁在看？谁被展示？以及这些视角背后的权力关系。无论是对殖民历史的批判性反思，还是对当代消费文化的审视，本章旨在装备读者批判性地解读银幕图像背后的政治含义，理解电影作为一种文化“景观”的社会责任与影响。 --- 结语：持续的对话 电影艺术永无止境。本书提供的理论工具和分析方法，旨在激发读者对每一部新作品的深刻好奇心和严谨态度。真正的学习发生在影院内外的持续观察与思考之中，在每一次对光影、声音和时间的审慎解码之后。我们希望，读者能带着更敏锐的眼睛和更深邃的理解，继续与电影进行这场永恒的对话。