武满彻和声技法研究 [A Study of Takemitsu' Harmonic Techniques] pdf epub mobi txt 电子书 下载 在线阅读 2026

内容简介

《武满彻和声技法研究》在当前国际上研究成果的基础上，结合作者本人作为中国音乐学者的独特视角，对武满彻不同时期作品的和声语言及其结构特征进行深入研究。通过对武满彻个性音乐语言进行整体性的研究，追踪作为20世纪现代作曲家武满彻对西方音乐，特别是对法国“印象派”音乐和声技法的继承与发展轨迹；探寻作为立足于本民族传统音乐土壤的日本作曲家的武满彻，在世界音乐语境中对民族传统音乐语言元素的吸收与创造。另外，借助于东西方的相关作家和作品的纵、横向联系与比较，并与其所处的独特文化、审美背景相结合，力求勾勒出武满彻在其所处时代的历史定位，从而对武满彻和声技法的发展脉络予以更加清晰地理解和认识。

内页插图

目录

绪论
第一节 研究现状
第二节 研究目的和意义
第三节 研究方法
第四节 生平简介与创作分期
第五节 武满彻音乐风格简述
上篇 武满彻的和声技法
第一章 武满彻作品中的音组织结构
第一节 音列
一、三音列——动机式音列
二、四音列
三、五音列
四、六音列——全音音阶
五、七音列
六、八音列——梅西安有限移位调式
七、十二音音列
第二节 音列的多重复合
小结
第二章 和弦结构
第一节 带分裂和弦音的三度叠置
第二节 以四度为基础的叠置和弦
第三节 音列纵和性和弦
第四节 分层和弦
第五节 附加音和弦
小结
第三章 和声序进
第一节 和声的动机与主题
第二节 影响和声进行的几个因素
一、重复状态中的和声变异
二、低音进行
三、中心和弦
第三节 和弦之间声部进行的特点
一、平行式
二、平滑式半音推移
三、模进式进行
第四节 段落间的和声布局
一、终止和弦的习惯用法
二、远距离功能性呼应
小结
第四章 织体构成
第一节 主要织体形式
第二节 低音声部
一、游移和分离
二、持续低音（中心音）
第三节 织体层化
一、自律性部分移位
二、限定音高的场
第四节 协和三和弦的隐蔽用法
小结
第五章 音响的色彩与张力
第一节 音程数量与和声浓度
第二节 透明和声音响的处理法
一、密集音响的缩略和精简
二、八度或同度音的插入
三、不协和音程的宽排列范式
第三节 声部排列与音域调配
一、声部的数量总体上渐次递减和递增
二、单一声部以音程为单位渐次宽展和紧缩
小结

中篇 三首作品的综合分析
第六章 《妖精的距离》
第七章 《鸟儿降落在星形庭院》
第八章 《祈祷》
小结

下篇 纵横向的影响与比较
第九章 20世纪和声技法概述
第一节 广义的调性原则与纵向和弦结构的高度自由化
第二节 对协和与不协和概念的认知
第三节 音响关系的逻辑性统一
第四节 和声色彩的本质及表现
第五节 通往20世纪后三分之一时期的和声技法的新道路
第十章 德彪西、梅西安的和声思维对武满彻的影响
第一节 武满彻与德彪西
第二节 武满彻与梅西安
第十一章 武满彻与同时代日本作曲家及传统音乐的联系
第一节 武满彻与同时代日本作曲家
一、武满彻与三善晃
二、武满彻与黛敏郎
第二节 武满彻与日本传统音乐
小结
结论
参考文献
附录一：武满彻音乐作品目录
附录二：音阶一览表
附录三：20世纪日中部分作曲家
后记

精彩书摘

关于武满彻创作的分期，目前主要有两种分法，即两期分法与三期分法。槽崎洋子把武满彻的创作划分为两个时期：以《两首慢板》（1950）即50年代初至70年代末为第一期，即“从前卫性风格到保守性风格的转变”时期；1980年以后则为第二期：全音阶性的旋法、和声音响、调性回归。小沼纯一①更加具体地把《四行诗》看作从禁欲主义（stoicism）到爱欲主义（eroti-cism）的转变。有些研究者，如船山隆将武满彻的创作划分为“初期一中期一后期”这样简单明了的三个时期，但没有明确的年代界定。此外，宫本贤二郎在此三期的基础上，还认为存在着两个过渡时期或者叫风格转换期。第一个转换期以1957年的《弦乐安魂曲》的诞生为标志；而将1973、74年间的《秋庭歌》（雅乐）作为第二个转换期来认定。英国研究武满彻的学者皮特·巴特（PeterBurt）博士把武满彻的创作划分为三个时期：
第一期：从民族主义到现代主义的转型。约从1951年至1960年左右，即以《两首慢板》至《弦乐安魂曲》为代表的年代之间。
第二期：现代主义实验的时期。约从1961年至1975年左右，即从《树之曲》至《四行诗》为代表的年代之间。这一时期，武满彻更多受到了西方现代音乐技法的广泛影响，如音块写法、图形谱、偶然音乐等。
第三期：新浪漫主义时代。约从1977年至1995年左右，即以《鸟儿降落在星形庭院》至《怪》（1994）为代表的年代之间。这个时期以“调性的海”为代表风格。
……

前言/序言

音乐结构与和声理论的深度探索：一部综合性乐理研究 本书旨在为音乐学习者、研究者以及专业音乐家提供一部全面、深入的音乐结构与和声理论研究专著。全书严格立足于西方古典音乐传统，同时兼顾近现代和声发展的前沿趋势，构建起一个严谨而富有启发性的理论框架。本书不聚焦于任何特定作曲家的技法分析，而是致力于阐明普适性的和声原理、结构组织及其历史演变脉络。 第一部分：和声基础与功能理论的重构 本书首先对西方音乐的基石——调性系统进行了细致的剖析。不同于停留在基础课程的表面介绍，本部分深入探讨了调性在不同历史阶段（从中世纪的教会调式到巴洛克、古典主义时期的主调体系）的演变机制。 第一章：调式与调性的生成 本章从音高集合和音程关系出发，阐释了自然音阶、大小调的数学基础。重点讨论了“功能和声”概念的形成，即通过听觉感知和声的稳定（T）、导向（D）和离导（S）作用来理解调性中心的建立与维持。通过大量的实例分析，展示了如何区分不同调式在色彩和情绪上的细微差别，为后续的复杂和声分析打下坚实基础。 第二章：三和弦的精微分析与七和弦的扩展 本书详细梳理了所有基本的、可构建的三和弦结构（大、小、增、减），并系统地探讨了其在和声进行中的作用。随后，重点转向了七和弦的系统化研究，包括属七和弦的解决规则、导七和弦的替代性，以及各种九和弦、十一和弦和十三和弦的结构特点和听觉效果。特别关注了“减七和弦”在转调和模糊调性方面的多功能性应用。 第三章：和声进行中的非功能性要素 认识到并非所有和声进行都严格遵循传统功能和声的T-D-S模式，本章探讨了和声色彩的非功能性运用。这包括了平行和声进行（Parallelism），即和声声部保持相同音程关系进行移动的现象，以及和弦的“音色化”使用，即将和弦视为纯粹的音响块而非功能单元进行布局。探讨了在古典和浪漫主义音乐中，和声的色彩性增强如何预示着调性瓦解的趋势。 第二部分：拓展和声：从浪漫主义到现代主义的过渡 本书的第二部分将视角投向了十九世纪中叶至二十世纪初，音乐语言如何突破传统框架，为现代音乐的出现铺平道路。 第四章：半音化与和声的模糊化 本章是理解浪漫主义晚期音乐的关键。深入分析了“半音化和弦”（Chromatic Harmony）的构建方式及其在调性中心暂时性漂移中的作用。重点讲解了如“那不勒斯六和弦”（Neapolitan Sixth Chord）、“增六和弦”（Augmented Sixth Chords，包括德、意、法式）等如何通过引入调外音色，极大地扩展了和声的可能性。通过分析这些和弦的结构特性，阐明它们如何服务于宏大、抒情的音乐表达。 第五章：基于音高的和声（Pitch-Class Set Theory的早期形态） 本章介绍了一种超越传统调性框架的分析工具，即以音高集合而非功能关系来审视和声。探讨了集合类理论（Set Theory）的基础概念，如全音阶、八度音列（Octatonic Scale）和五声音阶（Pentatonic Scale）在构建特定和弦群中的潜在结构。虽然不深入到集合论的复杂数学推导，但强调了这些非传统的音高组织方式如何产生新的和声张力与解决。 第六章：复调对位与和声的交织 本部分强调了和声并非孤立存在，而是与对位（Counterpoint）紧密结合的产物。通过分析巴赫赋格等作品的实例，展示了当两个或多个旋律线在垂直方向上相遇时，如何自然产生和声效果。深入探讨了对位法在和声解决与冲突中扮演的角色，强调了声部进行逻辑（Voice Leading）的内在重要性，以及优秀声部进行如何支撑看似不协和的和声结构。 第三部分：二十世纪及以后的和声演变 本书的第三部分聚焦于二十世纪以来音乐语言的彻底转型，探讨了非功能和声、十二音技法以及集群和声的理论基础。 第七章：十二音作曲技法与序列主义的和声影响 本章系统介绍阿诺德·勋伯格开创的十二音体系。详细解释了“音列”（Tone Row）的构成原则（原始型、逆行、倒影、倒影逆行）以及音列的组合方式。重点分析了十二音技法如何从根本上挑战了传统和声的概念——因为所有的十二个音级在排列组合中理论上都具有同等的地位，从而消除了传统意义上的主音和属音。探讨了序列主义如何在和声层面上创造出一种全新的、无重心的听觉体验。 第八章：集群和声与无调性空间 本章探讨了与序列主义并行的、更强调音响和纹理的现代和声手法。详细分析了“集群和声”（Tone Clusters）的构造，即相邻半音的密集堆叠。讨论了亨利·考威尔（Henry Cowell）等作曲家如何利用集群来创造强烈的、有物理感的音响效果。并分析了如何通过控制集群的密度、音域和持续时间，来构建复杂的“无调性空间”或“音响场域”。 第九章：模式主义与音高空间的重塑 本章关注于二战后，作曲家们如何从非功能性音高组织中寻找新的秩序。详细介绍了“模式音乐”（Modal Music）的复兴，即回归中世纪或早期民族调式，并将其作为新的和声基础。讨论了如何通过对音高集合进行旋转、平移等操作来生成新的、具有内在逻辑的音级组（Pitch Collections），从而建立起一种既非调性也非纯十二音的、具有自身稳定性的和声体系。 总结与展望 全书最后一部分对所学内容进行了综合回顾，强调了理解和声技法的核心在于认识到音乐结构是如何从“功能性”的统一性向“可能性”的多元化演进。本书的目的是培养读者分析任何音乐片段时，能够准确识别其所处的和声语境，并理解作曲家在特定历史背景下所做的技术选择。全书配有大量的乐谱示例（纯理论性的抽象演示，而非特定作曲家作品片段），以支持抽象概念的具象化理解。